Конспект урока по искусству в 9 классе «Какими средствами воздействует искусство»

Третий и четвертый уроки: «Какими средствами воздействует искусство?» (с. 108 – 115).

Задачи уроков: обобщить представления учащихся о средствах эмоциональной выразительности разных искусств, способствовать их осознанному распознанию на новых для них художественных произведениях.

Формирование УУД: личностные – понимание содержания произведений искусства через овладение средствами их художественной выразительности; познавательные – приобретение опыта различения средств воздействия искусства разных эпох и стилей на человека; коммуникативные – формирование умений работать индивидуально, в паре, в группе в процессе изучения текста учебника, восприятия и анализа художественных произведений, приобретать навыки размышлений, аргументации, диалога; регулятивные – осознанно применять в процессе работы на уроке действия целеполагания учебной деятельности, ее планирования

, рефлексии, оценки результатов; информационные – приобретать умения самостоятельного поиска информации в различных источниках, ее классификации, сохранения на электронные носители.

Третий урок

Первый этап урока – группы учащихся дают определение понятий искусства (зачитывают записи из «Творческой тетради»). Учитель предлагает каждой группе рассмотреть иллюстрации произведений искусства из учебника на с. 108 – 115 и выбрать ту, на которой они могли бы объяснить то или иное понятие. В процессе этой работы учитель вносит дополнения, комментирует правильные или ошибочные суждения. Далее рекомендуется работа с текстом учебника, сопоставление записей, сделанных дома с определениями средств художественной выразительности, предлагаемыми в учебнике.

Второй этап урока – коллективная работа по анализу средств выразительности картины С. Боттичелли «Весна», восприятие части «Весна» цикла концертов для скрипки соло и камерного оркестра «Времена года» А. Вивальди

(см. фонохрестоматию 8 класс, треки №№ 18 – 20) выполнение заданий по данному сочинению из учебника (с. 109), чтение текстов сонета к данной части, сопоставление средств выразительности картины, литературы, музыки. Работа в группах: поиск ответов на вопросы (с.111) .

Третий этап урока – восприятие произведений искусства из учебника, продолжение выявления особенностей понятий на новых для учащихся произведениях искусства (классических и современных). Просмотр фрагмента мультипликационного фильма (по выбору учителя) для выяснения смысла трансформации пропорций фигурок его персонажей.

Завершающий этап урока – творческая работа учащихся по созданию рисунка, аппликации под звучание одного из музыкальных произведений

(см. фонохрестоматию 8 класса, треки №№ 32 – 43). Обобщение темы урока в процессе оценки успешности выполнения работ школьников одноклассниками в результате демонстрации коллективной выставки.

Домашнее задание:

1. Записать в «Творческую тетрадь» краткую информацию об основных религиях мира.

2. Привести примеры храмов, соборов, мечетей и других культовых построек (возможно выполнение задания с использованием регионального материала).

Четвертый урок – продолжение темы.

Первый этап урока – работа с текстом учебника. Запись в «Творческую тетрадь» классификации форм произведений искусства – стихотворная форма, музыкальная, изобразительная. Подбор ассоциаций к каждому типу формы. Выявление символики форм изобразительного искусства (квадрат, треугольник, круг, форма амебы и др.). Рассматривание иллюстраций на страницах учебника, определение выразительных значений элементов формы, линии.

Второй этап урока – определение особенностей музыкальной формы в произведениях разных жанров. Различение на слух приемов формообразования в музыке – повтора, контраста, вариативности в простых и сложных формах, а также ритмической организации музыки (произведения – по выбору учителя в зависимости от уровня музыкальной культуры школьников).

Третий этап урока – работа в группах. Анализ иллюстраций И. Билибина к русским народным сказкам и картины А. Денеки «На катке». Определение специфики ритмической организации билибинских орнаментов и живописи Денеки. Самостоятельная работа – найти на страницах учебника 8 и 9 классов картины, в которых ярко выявляется выразительность формы, линий, цвета, ритма.

Домашнее задание:

1. Записать в «Творческую тетрадь» информацию о религиях мира.

Тест по искусству «Какими средствами воздействует искусство»

Тест на тему «Какими средствами воздействует искусство»

1 вариант

1. Что такое композиция в искусстве?

А) сумма приёмов

Б) обработка произведения

В) построение

2) Средства художественной выразительности. (Закончите перечисление)

• композиция

• форма

• ритм

• пропорции

• ______________________

• ______________________

• ______________________

• ______________________

3.

Под каким номером находится картина «Весна» Сандро Ботичелли?

1. 2. 3. 4.

4. Что такое форма в искусстве?

А) сумма приемов и выразительных средств

Б) построение произведения

В) мерность

5. Какие простые формы в изобразительном искусстве ты знаешь? _____________________________________________________________

6. Что символизирует форма круга?

А) борьбу, агрессивность

Б) романтичность, пессимизм

В) добро, счастье, жизнь

7. Что отражает ритм в искусстве?

А) деятельность человека

Б) сумма приемов и средств

В) построение произведения

8. Что такое фактура произведения?

Тест на тему, «Какими средствами воздействует искусство»

2 вариант

1. Что символизирует форма треугольника?

А) борьбу, агрессивность;

Б) романтичность, пессимизм;

В) добро, счастье, жизнь.

2. Что такое синтез искусств?

А) соединение видов искусств в художественное целое;

Б) противопоставление видов искусств;

В) сравнение видов искусств.

3. Что такое форма в искусстве?

А) мерность;

Б) построение произведения;

В) сумма приемов и выразительных средств

4) Средства художественной выразительности. (Закончите перечисление)

• фактура

• цвет

• тон

• интонация

• ______________________

• ______________________

• ______________________

• ______________________

5. Какие простые формы в изобразительном искусстве ты знаешь? _____________________________________________________________

6. Под каким номером находится картина «Спящий пастушок» А. Венецианова?

1. 2. 3. 4.

7. Значение слова Тон?

А) Музыкальный звук определенной высоты.

В) Ритмико-мелодическая сторона речи

С) Чередование каких-либо элементов(звуков, изображений или предметов)

8. Что такое цвет произведения?

4. Что отражает ритм в искусстве?

А) деятельность человека;

Б) сумма приемов и средств;

В) построение произведения.

6. Что такое храм?

А) жилище мирского человека;

Б) культовая постройка;

В) светская постройка

Тестирование по искусству в 9 классе

2 вариант

1. Что такое искусство?

А) исторический стиль;

Б) часть духовной культуры человечества;

В) народное творчество.

3. Что символизирует форма треугольника?

А) борьбу, агрессивность;

Б) романтичность, пессимизм;

В) добро, счастье, жизнь.

4. Какие виды искусств объединяются в театре, кино, на телевидении?

А) живопись, музыка, театр;

Б) музыка, кино, скульптура;

В) драма, музыка, изобразительное искусство.

5. В каком веке мюзикл появился на свет?

А) 20 век;

Б) 17 век;

В) 18 век;

6. Кто из великих писателей в своих произведениях предсказал полеты на Луну?

А) Оноре де Бальзак;

Б) Жюль Верн;

В). Леонардо да Винчи.

7. Какое абстрактное течение основал русский художник М.Ф.Ларионов?

А) кругообразные поверхности;

Б) антисимметрию;

В) лучизм.

8. Человек во все времена стремился сделать окружающий мир…

А) …удобным и красивым;

Б) …красивым и выгодным;

В) …исторически значимым.

9. Что первоначально обозначало слово «город»?

А) местность;

Б) укрепление;

В) народ.

10. По какой традиции построен Санкт-Петербург?

А) античная традиция;

Б) современная традиция;

В) средневековая традиция.

КЛЮЧ: 1 – Б, 2 – В, 3 – А, 4 – В, 5 – А, 6 – Б, 7 – В, 8 – А, 9 – Б, 10 – А.

Общее в языке искусств — презентация онлайн

1. Общее в языке искусств

Композиция
Форма
Ритм
Фактура
Тон и контраст

2. Средства художественной выразительности

К общим средствам художественной выразительности относятся:
колорит, композиция, форма, ритм, контраст, фактура…
Они могут существенно усилить воздействие художественного произведения,
повлиять на отношение человека, вызвать определенные образы, ассоциации.
колорит
композиция
форма
ритм
фактура
Передать настроение произведения помогает колорит (лат.сolor – цвет).
Это гармоничное сочетание, тональное объединение цветов в картине,
настроение произведения.
Колорит может быть: спокойным, радостным, тревожным, грустным и др.
спокойный
радостный
грустный
Шишкин И.И. «Дождь в дубовом
лесу» 1891
Ван Гог «Красные
виноградники в Арле» 1888
И.И. Левитан «Над вечным
покоем» 1894
Основные цвета в живописи – красный, синий, жёлтый. Это цвета, смешивая которые,
можно получить все остальные цвета и оттенки, т.е. колорит
Колорит
Хроматические цвета – все цвета радуги
Ахроматические цвета
Хроматические цвета образуют спектр
Теплые цвета: красные, желтые, оранжевые и все цвета, Холодные цвета: синие, голубые, зеленые,
в которых имеется хотя бы частичка этих цветов
сине-фиолетовые, сине-зеленые и цвета,
которые можно получить от смешения
с этими цветами

7. Чувство колорита – очень ценный дар. Художники изображают не всегда то, что видят в натуре, а передают свое внутреннее

состояние в живописи, поэтому у каждого художника свои любимые
цветовые сочетания, приемы, индивидуальное отношение к цвету.
Ф. Малявин. Вихрь
Колорит
И.Репин. Крестный ход в Курской губернии,1883
Многие его картины
отличаются огненнокрасным колоритом.
Свои картины художник писал в тёплом
золотисто-жёлто-красном колорите
Цвета, которые невозможно получить от
смешения, называются основными:
красный, синий, желтый. Составные
получают от их смешения: оранжевый,
зеленый, фиолетовый
М. Врубель. Жемчужина
Художник предпочитал серо-голубые цвета
тёплый
холодный
Колорит
Образ пейзажа и настроение
меняется в зависимости
от того, в каком колорите
художник пишет своё
произведение: родственном,
контрастном, холодном или
тёплом, светлом или тёмном.
И.И. Левитан «Озеро. Русь»
И.И.Левитан. «Вечерний звон», 1892
тёмный
светлый
И.И. Левитан «Пароход на Волге»
М.Врубель. Царевна-лебедь
К. Коро «Пейзаж с озером»

9. Восприятие цвета в изобразительной деятельности

Восприятие цвета очень индивидуально. Человек, осваивая окружающий мир, культуру, должен овладеть
определёнными эталонами цвета, т.е. научиться видеть мир во всём многообразии цвета и систематизировать то,
что видит, и то, с чем он взаимодействует. Цветовое восприятие по разному влияет на психику человека.
возбуждающий,
согревающий,
оживляющий, активный,
энергичный
серьёзный, печальный,
тоскливый,
сентиментальный,
спокойный
тёплый, бодрящий,
весёлый,
привлекательный
спокойный,
приятный, мирный
весёлый, радостный,
пламенный, добрый
тоскливый, грустный,
притягивающий и
отталкивающий
Палитра настроения
Контрастные цвета
усиливают яркость друг друга,
поэтому их и называют
дополнительными.
1. Как известно в природе существует 7 цветов радуги,
какой из перечисленных цветов лишний?
б. Голубой
е. Синий
а. Жёлтый
д. Изумрудный
г. Оранжевый
з. Фиолетовый
в. Зелёный
ж. Красный
2. Какие цвета являются основными?
б. Голубой
е. Синий
а. Жёлтый
д. Изумрудный
г. Оранжевый
з. Фиолетовый
в. Зелёный
ж. Красный
3. Какой из этих цветов не относится к холодному?
а. Синий
б. Зелёный
в. Жёлтый
г. Фиолетовый
д. Голубой
4. Как вы думаете, какому термину принадлежит данное определение?
…это общая эстетическая оценка цветовых качеств произведения искусства, богатство
и согласованность цветов.
а. Цвет
б. Колорит
в. Гамма
г. Фактура
5. Как называются белый и чёрный цвет?
а. Хроматические
б. Нейтральные
в. Ахроматические
г. Главные
д. Основные
6. Установите соответствие цветов и эмоционального воздействия его на человека
Цвет
1. желтый
2. ярко-зеленый
3. красный
4. синий
5. зеленый
Чувства
а. тишина, покой
б. раздражение
в. тревога, беспокойство
г. радость, бодрость, восторг
д. уравновешенность, надежда

13. Композиция («связывание», «составление») – это построение художественного произведения, обусловленное его характером и

Композиция («связывание», «составление») – это построение художественного произведения,
обусловленное его характером и назначением. Композиция, построенная по законам искусства,
придаёт произведению целостность и гармоничность.
Композиция – это составление частей в художественное целое в соответствии с идеей и содержанием произведения.
Композиционное равновесие зависит от расположения основных частей произведения.
К. Петров-Водкин.
Яблоки
Особенности композиции акцентируют внимание на определенных предметах.
Художник подчеркивает их значимость в сюжете картины.
Франсиско Сурбаран. Натюрморт с апельсинами и лимонами
П. Сезанн. Натюрморт с белым кувшином
Композиция – это маршрут, проложенный
для последовательного зрительного
восприятия, служит объединению элементов
в единое целое и, в зависимости от способа
объединения, создает статичный,
уравновешенный или динамичный,
экспрессивный образ.
Художник преднамеренно переключает
внимание зрителя с одной части картины на
другую, вызывая в его душе определенные
переживания, причём в последовательности,
желательной для понимания содержания
произведения.
В.Тропинин. За прошивками
В изобразительном искусстве
различают композиции…
• вертикальную
• горизонтальную
• диагональную
Каждая композиция по-разному
воздействует на зрителя…
• вертикальная придаёт художественному произведению порыв и движение вверх;
• горизонтальная – статичность, спокойствие, движение мимо зрителя;
• диагональная передаёт динамику действия, движение на зрителя или от него
и охватывает большие пространства.
Одни и те же предметы, расположенные по вертикали или по горизонтали,
по-разному воспринимаются зрителем, так как вызывают различные ассоциации.
Горизонтальная композиция
А.Саврасов. Весенний день
Диагональная композиция
А.П.Лосенко. Авель
А.Г.Венецианов. Спящий пастушок
А.Иванов. Явление Христа народу
Вертикальная композиция
К.Брюллов. Всадница
В. Серов. Портрет артистки М.Н.Ермоловой
Вертикальная композиция
Сандро Боттичелли. Весна

23. Форма представляет собой сумму приемов, выразительных и изобразительных средств для создания художественного образа. В любом

виде искусства, благодаря форме, рождается внешнее выражение
определенного содержания. Например…
ИЗОБРАЗИТЕЛЬНАЯ ФОРМА
МУЗЫКАЛЬНАЯ ФОРМА
СТИХОТВОРНАЯ ФОРМА
В разных видах искусства внешнее выражение имеет свои особенности.

24. В изобразительном искусстве все элементы композиции заключены в геометрические формы: треугольник, овал, круг, квадрат,

В изобразительном искусстве все элементы композиции заключены в геометрические формы: треугольник, овал, круг,
квадрат, прямоугольник.
Форма – это очертание, наружный вид, контур предмета.
Самые простые формы приближаются к квадрату, треугольнику, кругу, «амёбе».
Каждая форма имеет свой характер:
Квадрат — законченная, устойчивая форма –
выражает утверждающие образы, ей не свойственно
движение и полёт.
Треугольник — активная, развивающаяся на плоскости
и в пространстве форма – возможность движения,
выражает борьбу противоположностей, может быть агрессивной.
Круг — наиболее яркое выражение идеи природы
(Земли, Солнца, мироздания), поэтому ассоциируется с понятиями
«добро», «счастье», «жизнь».
Текучая форма амёбы придает образам неустойчивый характер,
ассоциируется с романтичностью, меланхолией, пессимизмом.
КВАДРАТ
Ван Дусбург Тео.
Арифметическая композиция
Тео ван Дусбург. Черный квадрат
К. Малевич «Чёрный квадрат»
Никола Пуссен. Аркадские пастухи.
Треугольник
Никола Пуссен. Танец под музыку времени
Леонардо да Винчи. Мадонна в скалах. Лувр
АМЁБЫ
Сальвадор Дали. Утекающее время
На картине – бродячая труппа акробатов.
Художник нашёл меру равновесия в композиции этой
картины, противопоставив гибкую балансирующую
фигурку юной гимнастки неподвижному, словно
неотделимому от сиденья – куба, атлету на переднем
плане.
В сопоставлении двух фигур раскрывается ведущая
тема творчества Пикассо «розового» периода:
лирическая тема дружбы, внутреннего единства
людей, которых сближает тяжелый труд артиста.
Пабло Пикассо. Девочка на шаре.
1905. Холст, масло.

31. Линия тоже имеет свою форму, которая выражает образ. Она может быть  стремительной или тягучей, плавной или угловатой,

Линия тоже имеет свою форму, которая
выражает образ. Она может быть
стремительной или тягучей,
плавной или угловатой, целенаправленной
или хаотичной и т.о.
формирует различные образы.
Паук
Кошка
Собака
Линия
Пабло Пикассо. Лицо мира
Василий Кандинский. Композиция № 3
На картине Ивана Шишкина
«На севере диком…»
линия и пятно как художественновыразительные средства представлены
с удивительной силой.
Огромное пятно заснеженной и застывшей,
как в волшебном сне, могучей сосны чётко
выделяется на фоне иссиня-голубоватого
тёмного ночного неба. Пятном на снегу
смотрится и падающая тень от сосны,
стоящей на крутом холме.
Линия искрящегося, освещенного луной снега
на ветках сосны и чёткие линии очертания
тени от сосны поразительно усиливают
чувства печали, грусти, которыми пронизана
вся картина.

34. Для  усиления  художественного  образа  формы могут  быть  стилизованными или трансформированными.  В них подчеркиваются или

Для усиления художественного образа формы могут быть
стилизованными или трансформированными.
В них подчеркиваются или изменяются характерные черты предмета, а ненужные детали
отбрасываются. Особенно часто эти приемы используются в плакатной и книжной
графике и в мультипликации, а также в современной скульптуре.
Стилизация

36. Трансформация (лат.Transformatio ) — превращение, преображение, изменение формы

Трансформация (лат .Transformatio ) —
превращение, преображение, изменение формы

37. Подумай!

Сопоставьте изображение и музыкальный фрагмент.
— есть ли что-то общее между музыкой и изобразительным искусством?
А.К.Лядов
Камиль Сен-Санс
Н.А.Римский-Корсаков
Сандро Боттичелли. Весна
слева тянется за
апельсином Меркурий
в центре под аркой ветвей стоит Венера.
Ее жест указывает на трех граций,
причудливо сплетающих в хороводе руки
легко скользя по цветущему лугу
в прозрачных, легких одеждах,
рассыпает цветы сама Весна…
преследуемая Зефиром нимфа Флора
словно ищет у неё защиты…
Персонажи как будто не замечают друг друга, фигуры существуют независимо друг от друга. Прозрачные
одежды едва прикрывают тонкие, гибкие тела. Ясные и в то же время тягуче-нежные линии создают ощущение
зачарованности. На всех лицах лежит тень невысказанной грусти. Фигуры как будто двигаются с бесшумной
легкостью. Их объединяет общий ритм.

40. Сопоставим особенности композиции этого живописного полотна с особенностями построения (формой) музыкального произведения А.

Вивальди
Антонио Вивальди (1678–1741)
итальянский композитор
«Весна» — первый концерт из цикла скрипичных концертов
в стиле барокко «Времена года».
Это программная музыка, т.к. каждому из концертов композитор
предпослал сонет. Сонеты настолько соответствуют музыкальной
форме концертов, что невольно возникает подозрение, не сочинены ли
они к уже написанной музыке. Автором стихов является сам
А.Вивальди!?
Форма музыкальная – это то, что имеет отношение к конструкции произведения, к принципам его
строения, к последовательности проведения в нём музыкального материала. Форма представляет собой
схему расположения всех частей музыкальной композиции по порядку. Формы композиции в музыке
основаны на известных принципах — повтор и контраст.
Но форма – не только схема, но ещё и процесс становления и развития в произведении
тех выразительных средств, которыми создаётся художественный образ данного произведения.
Что это за выразительные средства? Мелодия, гармония, ритм, тембр, регистр и т.д.
— Какие музыкальные формы вы знаете?
• Для песенных жанров характерны простые формы
(одночастные, куплетные,
куплетно-вариационные).
• Произведения танцевальных жанров нередко написаны в трехчастной форме.
• Различают двухчастные музыкальные формы, вариации, рондо, фуга…
• Драматургия таких жанров, как симфония, концерт, опера, балет, требует более
развернутых крупных форм, построенных на сопоставлении и
противопоставлении контрастных образов (сонатная форма)
Масштабность замысла музыкального произведения определяет его форму –
композицию.

Послушайте концерт
Как его композиция влияет на общее впечатление?
Какими средствами композитор создает образ весны?
В каких эпизодах вы услышали пение птиц?
Какой принцип построения музыки играет ведущую
роль – повтор или контраст?
Почему композитор избрал форму рондо?
Появлению каких зрительных образов весны помогает
противопоставление музыкальных тем?
А в картине Боттичелли?
Какую роль играет сопоставление звучания
Сонет:
скрипки соло и всего оркестра в концерте?
Весна грядёт! И радостною песней
Можно ли найти в картине Боттичелли
Полна природа. Солнце и тепло,
аналогии этому музыкальному сопоставлению Журчат ручьи. И праздничные вести
Зефир разносит, точно волшебство.
соло и оркестра?
Вдруг набегают бархатные тучи,
Как благовест звучит небесный гром.
Но быстро иссякает вихрь могучий,
И щебет вновь плывет в пространстве голубом.
Цветов дыханье, шелест трав,
Полна природа грёз.
Спит пастушок, за день устав,
И тявкает чуть слышно пёс.
Пастушеской волынки звук
Разносится гудящий над лугами,
И нимф танцующих волшебный круг
Весны расцвечен дивными лучами.

43. Ритм отражает связь природы, человека и его деятельности с мирозданием. Слово ритм означает «мерность». Ритм сложился под

Ритм отражает связь природы, человека и его деятельности с мирозданием.
Слово ритм означает «мерность».
Ритм сложился под влиянием деятельности человека: шага, танца, заклинания, плача-причитания,
укачивания ребенка, бытовой речи, этапов работы.
— Какой эффект создает ритмическая организация
орнамента и композиции картины?
А.А.Дейнека. Коньки. 1927
И.Я.Билибин. Пир
Ритм подсказывает и сама природа: сердцебиение и пульс живого организма, пение птиц,
движение морских волн и т.п.
Ритмы понятны всем людям. С помощью ритма можно выразить состояния покоя
и безмятежности, величия и стабильности, суетливости и испуга.
Ритм
В европейской культуре в Средние века
Рассмотрите изображения…
вытянутые
по вертикали пропорции соборов
— Какие ассоциации вызывают у вас пропорции
создавали
созвучные
устремленной
этихобразы,
архитектурных
сооружений?
в эмоциональном порыве душе человека к небу.
В древнерусском искусстве выразительные пропорции
архитектурных построек несли в себе образы, объединяющие
человека с природой.
Церковь Покрова
на Нерли
Памятник деревянного зодчества
?
чередование в орнаменте каких-либо элементов
в определенной последовательности – это…
а. равновесие б. ритм в. контраст г. декоративность
Новодевичий монастырь в Москве
Послушайте
звоны
Пасхальный звон
Набат
Будничный звон
— Как изменение
ритма влияет на
эмоциональный
строй
колокольных
звонов?
Факт ура от лат . factura — обработ ка, ст роение.
В изобразительном искусстве фактура – это характер поверхности
худ. произведения, обработка изделия декоративно-прикладного
искусства, скульптуры или живописной плоскости,
способ передачи особенностей реальных предметов
(бархат, шелк, бронза и др.) изобразительными средствами.
Шлем Александра Невского
А. Джакометти. Кошка
В.Ван Гог. Море в Сент-Мари
Фактура – это совокупность технических
приемов художника: ведение кисти,
наложение красочных слоев, удары резца,
полировка.
Микеланджело Буонарроти. Пьета
В музыке под фактурой понимают характер, совокупность средств музыкального изложения,
склад, тип взаимоотношений различных голосов музыкальной ткани:
гармоническая (аккордовая), в которой голоса движутся «стройными рядами»;
полифоническая, в которой каждый голос самостоятелен;
гомофонно-гармоническая.
Приведите примеры музыкальный произведений с различными типами музыкальной ткани?
Ю.Судейкин. Балетная пастораль
1. Автор, название (если не знаете, придумайте своё)
11. Есть ли приёмы контраста или нюанса, в чем они проявились?
2. К какому виду ИЗО относится, почему
12. Сколько планов в произведении, что изображено на них?
3. В какой технике (с помощью каких худ. материалов) выполнено 13. Динамичная или статичная композиция, чем это подчеркнуто?
4. Станковое или монументальное искусство
14. Как художник использовал ритм?
5. Назовите жанр произведения, поясните свой ответ.
15. Симметричная или асимметричная композиция, есть ли равновесие?
6. Стиль, художественное направление или эпоха.
16. Охарактеризуйте колорит произведения.
7. Расскажите о сюжете (содержании) картины. Что изображено?
17. Какими средствами придается объемность изображению?
8. Какой формат произведения (прямоугольный, круглый…),
18. Линейная или воздушная перспектива? Какие и где?
почему художник выбрал такой формат?
19. Какие мысли и чувства хотел выразить художник, какими средствами?
9. Замкнутая или открытая композиция, почему?
20. Ваше отношение к картине, какие эмоции она у вас вызывает?
10. Где композиционный центр? Какими худ. приёмами он выделен?
Анализ картины
1. Название произведения (придумайте,
если не знаете)
2. Вид искусства?
3. Какой колорит? Тип колорита
(родственный, контрастный, смешанный)
4. Композиция (композиционный центр –
что изображено, динамика, ритм)
5. Какие чувства вызывает произведение?
6. Сюжет (образ) произведения?
7. Найдите художественные параллели
данному образу в произведениях
различных видов искусства.
Средства художественной выразительности
1. выберите хроматические цвета…
а. синий, желтый, зеленый, фиолетовый
б. желтый, красный, синий, коричневый
в. красный, синий, желтый, белый
г. оранжевый, чёрный, синий, зеленый
2. богатство и согласованность цветов, общая эстетическая оценка цветовых качеств произведения
искусства – это…
а. цвет
б. колорит
в. гамма
г. фактура
3. продолжите…
цвет – это специфическое средство, вызывающие у зрителя… _______________
4. вставьте недостающее значение определения…
композиция – составление, ______________, связь.
5. автор цикла скрипичных концертов «Времена года»
а. П.Чайковский
б. А.Вивальди
в. К.Сен-Санс
г. Н.Римский-Корсаков
6. какой цвет является холодным?
а. красный
б. голубой в. коричневый
г. оранжевый
7. как называются белый и черный цвет?
а. хроматические
б. нейтральные
в. ахроматические
г. главные
8. какая композиция придаёт произведению статичность, спокойствие, движение мимо зрителя?
а. горизонтальная
б. вертикальная
в. диагональная
9. форма, которая ассоциируется с понятиями «добро», «счастье», «жизнь»
а. квадрат
б. треугольник
в. круг
г. амёба
10. автор картины «Весна»
а. Рафаэль Санти
б. П.Пикассо в. С.Боттичелли
г. Н.Пуссен

1.Какие средства художественной выразительности ты знаешь? Исключи лишнее: композиция.

Урок искусства в 9 классе (ур.№2,3)
По программе «Искусство 8 – 9 класс» Г. П. Сергеевой, И. Э. Кашековой, Е.Д. Критской.
Раздел: Воздействующая сила искусства
Тема: Какими средствами воздействует искусство. Композиция. Форма.
Оценивание: Правильные ответы 1,7задания-1 бал;
2,3,4,5,6,8 заданий-0,5 баллов. Итого-5.
1.Какие средства художественной выразительности ты знаешь?
Исключи лишнее:
композиция
форма
точка
ритм
пропорции
фактура
мелодия
цвет
тон
интонация
2. . Что означает форма в изобразительном искусстве?
Исключи лишнее:
объём предмета
это очертание
наружный вид
место расположения
контур предмета
3. Что такое композиция? Исключи лишнее:
построение художественного произведения
содержание художественного произведения
синтез художественного произведения
4. Какие формы могут существовать для усиления образа?
Исключи лишнее:
стилизованные
упрощенные
трансформированные
5. Определи самые простые формы в изобразительном искусстве.
Исключи лишнее:
квадрат
круг
рондо
линия
треугольник
«амёба»
6.Может ли линия иметь свою форму?
да
нет
не знаю
7. Какие музыкальные формы ты знаешь?
Исключи лишнее:
куплетная
сложная
одночастная
двухчастнапростаяятрехчастная
вариации
рондо
сонатиннаясонатная
8.На каких принципах основаны формы в музыке?
Исключи лишнее:
повтор
контраст
отображение
Урок искусства в 9 классе (отв.)
По программе «Искусство 8 – 9 класс» Г. П. Сергеевой, И. Э. Кашековой, Е.Д. Критской.
Раздел: Воздействующая сила искусства
Тема: Какими средствами воздействует искусство. Композиция. Форма.
Оценивание: Правильные ответы 1,7задания-1 бал;
2,3,4,5,6,8 заданий-0,5 баллов. Итого-5.
1.Какие средства художественной выразительности ты знаешь?
Исключи лишнее:
композиция
форма
точка
ритм
пропорции
фактура
мелодия
цвет
тон
интонация
2. . Что означает форма в изобразительном искусстве?
Исключи лишнее:
объём предмета
это очертание
наружный вид
место расположения
контур предмета
3. Что такое композиция? Исключи лишнее:
построение художественного произведения
содержание художественного произведения
синтез художественного произведения
4. Какие формы могут существовать для усиления образа?
Исключи лишнее:
стилизованные
упрощенные
трансформированные
5. Определи самые простые формы в изобразительном искусстве.
Исключи лишнее:
квадрат
круг
рондо
линия
треугольник
«амёба»
6.Может ли линия иметь свою форму?
да
нет
не знаю
7. Какие музыкальные формы ты знаешь?
Исключи лишнее:
куплетная
сложная
одночастная
двухчастнапростаяятрехчастная
вариации
рондо
сонатиннаясонатная
8.На каких принципах основаны формы в музыке?
Исключи лишнее:
повтор
контраст
отображение

Урок 5.

технология. история развития технологий — Технология — 5 класс

Технология, 5 класс

Урок 5. Технология. История развития технологий

Перечень вопросов, рассматриваемых на уроке:

1. Понятия технология.
2. Причины развития технологий.
3. История развития технологий.

Тезаурус:

Технология – это процесс создания человеком полезных изделий и услуг.

Продукт труда – это результат целенаправленной человеческой деятельности. Продуктом труда может быть, как вещество природы, приспособленное трудом человека к своим потребностям, так и просто сама деятельность (например, услуга).

Предмет труда – вещество природы, на которое человек воздействует в процессе труда, или перерабатываемая человеком в процессе интеллектуального труда информация.

Средства труда – то, чем человек воздействует на предмет труда.

Труд – это целесообразная деятельность человека, в процессе которой он при помощи орудий труда воздействует на природу и использует её в целях создания предметов, необходимых для удовлетворения своих потребностей.

Основная и дополнительная литература по теме урока:

1. Технология. 5 класс: учеб. пособие для общеобразовательных организаций / [В.М. Казакевич, Г.В. Пичугина, Г.Ю. Семенова и др.]; под ред. В.М. Казакевича. — М.: Просвещение, 2017.

2. https://ru.wikipedia.org

Теоретический материал для самостоятельного изучения

Мир, который нас окружает, человек изменяет и преобразует в соответствии со своими потребностями. Весь этот рукотворный мир появился с помощью технологий.

Слово технология происходит от соединения двух греческих слов: «техно-», что означает искусство, мастерство, умение и «логос-» – учение, слово, наука. Оно означает совокупность приёмов и способов получения, обработки или переработки сырья, материалов, полуфабрикатов или изделий при производстве продукции.

Знание технологий помогает определить с помощью каких операций и какими инструментами можно создать те или иные материальные и нематериальные блага.

В ходе этого процесса получается продукт труда.

Продукт труда – это результат целенаправленной человеческой деятельности. Продуктом труда может быть, как вещество природы, приспособленное трудом человека к своим потребностям, так и просто сама деятельность.

Предмет труда — объект природы, на которое человек воздействует в процессе труда, или перерабатываемая человеком в процессе интеллектуального труда информация.

Средства труда — то, чем человек воздействует на предмет труда. Решающая роль принадлежит орудиям труда, механические, физические и химические свойства которых человек использует в соответствии со своей целью.

Труд – это целесообразная деятельность человека, в процессе которой он при помощи орудий труда воздействует на природу и использует её в целях создания предметов, необходимых для удовлетворения своих потребностей.

Чтобы произвести любой продукта труда, материального или нематериального потребительского блага, необходимо соединить предмет труда (материал), средства труда (инструменты, приспособления, механизмы) и труд человека.

Продукт труда – материал Средства труда – инструмент Труд человека

Из этой схемы не понятно, как именно происходит процесс производства. Как, например, руда станет отливкой, отливка – заготовкой, заготовка – деталью, а деталь – частью машины. Именно технология определяет процесс превращения предмета труда в продукт труда.

Технология – это процесс создания человеком полезных изделий и услуг.

Знание технологий помогает выбрать правильный способ обработки материалов для получения желаемого результата.

Так, например, пищевые продукты можно варить, коптить, жарить, запекать.

Деталь какого-либо механизма можно отлить в специальную форму или вытачать из заготовки на специальном оборудовании.

Выбор инструментов и способов обработки зависит от возможностей предприятия и умений рабочего.

Под технологией мы понимаем последовательную деятельность человека, направленную на преобразование вещества, энергии, информации и изучение этих процессов для удовлетворения потребностей людей.

Разработкой технологий занимаются технологи, инженеры, конструкторы, программисты и другие специалисты в соответствующих областях.

Технология как наука о способах и методах переработки сырья возникла в связи с развитием крупной машинной промышленности. Конечно же и до этого периода существовали различные методы и способы переработки сырья в изделие, только в условиях ремесленного и на начальной стадии промышленного производства невозможно было всё многообразие этих технологий объединить в единую научную систему.

Испытывая потребность в защите от непогоды, диких зверей и врагов, человек научился сначала использовать пещеры, рыть землянки, а со временем строить современные дома. Так возникли и развивались строительные технологии.

Чтобы перевозить грузы и путешествовать самому человек создал машиностроительные и транспортные технологии.

Одна из древнейших технологий – это технологии связи или коммуникации. История развития этой технологии уходит во времена первобытного человека. Чтобы предупредить соседей о грозящей опасности, информацию передавали с помощью сигнальных огней, дыма и звука. С появлением письменности и развитием транспортных технологий информацию стали отправлять письмами. Это новый этап развития технологии связи. Очень долго письмо оставалось единственным источником информации. Но у этого способа был один большой недостаток – скорость передачи. Письмо могло идти до адресата многие месяцы. Порой информация уже сильно устаревала, пока доходила до места назначения.

Новой значимой вехой в развитии информационных технологий становится изобретение радио русским учёным. Его звали Александр Степанович Попов изобретает. С этого момента технологии связи начинают стремительно развиваться. Появляется телефон. И чем больше новых предметов или благ создаёт человек, тем больше у него возникает потребностей. Ему уже не достаточно только слышать, он уже хочет видеть то, о чем ему пытаются сообщить. Начинает развиваться новый вид передачи информации – телевидение. Сегодня телевидение стало спутниковым, современные виды связи – это интернет, мобильная связь. Путь от первого радиоприёмника до спутникового телевиденья был пройден всего за 100.

Такой стремительный скачок обусловлен развитием не только технологии связи. Этому способствуют развитие всех известных технологий.

Современные технологии основаны на достижениях научно-технического прогресса и ориентированы на производство продукта: материальная технология создаёт материальный продукт или благо, информационная технология (ИТ) — информационный продукт.

Примеры и разбор решения заданий тренировочного модуля

Задание 4. Выделите зелёным предмет труда, синим цветом – средство труда.

Варианты ответа:

Ткань

Деревянная доска

Иголка

Картон

Пила

Удочка

Рыба

Ножницы

Правильный вариант ответа:

Предмет труда

Ткань

Деревянная доска

Картон

Рыба

Средство труда

Иголка

Пила

Удочка

Ножницы

Подсказка: Предметом труда является объект природы, на которое человек воздействует в процессе труда, или перерабатываемая человеком в процессе интеллектуального труда информация, а средством труда то, чем человек воздействует на предмет труда. Решающая роль принадлежит орудиям труда, механические, физические и химические свойства которых человек использует в соответствии со своей целью.

Задание 4. Расставьте подписи к изображениям.

информационные технологии	транспортные технологии	строительные технологии

Беспалова Татьяна Владимировна. Netfolio — портфолио учителя. Публикации

2011	«Орнамент. Ателье Василисы Прекрасной»	http://pedgazeta.ru/6227			Файл
2011	«Тайна третьей планеты» (программа летнего лагеря)	http://pedgazeta.ru/6567			Файл
2011	«Эскиз-проект ледового городка»	http://pedgazeta.ru/6574			Файл
2011	«Образ средневекового воина»	http://pedgazeta.ru/6575			Файл
2011	«Арт-аукцион»	http://pedgazeta. ru/6671			Файл
2011	«Суд над современным искусством»	http://pedgazeta.ru/6756			Файл
2011	«Праздник искусств»	http://pedgazeta.ru/6830			Файл
2011	«Фотография — искусство светописи»	http://pedgazeta.ru/6874			Файл
2011	«Фотопейзаж»	http://pedgazeta.ru/6890			Файл
2011	«Сюжетная фотография»	http://pedgazeta.ru/6971			Файл
2011	«Фотопортрет»	http://pedgazeta.ru/7155			Файл
2011	«Кинематограф»	http://pedgazeta.ru/7254			Файл
2011	«Садово-парковое искусство»	http://pedgazeta.ru/7547			Файл
2012	«Эскиз-проект детской площадки»	http://pedgazeta. ru/7635			Файл
2012	«Эскиз-проект стула»	http://pedgazeta.ru/8000			Файл
2012	«Что есть красота»	http://pedgazeta.ru/10065			Файл
2012	«Русь» (программа летнего лагеря)	http://pedgazeta.ru/10546			Файл
2012	«Развитие дизайна и его значение в жизни общества»	http://pedgazeta.ru/10787			Файл
2012	«Крупнейшие музеи изобразительного искусства и их роль в культуре»	http://pedgazeta.ru/11397			Файл
2012	«Праздник и игровое начало в искусстве как проявление и обновление творческого потенциала человека и культуры»	http://pedgazeta.ru/11454			Файл
2012	«Откровенье вечной красоты. Застывшая музыка»	http://pedgazeta. ru/18562			Файл
2012	«Какими средствами воздействует искусство»	http://pedgazeta.ru/25264			Файл
2012	«Храмовый синтез искусств»	http://pedgazeta.ru/25265			Файл
2012	«Активизация познавательной деятельности на уроках изобразительного искусства»	http://festival.1september.ru/articles/604511/			Файл
2015	«Предметный сайт педагога как средство развития УУД обучающихся»	сайт Томского государственного университета «Педпланета»			Файл
2015	«Организация летнего отдыха детей как часть системы духовно-нравственного развития и воспитания обучающихся»	материалы региональной научно-практической конференции		Файл
2015	«Сайт педагога предметной области «Искусство» в условиях ФГОС»	материалы 9 международной научно-практической конференции «ИКТО-2015»		Файл	Файл
2015	Сайт педагога как коммуникационное пространство	материалы 5 Международной научно-практической конференции «Развитие современного образования: теория, методика и практика»			Файл
2017	Дополнительное образование в летнем оздоровительном лагере дневного пребывания детей	материалы Межрегиональной научно-практической конференции, 4 апреля 2017 г. , г. Екатеринбург/Урал. гос. пед. ун-т; под ред. Е.В. Коротаевой. – Екатеринбург: [б. и.], 2017, С. 51-53		Файл
2017	Поликультурное образование: теория и практика (с. 59-62)	http://elar.urfu.ru/handle/10995/48453
2017	Урок в музее	материалы Всероссийской научно-практической конференции по музейной педагогике «Музей как образовательное пространство: инновационные формы работы с посетителем» (21-24 июня 2017 г., г. Петрозаводск) С. 22-24		Файл
2017	Учить и учиться. Вызовы XXI века	Материалы II Международной научно-практической конференции (с. 130) «УЧИТЕЛЬ СОЗДАЕТ НАЦИЮ», 25 ноября, г. Грозный			Файл
2018	Смешанное обучение на уроках изобразительного искусства	Материалы Всероссийской научно-практической конференции. Оренбург, ОГПУ, с. 173-175		Файл
2019	Художник в цирке	http://pedgazeta. ru/viewdoc.php?id=56615			Файл
2019	Школьный музей и летний оздоровительный лагерь дневного пребывания детей	Эффективные практики организации отдыха и оздоровления детей Уральского федерального округа. Материалы межрегиональной НПК «Актуальные вопросы развития детского отдыха: практика и перспективы». С. 10-13		Ссылка

Как начинался русский футуризм • Расшифровка эпизода • Arzamas

Содержание седьмой лекции из курса Ильи Доронченкова «Приключения Моне, Матисса и Пикассо в России»

До сих пор мы говорили практически только о диалоге русского искусства и искусства Франции. Эта ситуация отражает реальность. Если еще в 1890-е годы для нашей молодой живописи были актуальны почти в равной степени произведе­ния скандинавских, немецких, француз­ских художников, то к 1910-м годам французское искусство, растущее из импрессионизма, стало практи­чески синонимом современного искусства. А немецкая живопись, немецкий экспрес­сионизм, который был представлен на русских выстав­ках, странным образом проходил незамеченным для русской критики. Художественная Франция стала эталоном современного поиска, современной живописи. Именно во Франции выдвигались централь­ные проблемы искусства, там же они и решались. Имен­но по отношению к французскому искусству выстраи­вали свои стратегии те отряды нацио­нальных художественных школ, которые хотели эти школы возглавить. Но исключения были, и такое исключение в России — это казус итальянского футуризма.

Когда мы говорим о русских аван­гардистах, само собой выскакивает слово «фу­туризм». Это слово появи­лось в 1909 году, когда талантливый поэт и гениаль­ный пиарщик Филиппо Томмазо Маринетти опубликовал в газете «Фигаро» «Мани­фест футуризма». Так появил­ся новый жанр: с этого времени почти каждое новое художественное явление должно было теоретически себя обес­печить и максимально громко и емко провозгласить, чего оно хочет. Но это был не только новый жанр — стало ясно, что перед нами формулируется некое новое чувство реальности, и перед искус­ством ставятся новые задачи. И эти задачи касались не человече­ской психологии и не человеческого измерения мироздания, человек переставал быть мерой всех вещей. Они касались тех обстоя­тельств современной цивилизации, в которых человеческое практически угасало. Футуристы воспевали скорость, электри­чество, волны, пронзающие материю, энергию, и в том числе энергию войны. Человеческие страдания интересова­ли их ничуть не больше, чем страдания электри­ческой лампочки. И футуристы декларировали свою ненависть к музеям. Для итальянской моло­дежи это было понятно, потому что Италия уже превратилась к тому моменту в общеевропейский музей, собрание белых мраморов и священ­ных картин, которые гирей висели на ногах у итальянской художествен­ной молодежи.

Футуризм родился как литературное явление, но достаточно быстро обрел свое живописное измерение. В 1912 го­ду в Париже состоялась первая выставка ху­дожников-футуристов, которые на самом деле комбинировали в своем живо­писном языке опыт импрессионизма — с его вниманием к детализированному впечатлению, особенно впечатлению от современного города, от электри­че­­ского освещения и скорости, от смещения пространства, уплотне­ния перспек­тивы — с живописным языком кубизма: с дроблением формы и декларацией художествен­ной воли, которая анализирует форму и реконструирует ее на хол­сте. Эта выставка была великолепным коммерческим проектом. За непол­ные два года она проехала практи­чески по всем европейским столицам, к каждой выставке издавался каталог с декларацией футуристов. Картин было относи­тель­но немного, несколь­ко десятков, но резонанс был огромный. Футуристы, в отличие от кубистов с их тяготением к ста­бильности, устойчивости, к ана­лизу формы, стремились передать движе­ние. Собственно говоря, как писали прони­цатель­ные критики той поры, в общем, к этому и сводилось художе­ствен­ное новаторство футуристов.

Получилось так, что футуризм в России приобрел сенсационную известность. Манифесты итальян­ских писателей и художников переводились. В 1914 году, когда Филиппо Томмазо Маринетти навестил с гастролями Москву и Петер­бург, уже практически все значимые тексты футуристов были доступны рус­скому читателю, и для художников, живописцев было понятно, что теория отдельно, а практика отдельно. Даже притом, что очень мало русских худо­жествен­ных деятелей видели футуристиче­скую живопись — для этого нужно было случиться в том или ином европейском городе ровно в тот момент, когда там гастролировала футуристическая выставка, — но даже по сопоставлению репродук­ций и текстов было понятно, что футуристы — это скорее художники, создающие концепцию, нежели реализующие с должной мерой убедитель­но­сти живописную задачу. Футуризм в России воспринимался, в общем-то, двоя­ко: с одной стороны, в узком смысле, как художественное движение, и здесь русские критики — как модернистские, для которых футуризм вообще был курьезом, парадоксом, так и авангардисты — были достаточно скептичны. Все указывали на то, что футуристы не преодолели импрессионизм, а в области живописного языка находятся в сервильной зависимости от французских ку­бистов. Но гораздо важнее, что футуризм для русского сознания стал символом кризиса эпохи. Он стал тем, что называлось в XIX веке болезнью столетия. Он воплощал тот результат инду­стриаль­ного городского развития, который при­во­дил к отрицанию важнейших человеческих ценностей. И вот именно в этом отношении футуризм бросает тень на русское художественное сознание этой поры. Накануне Первой мировой войны Дмитрий Мережковский, напри­мер, напечатал в одной из газет статью «Еще шаг грядущего Хама», а «гряду­щий Хам» для этого времени очень важная категория, описывающая восстание обы­вателя, пришествие обывателя. И там он пишет, что футуризм похож на буду­щее, как щенок похож на зверя, а червь похож на дракона. То есть в фу­туризме художественном с его любовью к скорости, энергии, без морального контроля, без понимания трансцендентности мироздания, в футуризме, в куль­те буду­щего русское художественное сознание (особенно критически настроен­ное по отношению к артистическому эксперименту) видело очень дурной знак — знак пришествия новой цивилизации, для которой христиан­ские и гу­манисти­ческие ценности — пустой звук.

Пострадали от этого русские авангар­дисты, потому что достаточно бы­стро они приняли имя футуристов. Мы знаем, что самоназвание группы «Гилея» и свя­занных с ней худож­ников и поэтов — это «будетляне». Это великолепное слово, изобретен­ное Хлебниковым, описывает устремление русских футуристов к пре­красному будущему и отрица­ние нынешнего прошлого, но с дру­гой сто­ро­ны, славянский архаизм этого имени указывает на то фунда­ментальное раз­личие, которое было очень дорого для русских футури­стов. Этот славянский корень русского самоназвания указывает на доцивилизационные, доисториче­ские основания русского футуризма. И в этом заключалось его главное разли­чие с итальянским однофа­мильцем. Дело в том, что русский футуризм был чрезвычайно озабочен своими корнями. Можно было бы сказать «националь­ными корнями», если бы слово «национальный» не относилось напрямую к культуре Нового времени, а именно под культуру Нового времени, в донацио­нальную, племенную почву уходили интересы русских будетлян. Но так или иначе совпадение имени было клеймом, было проклятием, и в очень большой степени полемическая энергия русских футуристов была направлена на то, чтобы отмыться, на то, чтобы декларировать соб­ствен­ную независимость, самосто­ятельность и первичность. И этим отчасти объясняется тот лютый прием, с которым столичный гастролер Маринетти столкнулся в Москве и особенно в Петрограде, когда Хлебников и Лившиц устроили, по сути дела, демонстрацию во время его выступления, раздавая блестяще написанную оскорбительную листовку против итальянского гостя.

К 1914 году, когда к нам с публич­ными лекциями приехал Маринетти, словно инспектор из столицы, прове­ряющий провинциальное отделе­ние — примерно так описывал эту ситуацию Бенедикт Лившиц, — русский авангард уже перерос футу­ризм. Русский авангард воспользо­вался какими-то его идеями, и, на­вер­ное, права американский историк искусства Шарлотта Дуглас, которая видит в теории ларионовского лучизма — одного из первых абстрактных живописных течений — отражение футуристи­че­ской идеологии и футуристического пред­став­ления об энергии. Но харак­терно то, что футуризм для России был имен­но теоретическим ферментом и в то же время — моделью художни­ческого по­ве­дения, потому что италь­ян­ские футуристы были первыми, кто превратил скан­дал в средство самоутвер­ждения, эстетизировал его. По сути дела, они изобре­ли перформанс. А рус­ский авангард, который мы сейчас чтим как глав­ное худо­жественное явление 1910–20-х годов, в ту пору был жесточайшим обра­зом мар­гинали­зирован. Это нужно хорошо себе представлять для того, чтобы по­нять революционные потенции авангарда, понять, насколько велики достиже­ния этих художников и насколько эти достижения связаны с попыткой преодо­ления своего унижен­ного положения.

Русские авангардисты были свободны от культурной традиции. Если мы по­смотрим, откуда они происходили, как и чему они учились, мы поймем, что это совершено уникальная ситуа­ция, когда люди абсолютно открыты любому влиянию и обла­дают колос­сальной потенциальной энергией. С другой сто­роны, в отли­чие от аван­гарда французского, итальян­ского или немецкого, русские аван­гардисты, русские футуристы не име­ли обеспеченных влия­тель­ных патро­нов, они не пользовались поддержкой галеристов, потому что сам по себе тип галериста, фигура галериста стала появляться в России только к самому началу Мировой войны. У них не было своих органов печати, как, допустим, у немецких экспрес­сионистов с журналом Герварта Вальдена Der Sturm или у итальянцев с Lacerba. В общем, все было против них, и, понят­ное дело, чем громче они заявляли о себе, тем резче они провозглашали свои принципы, тем больше было шансов быть услы­шанным.

И вот в этой дискуссии, которая в большой степени является содержанием ху­дожественной жизни 1910-х годов, современное западное искусство, и прежде всего искусство французское, занимает центральную позицию. Я рискну утвер­ждать, что в этот момент та художественная сила, которая предложит рус­ско­му обществу свой образ французской живописи, будет управлять худо­же­ствен­ным дискурсом в целом. Это было важно вот почему: если в конце XIX ве­ка, когда на авансцену вышел петербургский «Мир искусства» и новое поколение русских модер­ни­стов, они позиционировали себя как западное явление в рус­ском контек­сте, их оппонентами были передвиж­ники, которые к тому моменту русской публикой осознавались как большое русское нацио­нальное искусство. А вот к началу 1910-х годов две основные борющиеся силы, конфликт которых, собственно, и был двигателем развития русского изобра­зительного искусства в эту пору, а именно модернисты (то есть традиция «Ми­ра искусства» и худож­ников, которые группировались около петербургского жур­нала «Апол­лон») с одной стороны и аван­гардисты (условные футури­сты) с другой, — обе эти силы обладали западной художественной генеало­гией. И «Мир искусства» с его модернистским происхождением, с его укоренен­но­стью в ар-нуво, в стиле мо­дерн и символизме, с его открытостью современной европейской живописи, и особенно авангард, отцами которого были Сезанн, Ван Гог и Гоген, воспри­нимались теперь и осознавали сами себя как явления, с одной стороны, рус­ские, обладающие миссией с точки зрения будущего рус­ского искусства, а с дру­гой стороны — как явления, причастные общемировому процессу, фран­цузские по своей генеалогии. Это была большая проблема, и, если мы осознаем эту проблему, мы поймем и драматизм развития русской живописи перед революцией.

Если в конце XIX века художники «Мира искусства» выглядели как молодые наглецы, то к 1910-м годам они превратились в ту художествен­ную силу, кото­рая осознала себя как сила срединная, центральная, направ­ляю­щая, ответствен­ная за судьбу национальной школы. И ощущение того, что именно они должны сконструировать новое русское искусство, соседствовало с тем, что моделью этой конструкции должна стать эволюция французской живо­писи. И француз­скую живопись не надо повторять, но нужно действовать так, как французы, и для них в данном случае абсолютно принципиальным был тот образ фран­цуз­ского искусства, который сочетал в себе представления о революции и эво­люции, когда каждое новое радикальное открытие на самом деле коренится в глубинной логике художественного развития предшествую­щих десятилетий. И в этом отношении главными оппонентами оказывались, конечно, молодые футуристы, потому что с точки зрения наблюдателя 1900–10-х годов живопис­ный язык Давида Бурлюка, Михаила Ларио­нова, Натальи Гончаровой, «Буб­но­вого валета» выглядел как слепок с французской живописи, но слепок неудач­ный, провинциальный, и эта молодежь восприни­малась и широ­кой публикой, и отчасти своими оппонентами-модернистами как обезьяны Парижа. Вот что барон Николай Врангель писал в журнале «Аполлон»:

«Пока последовательно, шаг за шагом не будет пройдена наслед­ствен­ная традиция французской школы за последние сто лет, до тех пор не сумеем мы усвоить и понять смысл и важ­ность откровений. Надо сперва выучить азбуку, а затем уже приняться читать и писать соб­ственные измыш­ления».

Это означало, что нужно учиться у фран­цузов, но не пытаясь заим­ствовать последний крик, а прохо­дить последова­тель­но традицию французской школы.

Принципиально важным проектом журнала «Аполлон», который последова­тельно знакомил русского читателя с современным художе­ственным процес­сом на Западе, но расставлял свои акценты, беском­промиссно отметая, скажем, футу­ризм и очень осторожно описывая Пикассо, — таким проектом стала в 1912 го­­ду одна из лучших выставок французского искусства, когда-либо со­стоявшихся в нашей стране. Она называлась «Сто лет французской живописи», была открыта в особняке княгини Юсуповой на Литейном проспекте в Петер­бурге и отмечала столетие войны с Наполеоном. К этому моменту Россия и Фран­ция были тесными военными и полити­ческими союзниками, и эта выставка была, конечно, частью идеологиче­ского объединения двух госу­дарств. Но именно она развернула перед русским зрителем тот сложный и вза­имосвязанный процесс, который позволял понять как звенья одной цепи фран­цузское искусство от Жака Луи Давида до Сезанна и Гогена. Неслучайно Бенуа называл ее выставкой-музеем — именно она давала пример эволюцион­ного раз­вития современного искусства, искусства, которое реализуется в аб­солют­ных ценностях, и неслучайно тот же Бенуа сравнивал Гогена с Рафаэлем, а Се­занна — с Микеланд­же­ло. Эта выставка была немым укором для молодежи, и эта полемика с молодежью была частью политики журнала «Аполлон». Вот что писал его редактор Сергей Маковский:

«Наша задача — борьба на два фронта: с мертвыми традициями искус­ства, унаследованными нами от упа­дочных живописцев XIX века (все виды „академизма“ и „псевдореализма“), и с ре­волюционизмом слепого новаторства, не признающего никакой преем­ствен­ности».

Речь идет, конечно, о футуристах, и тут очень важно пояснить, что для круга «Аполлона», для Александра Бенуа попытка перенести на рус­скую почву опыты фовизма или кубизма действительно воспринимались как поверхност­ное под­ра­жание, как отсутствие художественной дисцип­лины, как самодоста­точ­ное экспери­ментирование. Понятно, что это было несправед­ли­во, но это отно­ше­ние было глубоко укоренено в художественной идеологии модернистов.

Лучше всего демонстрирует прин­ципиальное различие двух понима­ний роли французской живописи отношение к великим создателям современного худо­жественного языка — к постим­прессионистам. Вот Александр Бенуа, описывая свои впечатления от выстав­ки 1912 года в Петербурге, говорит:

«Что означают оба художника, Сезанн и Гоген, в истории эволюции современ­ной живописи? Означают ли они образы, достойные подра­жания, или же они вехи окончатель­но пройденного? Если придержи­ваться раз взятого сравнения с двумя величай­шими художниками Возрождения, Микеланджело и Рафаэлем, то ответ должен получиться довольно определенный. Не образчики они, а имен­но границы, дверь, закрывшаяся на пройденном».

Они действительно часть великой цепи искусства, но из них не растет ис­кус­ство будущего. Точнее, им нельзя подра­жать — их можно развивать. И вот художница Ольга Розанова через год, словно бы отвечая Бенуа, в тексте, ко­торый знаменательно озаглавлен «Основы нового творчества и причины его непонимания», говорит буквально следую­щее:

«Указав выше, что все искусство, ранее существовавшее, лишь намеком касалось задач чисто живописного свойства, ограничиваясь в общем повторе­нием видимого, можно сказать, что лишь в XIX веке школой импрессионистов впервые выдвинуты были положения, до тех пор неизвестные: условие воздушно-световой атмо­сферы в картине, цве­то­вой анализ. Затем следуют Ван Гог, давший намек на принцип динамиз­ма, и Сезанн, выдвинувший вопрос о конструкции, плос­костном и по­верх­ностном измерении. Но Ван Гог и Сезанн — это лишь устья тех ши­роких и стремительных течений, которые являются наиболее опре­де­лившимися в наше время: футуризм и кубизм».

Либо это дверь, закрывшаяся на пройденном, либо это устье, через которое устремляется поток в буду­щее. Как мы понимаем, от того, какой образ совре­менной француз­ской живописи будет предложен или навязан русскому зри­телю, в очень большой степени зависит то, как мы будем понимать будущее рус­ского искусства — как искус­ства эволюции или как искусства революции.

И в этом отношении снова встает вопрос о национальной природе русского искусства в начале ХХ века, вопрос очень болезненный для каждого из художе­ственных направлений. Как ни странно, многое в ответе на этот вопрос объеди­няет мирискусников, аполлоновцев и футуристов. Вообще вопрос о националь­ном в искусстве в это время остр, потому что новая живопись по определению имеет чужеродную для нее генеалогию — она приходит извне практически в лю­бую страну. Немцы очень болезненно переживают французское воздей­ствие на свое искусство, даже сами французы видят в кубизме результат тле­творного воздействия иностранцев, например немцев. Так что в этой остроте национальной проблематики в России нет ничего оригинального. Мы можем даже сказать с удовлетворением, что, притом что национальные проблемы в Российской империи этой поры стояли чрезвычайно остро, все-таки русская художественная полемика по поводу зарубежного искусства не знала прямых ксенофобских кампаний. Но так или иначе перед каждым из этих художествен­ных объединений стоял вопрос о том, чтобы осознать и предложить обществу свое видение национальной природы современного искусства. Если мы посмо­трим на ту серьез­ность, с которой эта эпоха разговаривает об искусстве, нам придется как-то ее объяснить. Я полагаю, что в основе этой серьезности лежит разделяемое всеми участниками художественных дискуссий, от символистов до марксистов и от футуристов до пролеткультовцев после революции, пред­став­ление о том, что искусство не просто отражает национальную менталь­ность — оно способно ментальность народа или класса формировать. Лучше всего выражается это представление учениками Гегеля. Вот, например, Карл Шназе еще в 1843 году писал:

«Искусство каждого периода — это одновременно самое полное и самое надежное выражение искомого национального духа, это нечто подобное иероглифу, в котором скрытая сущность нации представляет себя, и по­том длящаяся история искусств представляет собой зрелище про­грес­сивного развития человеческого духа».

Так что искусство и его будущее, искусство и его природа, искусство и его на­циональные истоки — это очень актуальный и болезненный вопрос для той поры.

И здесь мы сталкиваемся с одной из проблем, которую должен был решить русский авангард — и решал ее с самого начала своего независи­мого суще­ствова­ния. Собственно говоря, русский неопримитивизм, сформированный Ларионо­вым, Гончаровой, «Бубновым валетом», и решает эту проблему. В свое время литературовед Рудольф Дуганов хорошо очень сказал, что русский фу­туризм как худо­же­ственная концепция заимствован с Запада, а вот как эсте­тическая концеп­ция он родился самостоятельно. Вот эта двойственность при­роды русского аван­гарда должна быть принята во внимание, когда мы по­пы­таемся понять, как в это время русские авангардисты принимают и пере­ва­ривают западное искусство и предъ­являют свое понимание его. Это понима­ние, без­условно, очень индивидуально, оно продиктовано потребно­стями са­мо­го авангарда, его интеллектуальным уровнем и его пониманием задач жи­вописи. Не надо искать в лекциях и статьях Бурлюка о кубизме адекватного отражения принципов кубизма. В этой лекции Бурлюк формули­рует свое пред­ставление задач живо­писи, те категории вроде категорий сдвига, которые ста­нут прин­ципиальными для русских футуристов и для русских фор­малистов. Француз­ское искусство — это оболочка и инстру­мент для формиро­ва­ния своего пони­мания задач искус­ства.

Но, с другой стороны, есть одна проблема, которая особенно остро осо­зна­ется нашими молодыми художни­ками именно из-за собственной западной генеало­гии: они все время должны оправдываться в том, что они на самом деле неза­ви­симы, это они представ­ляют современное русское искусство. И в этом отно­шении им очень важно показать, что на самом деле русский футуризм родился сам по себе, на самом деле русский футуризм ис­пользует русские националь­ные корни. Русский неопримитивизм возрождает лубок; он обязан росписи под­носов, провинциальному портрету или вывеске в такой же степе­ни, как Сезанну и Гогену. Отчасти это действительно так: Ларионов сочетает в своей практике уроки импрессионизма и постим­прессио­низма, Матисса и свое зна­ние русской фольклорной визуальной культуры. Но нам важно сей­час даже не то, как дело, возможно, обстояло в реальности, а то, как оно отра­жается в сознании современников. И вот тут действительно футуристам при­ходится бороться за националь­ную независимость. И если мы не учтем эту прагматику саморепрезентации футуристов в общественном поле, где над ними тяготеет проклятие подражателей, провинциальных ими­таторов париж­ских экспери­ментов, а в Париже искусство Матисса, даже если оно страшно, пугающе, то оно логично, оно проистекает из развития фран­цуз­ской живописи, а у нас оно механически переносится на чуждую ему почву. Вот если мы не учтем этой проблемы, мы не поймем постепенно нарастающего яростного славянофиль­ства русского футуризма.

Чем дальше, тем больше: примерно с 1913 года в текстах русских футу­ристов нарастает стремление доказать собственную самостоятель­ность. В каталоге персональной выставки Наталии Гончаровой 1913 года помещен своего рода манифест, который, скорее всего, принадлежит перу молодого союзника Ла­рионова и Гончаровой Ильи Зданевича, который выступал в это время как рупор ларионовской группы. И в этом манифесте от имени художницы ска­зано:

«В начале моего пути я более всего училась у современных французов. Эти последние открыли мне глаза, и я постигла большое значение и ценность искусства моей родины, а через него — великую ценность искусства восточ­ного. Мною пройдено все, что мог дать Запад до на­стоя­щего времени, а также все, что, идя от Запада, создала моя родина. Теперь я отряхаю прах от ног своих и удаляюсь от Запада, считая его нивелирующее значение весьма мелким и не­значительным. Мой путь — к первоисточнику всех искусств: к Востоку. Искус­ство моей страны несравненно глубже и значительнее, чем все, что я знаю на Западе. Я заново открываю путь на Восток, и по этому пути, уверена, за мной пойдут многие. Я убеждена, что современное русское искусство идет таким темпом и поднялось на такую высоту, что в недалеком будущем будет играть очень выдающуюся роль в мировой жизни. Современные западные идеи, глав­ным образом идеи Франции, о других не приходит­ся говорить, уже не могут нам оказать никакой пользы, и недалеко то время, когда Запад явно будет учиться у нас».

Я могу привести еще и еще примеры подобного рода вызы­вающего славяно­филь­ства. Надо, безусловно, сделать скидку на то, что перед нами текст поле­мический, если не прямо провокационный. Но факт остается фактом: в форми­ровании самосозна­ния футуризма перед Мировой войной центральную роль начинает играть представление себя как авангарда, как передового отряда Во­стока; Востока, который поглощает Китай, Японию, Персию, бескрайние степи Евразии, и неслучайны здесь скифские мотивы будетлян; Востока, который стоит на пороге Европы и готов эту Европу поко­рить, художественную Европу.

С началом Мировой войны этот мотив становится все более агрессивным. В ноябре 1914 года Маяковский пишет:

«Россия борется за то, чтобы не стать хлебным мешком Запада. Если до сегодняшнего дня Германия не сделала попыток обрубить рост Рос­сии, то только потому, что видела в нас спеющую колонию, которая, наливаясь, сама упадет в ее зубастую пушками пасть. <…> Пора знать, что для нас „быть Европой“ — это не рабское подражание Западу… а напря­жение собственных сил в той же мере, в какой это делается там».

Очень пока­зательно, что когда, допустим, Александр Шевченко, художник лари­онов­ского круга, пишет работу о кубизме, он находит истоки кубизма в египетском твор­честве, творчестве Передней Азии и прослеживает их через средне­вековое ис­кусство и через русскую традицию до последних десятилетий. И тогда ока­зыва­ется в интерпретации Шевченко, что Пикассо не сделал ничего нового, что Пи­кассо лишь продолжает ту длительную, почтенную традицию, которую, как получается, русские футуристы возрождают, актуализируют, при­мыкают к ней. Эта особенность — стремление найти исток в глубинных архаи­че­ских традициях и таким образом архаизировать современную фран­цузскую живо­пись и через нее — современную живопись Европы и России, — это осо­бен­ность русского футуристического дискурса последних лет перед Мировой войной и революцией.

Одним из полемических ходов в защите от обвинений в заим­ствованиях и эк­лектике, а мы знаем, что и Ларионов, и Гончарова были художниками почти такими же многоликими, как Пикассо, была остроумная идея, которую сфор­мулировал летом и осенью 1913 года Илья Зданевич. Он придумал в диалоге с Ларионовым такое явление, как всёчество. Это изобре­тенное слово обо­зна­чало, что русскому современному творчеству подвластны все времена и эпохи, что современный художник не знает времени. Ларионов в одном из своих тек­стов написал: «Поль Сезанн, живописец, жил при Рамзесе II». И в своей фик­тивной биографии Наталии Гончаровой Зданевич пишет, что Гончарова путе­ше­ство­вала на Таити и общалась там с Гогеном; что она посе­щала Ван Гога в Арле и переписывалась с Сезанном. Ничего подобного быть просто не могло. И с одной стороны, перед нами, конечно, футуристическая мистификация — я не думаю, что Зданевич хоть на минуту полагал, что кто-то в нее поверит, — а с другой стороны, это очень интересный парадоксальный выход из проблемы: вы говорите, что мы эклектики? да нет, мы берем свое там, где находим, нам подвластно все, нет времени и нет пространства. В сущ­ности, Зданевич паро­дирует ставший к этому моменту клише интеллигент­ского созна­ния культ всемирной отзывчивости русского человека, сформу­лирован­ный когда-то Достоевским.

Борьба за интерпретацию искусства Запада одновременно была и борьбой за Восток. Футуристы с мессианской настойчивостью представляли себя носи­телями восточных ценностей — интуитивных, органических, противо­стоящих рационалисти­ческой западной цивилизации. Но их оппоненты-модернисты, в сущности, играли на том же самом поле. Если мы посмотрим на самую совер­шенную реализацию мирис­куснического проекта — Русские сезоны Дягиле­ва, пережившие колоссальный успех в Париже, — то мы вынуж­дены будем при­знать, что Дягилев великолепно рассчитал успех этих пред­ставлений, зная ожидания французской публики. Французская публика жаждала экзотики. XIX век в словесности, музыке и живописи сформировал традицию ориента­лизма — Востока, на котором можно то, что очень хочется дома, но нельзя; Востока цветистого, пряного, привлекатель­ного. Балет — искусство западное, балет — искусство техничное, балет — искусство очень рациональ­ное. И вот Дягилев гениально сыграл на сочетании западного инструмента и восточного духа. Потому что если мы посмотрим на те вещи, которые имели сногсшиба­тельный успех, то это балеты и представления, ко­торые показывают Россию как стихийный, иррациональный, стра­стный Во­сток: «Половецкие пляски», «Шехеразада» и даже «Послеполу­ден­ный отдых фавна» на музыку Дебюсси в исполнении Нижинского, собственно говоря, и являются торжеством ирра­цио­нальной чув­ствен­ности, которая в сознании парижской публики, конечно, ассоциируется с загадочным Востоком.

В этом же контексте находится и война за икону. То, что мы сейчас восприни­маем как образ русской самости, русской непохожести, того, что отличает нас от остального человечества, превратилось в актуаль­ный художественный факт после 1913 года, когда в честь 300-летия дома Романовых в Москве прошла вы­ставка древнерусского искусства, включавшая почти 150 икон из частных соб­раний, манускрипты, образцы шитья, и это был абсолютно поворотный мо­мент в осознании иконы не просто как «умозрения в красках», как скажет по­том философ Евгений Трубецкой, но и как актуального художе­ственного фено­мена. Бенуа неслучайно назвал это событие «иконной Помпеей»: целый кон­тинент расчищенных икон вышел на поверхность и был осознан нашими со­отече­ственниками как художественный памятник и как молчаливый укор совре­менному искусству. Тот же Бенуа очень проницательно отметил, что если бы икона была открыта десять лет назад, она не приобрела бы такого резо­нанса. Почему? Дело в том, что Бенуа сопоставил проблематику иконы, художествен­ную проблематику, видение иконного живописца, свободного от условностей ренес­сансной рационалистической картины мира, сопоставил поэтику иконы и живопись современных художников, современных францу­зов. И для него икона стала не воплощением русской специ­фичности, а наоборот — свидетель­ством нашей глубинной, исконной причастности к европейскому человечеству. В апреле 1913 года он писал:

«В наши дни большое внимание обращено на Ви­зан­тию. Под Византией подразумевается какая-то исполинская громада, огру­бев­шая и замерт­вевшая еще со дней Юстиниана и продолжавшая пребывать в таком му­миеобразном состоянии чуть ли не до последнего времени. В Визан­тии хотят видеть твердыню нерушимых традиций, приверженность кото­рым спасает нас от гнилого Запада, сообщает нашей истории совершен­но особый характер какой-то забальзамированности и предохраняет нас от тления. Осо­бенно нам кажется ценным византийское искусство как средство против заразы Возрождения, против возвращения к антично­сти, к язычеству, пора­зившей, согласно многим, весь мир по ту сторону Немана. На самом же деле, с одной стороны, через византийские худо­же­ственные каноны в Россию уже издавна проникла языческая красота позднего эллинизма. На самом деле я хочу лишний раз подать голос про­­теста против тех, кто во что бы то ни стало стараются выделить Россию из общей семьи европейских народов и которые для этого сво­его изуверского намерения готовы и в иконах увидеть какие-то веские подтверждения. Я нахожу чрезвычайно убедительными указания в рус­ской иконописи, и нахожу в неожиданном даже обилии, но говорят они, по-моему, что не что мы были когда-то отщепенцами, которым ни до чего в мире нет дела, а о том, что лучшее мы создали при слиян­ности нашей куль­туры с культурой наших соседей и братьев. Ежели же это так было, то так оно и впредь должно быть. Да и сейчас в возрожде­нии икон грешно видеть поворот в сторону, в старинку, а нужно понять, что и в этом явлении кроется новый призыв к поступательному движе­нию, к соединению своих усилий с усилиями самых передовых и самых прозорливых художников. Кто теперь станет просто копировать иконы, будет просто жалким эпигоном, имитатором и провинциа­лом. Кто же поймет, что иконы говорят, и говорят особенно гром­ко и веско, то же самое, о чем стали говорить Гоген, Сезанн и сейчас говорят кубисты, те могут выйти на широкую дорогу и останутся в Европе со всеми ее прин­­­ципами».

Эта интерпретация иконы, попытка присвоить ее и попытка предложить моло­дому поколению то, чего, по мнению Бенуа, у него не было, вы­звала ярость Давида Бурлюка. Дело в том, что Бенуа напоминал футуристам, что в иконе, помимо формальной остроты, сложности и современности, было духовное содержание. Это искусство было не само по себе, а во имя чего-то. Бенуа попал довольно точно. Дело в том, что лишь позже, когда вопрос нацио­нальной спе­цифики благодаря воздействию кубизма отошел на второй план — Малевич где-то хорошо сказал, что кубистическое тело не имеет в себе ничего нацио­нального, — до этого момента вопрос о национальной специфике был болез­ненной точкой расхождения. Ровно после статей Бенуа об иконах, где он пред­ложил свое понимание созвучия средневекового русского искусства и совре­менной француз­ской живописи и таким образом сформулировал укор русским футуристам, с яростной отповедью выступил Давид Бурлюк. Само по себе на­звание брошюры говорит о многом — «Галдящие „бенуа“ и новое русское на­циональное искусство». Он не очень много говорит там об иконах, но он на­стаивает на том, что именно понимание русскими футу­ристами французской живописи является основным, а Бенуа и его союзники пытаются примазаться к француз­скому искусству, навязать свое понимание его для того, чтобы уни­зить и опровергнуть истину молодого русского искус­ства:

«Критики [подобные Бенуа] западное искусство превратили в глыбу и ста­ли им накатывать, стали душить новое в русской живописи. Мы им от­крыли это новое в западной живописи. Мы выли и крича­ли, восхищаясь Сезанном, Го­геном и Ван Гогом — кои открыли нам глаза — не к под­ражанию, а на возмож­ность свободы… <…> Молодое русское искусство встало на ноги — у Запада и в искус­стве великом народном нашей отчизны — мы научились одной вели­кой истине: что нет опре­деленного понимания… формы, линии, цветовой ин­стру­ментовки… <…> Что надо бояться авторитетов. Что надо верить и в свое искус­ство, и в искус­ство своей родины. Что Россия не есть художественная про­вин­ция Франции!»

Изоляция, начавшаяся с Первой мировой войной и многократно усилившаяся во время Гражданской войны, привела к тому, что русское искусство оказалось в плодотворном одиночестве. Мы больше не знали, что происходит в Париже. И притом что французское искусство замерло в 1914 году — оно выглядело для русского человека теперь так, как выглядел остановившийся музей Щу­ки­на, — оно продолжало оставаться молчаливым участником диалога. Но отре­шен­ность от развития позволила русским художникам, прежде всего нового поко­ления футуристов, прийти к абсолютно радикальным, револю­цион­ным выво­дам — супрематизму, конструкти­визму, производственному искусству. И очень важно, что эти выводы, демонстрирующие свободу, выход в принци­пиально новую проблема­тику, были сделаны именно в эпоху изоляции. Полу­чив очень плодотвор­ный импульс от французского искус­ства, русские худож­ники перешли к собственным проблемам. Как потом хорошо сказал Кузьма Петров-Водкин, полезное, здоровое одино­чество, которое «не было остановкой у разбитого корыта французских ма­сте­ров от Щукина». 

Жизненных уроков по искусству. Искусство может принимать разные формы, от картин… | by Chad Bockius

Искусство может принимать самые разные формы: от картин до скульптуры и музыки. Он уникален в своей способности рассказывать истории, по-разному трогать людей, создавать связи и делать нас людьми.

Кажется, всех нас тянет к искусству, даже в детстве. Когда мы молоды, мы начинаем заниматься искусством, как только можем держать карандаш. С таким же успехом наши творения могли бы стать следующей Моной Лизой в глазах наших родителей. Конечно, никто другой вряд ли разделяет эту точку зрения, но в этом сила искусства.

Мне не нужно быть художником, чтобы ценить искусство. Я не могу отличить живопись эпохи Возрождения от живописи пост-ренессанса. Я даже не был уверен, что это так, пока Википедия не сказала, что это так. Самое замечательное в искусстве то, что знание предмета не мешает нам получать от него удовольствие.

Мне всегда нравились архитектура и фотография. Один из самых талантливых архитекторов и художников, которые когда-либо жили, — Фрэнк Ллойд Райт. Мне всегда нравились его работы. Когда я впервые увидел такие здания, как Fallingwater, я был поражен.Я в восторге от того, что художники могут вызвать в своем воображении. Здания Райта не исключение.

Fallingwater, Кэрол М. Хайсмит

Все здания имеют общую нить. Они существуют на земном ландшафте. Мать-природа может быть величайшим художником в жизни. Трудно улучшить ее работу. Райт знал это и работал над созданием органической архитектуры. Он считал, что «человеческая жизнь — это часть природы».

В Фоллингуотере, например, он сохранил выступ скалы и позволил ему доходить до пола гостиной.Затем он пошел еще дальше, встроив очаг камина в сторону этого валуна.

Когда его работа была сделана, он всегда хотел, чтобы пейзаж был красивее, чем был раньше. Это высокая планка, которую нужно преодолеть, соревнуясь с матерью-природой.

Мы можем проследить историю появления первого искусства 30 000 лет назад. Картины, найденные на стенах пещер, предназначались для общения, а не для удовольствия. Неудивительно, что искусство оказывает на нас такое влияние, ведь оно уже в нашей ДНК.

Наскальные рисунки Шове — Википедия

Искусство не имеет единой цели.Этот факт может быть его самой уникальной чертой. Нет и законов. То, что мы сегодня считаем художественным, на следующий день может выйти из моды.

Искусство мощно во многих отношениях. Какой другой артефакт может все это сделать:

Искусство вызывает эмоции
Когда мы видим произведения искусства, они заставляют нас чувствовать. Это может вызвать интерес, замешательство, враждебность и удивление. Один человек может отреагировать положительно, а другой — отрицательно. Искусство, как говорится, «в глазах смотрящего».”

Искусство соединяет
Как люди, мы всегда ищем смысл и связь. Искусство может дать нам частичку этого. Он может соединить нас с другими людьми в комнате или присоединить нас к прошлому. То, как мы интерпретируем произведение, может вызвать в нашем сознании ощущение смысла.

Искусство замедляет время
Невозможно оценить произведение искусства, если мы никогда не останавливаемся. Таким образом, это помогает нам расслабиться, замедлить нашу жизнь и просто быть. Это побуждает нас присмотреться и увидеть, что больше всего может упустить.

Искусство вдохновляет
Брат Мел Мейер оказал на меня самое большое влияние. В школе меня окружали сотни его работ. Десять лет спустя именно его искусство вдохновило меня на создание Парка скульптур в пещере пчел.

Искусство терпит
Самым известным произведением искусства всех времен является Мона Лиза. Леонардо да Винчи создал его в 1503 году. Не так много вещей, которые существуют более 500 лет, но искусство может.

Искусство открывает наш разум
Оно может многому нас научить.Мы можем узнать о разных местах, людях и временах. Искусство также может дать нам новый взгляд на мир. Это может даже вдохновить на движение. Никогда не недооценивайте силу искусства.

Искусство стирает границы
Искусству все равно, сколько денег я зарабатываю и где живу. Каждый может это оценить, и я считаю, что каждый должен получить шанс.

Искусство символично
Когда я думаю об искусстве как об символе, на ум приходит Статуя Свободы. На создание этой скульптуры ушло более девяти лет, она была доставлена ​​из Франции и собрана в Нью-Йорке.Сегодня это универсальный символ Соединенных Штатов и свободы, которой мы дорожим.

Искусство реклама красота
Я не могу представить мир без искусства. В каком-то смысле это было бы безжизненно. Искусство повсюду, и оно делает каждый день лучше. Это может быть картина, скульптура, песня, здание или природа. Я, например, не хотел бы жить без этого.

Искусство создает сообщество
Искусство помогает нам встать с дивана и отправиться в мир. Наслаждаясь искусством, может происходить много случайных встреч.Два человека могут остановиться и посмотреть на кусок. У этих незнакомцев теперь есть общие интересы, и они могут завязать разговор.

Продается искусство
Некоторые товары, которые мы покупаем, являются произведениями искусства. Apple — отличный тому пример. Стив Джобс поднял свое искусство на новый уровень. Он настаивал на том, чтобы его продукты были красивыми как внутри, так и снаружи. Он был настоящим художником.

Искусство проникает в наши чувства
Мы можем его услышать, потрогать, увидеть и попробовать. В конце концов, еда — это еще один вид искусства.В Смитсоновском институте есть даже выставка ароматов. Итак, теперь вы можете почувствовать запах искусства.

Искусство рассказывает истории
Каждое произведение искусства пытается что-то сообщить наблюдателю. Когда мы воспринимаем это, наш разум создает историю. Люди ничего не могут с этим поделать. Мы учимся и преподаем с помощью историй.

Резюме
Я люблю творить, использую ли я слова, изображения или дерево. Как создатель я могу ценить то, что делают другие. Их работы часто служат мне источником вдохновения.Это помогает мне открывать новые модели, принципы и концепции, применимые к моим усилиям. В других случаях искусство просто для меня. Мне просто нужно не забыть сделать паузу и все осмыслить.

Этот пост является частью серии писем моим детям. Моя цель — обдумать и извлечь как можно больше уроков из жизни. Вот текущий список , с которым я работаю.

Перед тем, как уйти…
Если вы нашли эту информацию полезной, нажмите кнопку 👏 или поделитесь ею на Facebook, чтобы ваши друзья тоже могли получить пользу.

Первоначально опубликовано на chadbockius.com

Что такое среда в искусстве: определение и термины — видео и стенограмма урока

В этой китайской чаше в качестве носителей используются керамика и глазурь.

Масляная живопись — это процесс рисования пигментами, которые удерживаются вместе с типом масла, которое высыхает на воздухе, называемое олифой. Когда масло смешивается с порошкообразным пигментом, получается цвет краски.Разные пигменты создают разные цвета. С доисторических времен использовались натуральные пигменты, такие как минералы и ракушки. После промышленной революции люди смогли создавать новые цвета с помощью машин, которые могли создавать синтетические пигменты.

Первыми художниками, которые использовали масло в качестве основы для своих красок, были индийские и китайские буддисты, работавшие в Афганистане еще в пятом веке. К 15 веку художники в Нидерландах начали использовать масло для своих картин, и вскоре это стало самой популярной средой в Европе во время итальянского Возрождения.С тех пор масляные краски стали самым распространенным средством в западном искусстве. Масляные краски почти всегда используются для рисования холста, тканого полотна.

Tempera — еще одна распространенная среда. До того, как масляная живопись стала популярной, большинство работ рисовали темперными красками. Пигменты удерживаются не маслом, а липким материалом, чаще всего яичным желтком. Яичный желток скрепляет пигменты, но он очень быстро сохнет и иногда может придать краске слегка желтоватый оттенок.Тем не менее, это был очень распространенный способ рисования до появления масел, и он до сих пор используется многими художниками, которым нравится работать с быстросохнущими красками для создания определенных эффектов. Темпера часто использовали для рисования дерева, еще одного распространенного материала до итальянского Возрождения.

В скульптуре мрамор является одним из наиболее распространенных материалов. Мрамор — это мягкий камень, из которого скульпторы легко вырезать, скалывать и полировать гладкие и красивые произведения искусства.Небольшие примеси в белом мраморе могут придать скульптуре неповторимый цвет и блеск. Итальянский художник Микеланджело Буонарроти (1475-1564) был одним из самых известных скульпторов всех времен и прославился тем, что сказал, что может видеть изображение в глыбе мрамора и что его работа заключалась в удалении лишнего.

Бронза — еще один распространенный материал для скульптуры. Поскольку это дороже, бронзовые скульптуры использовались богатыми для демонстрации своей власти и богатства. В отличие от мрамора, бронза не резная.Это литой , что означает, что скульптура сначала вырезается из более дешевого материала, такого как воск, а затем вокруг нее создается форма. Бронзу заливают в форму и охлаждают. Художники могут отлить скульптуру либо как одну большую часть, либо как несколько меньших частей, которые собраны в большую скульптуру.

Римляне часто использовали бронзу в качестве медиума.

Художники могут использовать любые материалы, которые они хотят, чтобы придать своей работе определенное ощущение, текстуру и значимость.Некоторые другие распространенные материалы включают стекло, металл, бетон, мел, песок, акварель, ткань и штукатурку. К другим менее распространенным средствам массовой информации относятся аэрозольная краска, программное обеспечение для анимации, пленка, свет, звук и даже человеческое тело (для татуировок или перформанса). Искусство — это не просто живопись или скульптура; все, что создано для художественных целей, имеет среду.

Японское искусство, использующее свет как средство

Резюме урока

Средство относится к материалам, которые используются для создания произведения искусства.Среда во множественном числе — СМИ. Одними из наиболее распространенных носителей являются масляные краски (краски, в которых используется масло для удержания пигментов), темпера, (пигменты, удерживаемые вместе с яичным желтком), мрамор (мягкий белый камень) и бронза (a металл, используемый для литья скульптур).

Художники часто используют определенный материал, потому что он влияет на текстуру или цвет произведения искусства. В других случаях художник выберет материал, потому что он помогает аудитории особым образом интерпретировать искусство.Пурпурные пигменты были дорогими и использовались только для королевской семьи. Шалфей является священным для многих культур, поэтому используется только для церемониального искусства. Краску из баллончика можно использовать для создания анти-авторитетного послания, особенно если она используется для граффити. Чтобы понять произведение искусства, аудитория должна понимать, что такое среда и что она означает.

Средние термины и определения

Средний	материалы, использованные для создания произведения искусства
Масла	краска на масляной основе для скрепления цветов
Темпера	краски на основе яичных желтков
Мрамор	мягкий белый камень, использованный для скульптуры
бронза	Металлический носитель, используемый для литья скульптур

Результаты обучения

По завершении этого урока вы должны уметь:

• Определить среду в искусстве
• Опишите распространенные типы медиа и вспомните необычные медиа
• Обсудите важность выбора среднего

Анализ элементов искусства: четыре способа думать о ценности

Добро пожаловать в заключительную часть нашей серии «Семь элементов искусства», в которой Кристин Фарр объединяет видео из Художественной школы KQED с текущими работами New York Times на изобразительное искусство, чтобы помочь студентам установить связь между формальным обучением искусству и нашей повседневной визуальной культурой.

Остальные изделия из этой серии? Вот уроки по пространству , форме , форме , линии , цвету и текстуре .

_________

Как ценность создает акцент и иллюзию света?

Художники умеют создавать иллюзию света, используя разные цветовые и тональные значения.Значение определяет, насколько светлым или темным может быть данный цвет или оттенок. Ценности лучше всего понять, если представить их в виде шкалы или градиента от темного к светлому. Чем больше вариантов оттенков в изображении, тем ниже контраст. Когда оттенки одинакового значения используются вместе, они также создают низкоконтрастное изображение. Высококонтрастные изображения имеют небольшое количество оттенков между более сильными оттенками, такими как черный и белый. Ценность отвечает за появление фактуры и света в искусстве. Хотя картины и фотографии не часто светятся физически, подобие света и тьмы может быть достигнуто путем манипулирования ценностями.

Как художники создают и используют разные тональные значения? Для начала посмотрите видео выше, посвященное значению, одному из семи элементов искусства.

1. Выделение портретных объектов ценностью и контрастом

Фотографию можно определить как рисование со светом. Фотографы часто снимают высококонтрастные цвета, чтобы выделить части изображения, и низкоконтрастные цвета, чтобы добавить объемности, передний план и фон.

Фотограф Джамель Шабазз известен своими фотографиями различных сообществ, которые служат социальным комментарием для расширения кругозора.В статье Lens «40 лет достопримечательностей и стилей Нью-Йорка Джамеля Шабазза» Морис Бергер пишет: коричневые жители — сосредоточив внимание на жизнеспособности, разнообразии и достоинстве его подданных.

Люди — главный центр работ Шабаза, а концепция и эмоциональное намерение его фотографий подкреплены использованием ценности и контраста для создания акцента. Объекты выделяются на фоне своего окружения, привлекая взгляд к человеку, запечатленному на изображении.

В черно-белом изображении «Стиль, Нижний Ист-Сайд, Манхэттен, 2002», с которого начинается слайд-шоу, приведенное выше, есть много тональных значений (оттенки серой шкалы). Какие части изображения низкоконтрастные, а какие высококонтрастные? Что выделяется? Что вы видите в первую очередь? Что вы заметите в следующий раз? Ваш взгляд в первую очередь привлекают высококонтрастные или низкоконтрастные области?

Выделяя свое сообщество, Джамел Шабазз играет с ценностью и контрастом, чтобы выделить их, подчеркивая моду и эстетику сообщества как способ почтить и задокументировать своих нью-йоркских соседей.Его запоминающиеся фотографии успешно передаются отчасти благодаря его умелому подходу к использованию ценности для создания акцента и смысла.

Пролистайте слайд-шоу целиком и повторите одно и то же упражнение для каждого изображения. Какие фотографии имеют высококонтрастные цвета? Какие из них имеют низкоконтрастные цвета или их сочетание? Какие области подчеркнуты высококонтрастными оттенками? Как вы думаете, что мистер Шабазз хотел рассказать о своих подданных?

_________

2. Ценность создает иллюзию

Когда цвета имеют одинаковую ценность и низкий контраст, они создают иллюзию вибрации или движения, как на картинах Агнес Мартин, выбор цвета которой часто остается в пределах определенное значение для создания тонких вариаций с загадочным эффектом для глаз.В книге «Радость чтения между строк Агнес Мартин» Холланд Коттер пишет о визуальном упражнении по различению цвета и ценности в своей работе:

Рассмотрите ее картины с расстояния в несколько футов, и их поверхности — беловатые, розоватые, сероватые, коричневатые. — выглядят туманно пустыми, как будто их нужно протереть или отполировать. Подойдите ближе, и сложные, бросающие в глаза самоуничтожающиеся текстуры появятся и расфокусируются.

Как Мартин использует ценность, чтобы обмануть глаз и создать тонкие вариации текстуры? Какие из ее картин имеют высокий контраст между цветами, а какие имеют цвета аналогичной ценности? Просмотрите изображения, показанные в «Радости чтения между строк Агнес Мартин», и проанализируйте, как она использует значение цвета.

Затем сравните и сопоставьте использование контрастных значений цвета Агнес Мартин с работами художника Юлиана Станчака, известного своим стилем оп-арта, который также смело играет с глазом. Оп-арт — это вид визуального искусства, создающий оптические иллюзии. В своем обзоре Times к выставке «Джулиан Станчак, мастер оп-арта: основные моменты последних 40 лет» Кеннет Джонсон пишет:

Г-н Станчак неизменно посвятил себя использованию рисунка и цвета для создания поразительных и сбивающих с толку иллюзий движения. и яркость.В его аккуратно выполненных абстракциях ничто не остается неизменным: линии кажутся вибрирующими, колеблющимися, вращающимися и волнообразными; цвет светится и пульсирует, как будто генерируется электричеством; парящие квадраты с сеткой, кажется, исчезают и исчезают из видимости. Эффекты отражаются на сетчатке, но ощущаются почти галлюцинациями.

В недавнем некрологе писательницы Роберты Смит, написанной в «Таймс» об абстрактном художнике Джулиане Станчаке, г-жа Смит подробно рассказала, как художница достигла этих оптических иллюзий и стала лидером в стиле оп-арта.

Он создал одни из самых эмоционально захватывающих картин, связанных с тенденцией Оп. Это было достигнуто частично за счет его тонко текстурированных поверхностей краски и частично за счет мягкого света, который часто проникал в его формы и узоры, результат бесконечно малой корректировки оттенков одного или двух цветов.

Просмотрите слайд-шоу Times, приведенное выше в разделе «Искусство Юлиана Станчака», и ответьте на следующие вопросы:

• Можете ли вы определить методы, используемые для создания оптических иллюзий глубины, измерения и света?

• Какие картины имеют наиболее тонкую корректировку оттенков?

• Какие из них имеют более высокий контраст?

• Какие варианты значений создают самую сильную текстуру?

• Как вы описываете эффект, который каждое изображение оказывает на ваш глаз?

_________

3.A Times Scavenger Hunt

Теперь, когда вы изучили, как значение используется для выделения предметов в искусстве и создания иллюзии темноты и света, и получили представление о значении цветов и их влиянии друг на друга, просмотрите функции в разделе «Искусство и дизайн» New York Times; Lens, сайт фотожурналистики Times; или где-нибудь еще на NYTimes.com, и бросьте вызов себе на охоту за мусором.

Посмотрите, сможете ли вы найти фотографии или изображения произведений искусства со следующими характеристиками:

• Высококонтрастная фотография.

• Фотография с низким контрастом.

• Изображение картины с сильно контрастирующими цветами.

• Изображение картины с аналогичными цветами.

• Фотография, на которой уровень контрастности влияет на настроение изображения.

• Фотография, на которой контрастность создает текстуру.

• Фотография, на которой значительный контраст подчеркивает фокус изображения.

4. Твоя очередь: фотопортреты и оп-арт

Вот две идеи для экспериментов с ценностями в собственном творчестве.

а. Портреты с разными ценностями

В 2014 году The Times предложила студентам прислать творческие селфи, отражающие их личность, и получила сотни фотографий, от студентов колледжей до первоклассников. Марси Бине, преподающая цифровую фотографию в J.T. Средняя школа Хатчинсон в Лаббоке, штат Техас, превратила просьбу в задание для своих седьмых и восьмиклассников: «Сделайте селфи, выходящее за пределы вашего лица, — проинструктировала она, — и это что-то олицетворяет». Просмотрите фотографии выше, чтобы увидеть результаты.

Сделайте портрет друга или автопортрет, используя таймер на вашей камере. Используйте приложение для редактирования на своем телефоне, например Instagram или Snapchat, чтобы создавать разные версии портрета с фильтрами. Создайте одну черно-белую версию с высокой контрастностью и одну с низкой контрастностью. То же самое проделайте и с полноцветной версией.

Какие фильтры создают самый сильный контраст, а какие сглаживают фотографию при слабом контрасте света и цвета? Объедините четыре варианта своего портрета в одно изображение и сравните настроение каждого из них.Как ценность вызывает изображаемое чувство?

б. Коллаж Op Art

Чтобы создать коллаж Op Art, выберите два цвета плотной бумаги с одинаковыми значениями, например красный и оранжевый или светло-желтый и светло-розовый. Нарежьте один цвет тонкими полосками или небольшими формами и приклейте к другому листу с помощью клея. Для вдохновения рассмотрим абстрактные композиции Юлиана Станчака. Затем выберите два цвета с сильным контрастом, например синий и оранжевый. Создайте еще один коллаж из вырезанной бумаги, используя ту же технику.

Сол Левитт — еще один художник, экспериментировавший с цветовыми значениями, к которому вы можете обратиться за вдохновением. Просмотрите слайд-шоу Times «Сол Левитт в Mass MoCA», а также изображение выше.

Повесьте два бумажных коллажа рядом и оцените визуальный эффект каждого из них. Они вибрируют или создают измерение? Что имеет более сильный эффект? Что больше всего привлекает ваше внимание?

Рассмотрение ценности вашего собственного произведения искусства поможет вам выделить основные моменты, создать глубину и текстуру и поможет определить впечатления, которые вы хотите получить от зрителя.Вы хотите создать успокаивающее или раздражающее чувство? Ценность может помочь вызвать эмоциональный отклик у вашей аудитории.

_________

Хотите прочитать всю серию? Вот наши уроки по форме, форме, линии, цвету, текстуре и пространству. Как вы обучаете этим элементам?

Новое свидетельство преимуществ художественного образования

Взаимодействие с искусством необходимо для человеческого опыта. Почти сразу после развития моторики дети общаются посредством художественного выражения.Искусство бросает нам вызов с разными точками зрения, заставляет сопереживать «другим» и дает нам возможность задуматься о состоянии человека. Эмпирические данные подтверждают эти утверждения: среди взрослых участие в искусстве связано с поведением, которое способствует здоровью гражданского общества, таким как повышенная гражданская активность, большая социальная терпимость и снижение поведения, связанного с другими. Тем не менее, хотя мы признаем преобразующее влияние искусства, его место в системе школьного образования становится все более незначительным.

Серьезной проблемой для художественного образования было отсутствие эмпирических данных, демонстрирующих его образовательную ценность. Хотя немногие будут отрицать, что искусство приносит существенные выгоды, защита «искусства ради искусства» была недостаточной для сохранения искусства в школах — несмотря на национальные опросы, показывающие, что подавляющее большинство населения соглашается с тем, что искусство является необходимой частью хорошего здоровья. округлое образование.

За последние несколько десятилетий резко сократилась доля студентов, получающих художественное образование.Эта тенденция в первую очередь связана с расширением отчетности на основе стандартизированных тестов, что вынудило школы сосредоточить ресурсы на тестируемых предметах. Как говорится, то, что измеряется, делается. Это давление непропорционально отрицательно сказалось на доступе к искусству для студентов из исторически недостаточно обеспеченных общин. Например, в отчете федерального правительства было обнаружено, что школы, отнесенные к категории «Ни одного отстающего ребенка» как нуждающиеся в улучшении, и школы с более высоким процентом учащихся из числа меньшинств с большей вероятностью испытают сокращение времени, затрачиваемого на художественное образование.

Недавно мы провели первое в истории крупномасштабное рандомизированное контролируемое пробное исследование коллективных усилий города по восстановлению художественного образования с помощью общественных партнерств и инвестиций. Основываясь на наших предыдущих исследованиях воздействия обогащения опыта художественных экскурсий, в этом исследовании изучаются эффекты устойчивого возрождения художественного образования в школах. В частности, наше исследование сосредоточено на первых двух годах Хьюстонской инициативы по обеспечению доступа к искусству и включает 42 начальные и средние школы, в которых обучается более 10 000 учеников третьего-восьмого классов.Наше исследование стало возможным благодаря щедрой поддержке Хьюстонского фонда, Национального фонда искусств и Фонда Спенсера.

В связи с постепенным развертыванием программы и переподпиской мы внедрили лотерею, чтобы случайным образом определить, какие школы изначально участвовали. Половина этих школ получила значительный приток финансовых средств, предназначенных для предоставления учащимся широкого спектра образовательных услуг по искусству в течение учебного года. Участвующие школы были обязаны внести денежный взнос, чтобы предоставить художественный опыт.Включая соответствующие фонды от Houston Endowment, школы в экспериментальной группе получали в среднем 14,67 долларов в год на каждого учащегося для содействия и расширения партнерских отношений с художественными организациями и учреждениями. Помимо повышения квалификации руководителей и учителей школ в области искусств, учащиеся 21 лечебной школы получили в среднем 10 обогащающих образовательных программ в области танцев, музыки, театра и изобразительного искусства. Школы установили партнерские отношения с культурными организациями и учреждениями, которые предоставили эти возможности обучения искусству в рамках программ до и после школы, экскурсий, выступлений профессиональных художников в школе и учебных резиденций художников.Директора работали с директором и персоналом Инициативы по доступу к искусству, чтобы помочь выбрать программы по искусству, соответствующие целям их школ.

Наши исследовательские усилия были частью многосекторального сотрудничества, которое объединило администраторов округов, культурные организации и учреждения, филантропов, государственных чиновников и исследователей. Коллективные усилия, подобные Хьюстонской инициативе по доступу к искусству, становятся все более распространенным средством расширения возможностей художественного образования через партнерские отношения между школой и сообществом.Другие примеры включают Бостонскую инициативу по развитию искусства, Инициативу творческих школ Чикаго и Creative Advantage в Сиэтле.

Благодаря нашему партнерству с Хьюстонским консорциумом исследований в области образования мы получили доступ к демографическим данным учащихся, посещаемости и дисциплинарным записям, а также к результатам тестов, а также возможность собирать исходные данные опросов из всех 42 школ об участии учащихся в школе и социальные и эмоциональные последствия.

Мы обнаружили, что существенное увеличение образовательного опыта в области искусства оказывает заметное влияние на академические, социальные и эмоциональные результаты учащихся.По сравнению с учащимися, отнесенными к контрольной группе, ученики лечебных школ испытали сокращение дисциплинарных нарушений на 3,6 процентных пункта, улучшение стандартизированных письменных оценок на 13 процентов от стандартного отклонения и увеличение на 8 процентов стандартного отклонения в их сострадании к другие. Что касается нашей меры сострадания к другим, студенты, получившие больше художественного образования, больше заинтересованы в том, что чувствуют другие люди, и с большей вероятностью захотят помочь людям, с которыми плохо обращаются.

Когда мы ограничиваем наш анализ начальными школами, которые составляли 86 процентов выборки и являлись основной целью программы, мы также обнаруживаем, что рост обучения искусствам положительно и существенно влияет на школьную вовлеченность учащихся, их стремления к поступлению в колледж и обращайтесь к произведениям искусства как к средству сочувствия другим. Что касается школьной вовлеченности, учащиеся из экспериментальной группы с большей вероятностью соглашались с тем, что школьная работа доставляет удовольствие, заставляет их думать о вещах по-новому и что их школа предлагает программы, занятия и мероприятия, которые поддерживают их интерес к школе.Как правило, мы не находили доказательств, свидетельствующих о значительном влиянии на успеваемость учащихся по математике, чтению или естественным наукам, посещаемость или другие результаты нашего опроса, которые мы обсуждаем в нашем полном отчете.

Поскольку политики в области образования все больше полагаются на эмпирические данные для принятия и обоснования решений, защитники борются за сохранение и восстановление художественного образования K-12. На сегодняшний день наблюдается значительный недостаток крупномасштабных экспериментальных исследований, изучающих образовательное воздействие искусства.Одна из проблем заключается в том, что школьные системы США редко собирают и сообщают основные данные, которые исследователи могли бы использовать для оценки доступа учащихся и их участия в образовательных программах по искусству. Более того, наиболее многообещающие результаты, связанные с целями обучения художественному образованию, выходят за рамки обычно сообщаемых результатов, таких как результаты тестов по математике и чтению. Есть веские основания подозревать, что участие в художественном образовании может улучшить школьный климат, дать учащимся чувство цели и ответственности, а также укрепить взаимное уважение к учителям и сверстникам.Тем не менее, по мере того как педагоги и политики пришли к пониманию важности расширения мер, которые мы используем для оценки эффективности образования, данные, измеряющие социальные и эмоциональные выгоды, собираются не так широко. В будущем следует продолжить работу по расширению типов мер, используемых для оценки эффективности образовательных программ и политики.

Эти результаты убедительно свидетельствуют о том, что художественное образование может оказать значительное положительное влияние на академическое и социальное развитие.Поскольку школы играют ключевую роль в воспитании следующего поколения граждан и лидеров, совершенно необходимо, чтобы мы задумались о фундаментальной цели всестороннего образования. Эта миссия крайне важна во время повышенной нетерпимости и серьезных угроз нашим основным демократическим ценностям. По мере того, как политики начинают собирать и оценивать показатели результатов, выходящие за рамки результатов тестов, мы, вероятно, еще больше осознаем ценность искусства в фундаментальной миссии образования.

Творчество и академические знания: сила художественного образования

Искусство так же важно, как и академические науки, и к ним следует относиться таким образом в школьной программе.Это то, во что мы верим и практикуем в Школе искусств Нью-Мексико (NMSA). Хотя положительное влияние искусства на успеваемость само по себе стоит, это также верхушка айсберга, если смотреть на ребенка в целом. Изучение искусства выходит за рамки создания более успешных учеников. Мы считаем, что это создает более успешных людей.

NMSA построена на основе дуального искусства и академической программы. Наши учителя, ученики и семьи верят, что искусство и наука одинаково важны.Наша цель — подготовить студентов к профессиональной карьере в сфере искусства, а также вооружить их навыками и содержательными знаниями, необходимыми для успешной учебы в колледже. Исходя из нашего личного опыта (и исследований), вот пять преимуществ художественного образования:

1. Мышление о росте

Через искусство учащиеся развивают такие навыки, как стойкость, стойкость и установку на рост, чтобы помочь им овладеть своим ремеслом, преуспеть в учебе и преуспеть в жизни после окончания школы. (См. Разделы «Принятие неудач: формирование мышления роста с помощью искусств» и «Освоение самооценки: углубление независимого обучения с помощью искусств».В идеале этот прогресс будет происходить естественным путем, но часто ему может помочь учитель. Установив четкие ожидания и цели для учащихся, а затем установив взаимосвязь между проделанной работой и результатами, учащиеся могут начать менять свою мотивацию, что приводит к гораздо более здоровой и устойчивой учебной среде.

Чтобы учащиеся по-настоящему росли и прогрессировали, должен быть момент, когда внутренняя мотивация приходит в равновесие с внешней мотивацией. На ранних этапах изучения вида искусства учащиеся занимаются этим занятием, потому что это весело (внутренняя мотивация).Однако эта мотивация позволит им прогрессировать лишь до определенного момента, а затем их развитие начинает замедляться — или даже прекращаться. На этом этапе положитесь на внешнюю мотивацию, чтобы продолжить рост ваших учеников. Это может принимать форму прослушиваний, тестов или других оценок. Подобно влиянию ранней внутренней мотивации, такая заинтересованность поможет вашим ученикам расти и прогрессировать. Хотя оба типа мотивации полезны и продуктивны, их гибрид наиболее успешен. Ваши ученики будут учиться или практиковаться не только ради внешнего вознаграждения, но и ради собственного удовольствия или удовлетворения от этого.

2. Уверенность в себе

Несколько лет назад в мою программу группы вошел студент, который не говорил. Когда ей задавали вопрос, она просто смотрела на меня. Ей нравилось играть в группе, но она не играла. Я задавался вопросом, почему она решила присоединиться к мероприятию, отказываясь от него на самом деле. Постепенно, благодаря поддержке ее сверстников и меня, чудесный молодой человек вышел из-под своей неуверенности и начал играть. И когда она разучивала свой инструмент, я наблюдал, как она превращалась не только в уверенную в себе девушку и опытного музыканта, но и в студенческого лидера.Занимаясь музыкой, она преодолела свою неуверенность и нашла свой голос и место в жизни.

3. Улучшение познания

Исследование связывает обучение музыке с улучшением «вербальной памяти, точности произношения на втором языке, способностей к чтению и исполнительных функций» у молодежи (Frontiers in Neuroscience). Погружая студентов в художественное образование, вы вовлекаете их в невероятно сложную и многогранную деятельность, которая сочетает в себе множество предметов (например, математику, историю, язык и естественные науки), будучи однозначно связанной с культурой.

Например, для того, чтобы ученик мог играть мелодично, он должен иметь научное представление о звуковых волнах и других принципах музыкальной акустики. Точно так же, чтобы ученик мог вдохновенно исполнить Шекспира, он должен понимать социальные, культурные и исторические события того времени. Искусство ценно не только как самостоятельный предмет, но и как прекрасное связующее звено между и предметами, а также отличная система доставки этих концепций.Вы можете увидеть это в корреляции между рисунком и геометрией или между счетчиком и часами и математическими понятиями, такими как дроби.

4. Связь

Можно утверждать, что общение может быть самым важным аспектом существования. Наш мир построен на общении. Студенты приобретают множество коммуникативных навыков, изучая искусство. В процессе нахождения в музыкальном ансамбле они должны научиться вербально, физически и эмоционально общаться со своими сверстниками, дирижером и аудиторией.Точно так же актер должен передать аудитории не только сказанное слово, но и более неосязаемые эмоции, лежащие в основе сценария. Искусство — это способ выражения, который превращает мысли и эмоции в уникальную форму общения — само искусство.

5. Углубление культуры и самопонимания

Хотя многие считают, что художественное образование заключается в том, как оно влияет на учебу учащихся, я считаю, что изучение искусства само по себе является стоящим делом.Культура без искусства невозможна. Искусство лежит в основе нашей идентичности как людей. Я считаю, что величайший дар, который мы можем дать студентам — и человечеству — это понимание, признательность и способность создавать искусство.

Какие преимущества художественного образования вы заметили вместе со своими учениками?

Великая депрессия

Есть ли у искусства «работа» или цель? Как?

Искусство — это форма работы? Аргументируйте, почему или почему нет.

Франклин Делано Рузвельт заявил, что искусство в Америке никогда не было исключительной прерогативой избранной группы или класса людей. Ты согласен или несогласен?

Определите, что, по вашему мнению, имел в виду Рузвельт под «демократическим духом». Как, по вашему мнению, искусство может отражать демократические ценности?

Великая депрессия охватила период с 1929 по 1939 год, период экономического кризиса в Соединенных Штатах и ​​во всем мире. Высокие цены на акции, не синхронизированные с производством и потребительским спросом на товары, привели к взрыву рыночного пузыря, который лопнул 24 октября 1929 года — знаменитый крах фондового рынка в «Черный четверг».Серьезность сокращения рынка затронула американцев по всей стране. Наиболее заметные последствия включали повсеместную безработицу, бездомность и заметное снижение уровня жизни американцев. Вдобавок сильная засуха вызвала Пыльную чашу — серию разрушительных пыльных бурь. Эта экологическая катастрофа разорила многих фермеров в период, когда экономика была в основном сельскохозяйственной.

Находившийся у власти во время крушения президент Герберт Гувер (срок 1929–1933 гг.) Был не в состоянии остановить свободное падение американской экономики.Его преемник, Франклин Делано Рузвельт, был избран президентом в 1933 году с обрушившимися на него предвыборными обещаниями исправить экономику. Рузвельт быстро предпринял действия по созданию рабочих мест и стимулированию экономики посредством создания того, что он назвал «Новым курсом для забытого человека» — программы для людей, не имеющих ресурсов для поддержки себя или своих семей. Новый курс был официально оформлен как Федеральное управление прогресса работ (WPA), зонтичное агентство для множества программ, созданных для помощи американцам во время депрессии, включая инфраструктурные проекты, программы занятости и социальные услуги.

Через WPA художники также участвовали в государственных программах трудоустройства в каждом штате и округе страны. В 1935 году Рузвельт создал Федеральный художественный проект (FAP) как агентство, которое будет управлять проектами трудоустройства художников, федеральными комиссиями по искусству и общественными художественными центрами. Рузвельт считал искусство и доступ к нему фундаментальными для американской жизни и демократии. Он считал, что искусство способствует устойчивости и гордости за американскую культуру и историю. Искусство, созданное в рамках WPA, представляет собой уникальный снимок страны, ее людей и художественных практик того периода.Не было никаких государственных требований к предмету искусства или его стилю. Ожидалось, что искусство будет соответствовать времени, отражать место, в котором оно было создано, и быть доступным для широкой публики.

Художники, работающие в ФАП и других агентствах ВПА, создали гравюры, станковые картины, рисунки и фотографии. Общественные фрески были нарисованы для отображения в почтовых отделениях, школах, аэропортах, жилых комплексах и других правительственных зданиях. В общинных художественных центрах устраивались выставки работ художников, участвующих в государственных программах, и для всех предлагались практические семинары под руководством художников.Иллюстраторы сделали подробные рисунки, которые каталогизировали физическую культуру и артефакты повседневной жизни американцев — одежду, инструменты, предметы домашнего обихода. ВПА намеренно разрабатывал художественные программы и поддерживал художников за пределами городских центров. Тем самым он познакомил с искусством гораздо более разнообразный круг американцев, многие из которых ранее никогда не видели оригинальных картин или произведений искусства, не встречали профессиональных художников и не экспериментировали с созданием искусства.

Определение, типы, методы и эффективность

Что такое арт-терапия?

Использование художественных методов для лечения психических расстройств и улучшения психического здоровья известно как арт-терапия.Арт-терапия — это техника, основанная на идее о том, что творческое самовыражение может способствовать исцелению и психическому благополучию.

Люди полагались на искусство в общении, самовыражении и исцелении на протяжении тысячелетий. Но арт-терапия не стала официальной программой до 1940-х годов.

Врачи отметили, что люди, страдающие психическими заболеваниями, часто выражали себя в рисунках и других произведениях искусства, что побудило многих исследовать использование искусства в качестве стратегии исцеления.С тех пор искусство стало важной частью терапевтической области и используется в некоторых методах оценки и лечения.

Типы творческой терапии

Арт-терапия — не единственный вид творческого искусства, применяемый при лечении психических заболеваний. К другим видам творческой терапии относятся:

Методы

Цель арт-терапии — использовать творческий процесс, чтобы помочь людям исследовать самовыражение и тем самым найти новые способы получить личное понимание и развить новые навыки преодоления трудностей.

Создание или оценка искусства используется, чтобы помочь людям исследовать эмоции, развивать самосознание, справляться со стрессом, повышать самооценку и работать над социальными навыками.

Техники, используемые в арт-терапии, могут включать:

• Коллаж
• Раскраска
• Рисование и каракули
• Чертеж
• Рисование пальцем
• Живопись
• Фотография
• Скульптура
• Работа с глиной

Создавая произведения искусства, клиенты могут анализировать то, что они создали, и то, что это заставляет их чувствовать.Изучая свое искусство, люди могут искать темы и конфликты, которые могут влиять на их мысли, эмоции и поведение.

С чем может помочь арт-терапия?

Арт-терапию можно использовать для лечения широкого спектра психических расстройств и психологических расстройств. Во многих случаях ее можно использовать в сочетании с другими методами психотерапии, такими как групповая терапия или когнитивно-поведенческая терапия (КПТ).

Некоторые состояния, для лечения которых может использоваться арт-терапия, включают:

• Проблемы, связанные со старением
• Беспокойство
• Рак
• Депрессия
• Расстройства пищевого поведения
• Эмоциональные трудности
• Проблемы в семье или отношениях
• Медицинские условия
• Психологические симптомы, связанные с другими медицинскими проблемами
• Посттравматическое стрессовое расстройство (ПТСР)
• Психосоциальные проблемы
• Напряжение
• Расстройство, связанное с употреблением психоактивных веществ

Преимущества арт-терапии

Согласно исследованию 2016 года, опубликованному в журнале Американской ассоциации арт-терапии, менее часа творческой деятельности могут снизить уровень стресса и положительно повлиять на ваше психическое здоровье, независимо от художественного опыта или таланта.

Арт-терапевт может использовать различные художественные методы, включая рисунок, живопись, скульптуру и коллаж, с клиентами, от маленьких детей до пожилых людей.

Клиенты, которые пережили эмоциональную травму, физическое насилие, домашнее насилие, тревогу, депрессию и другие психологические проблемы, могут извлечь выгоду из творческого самовыражения.

Некоторые ситуации, в которых может использоваться арт-терапия, включают:

• Взрослые, испытывающие тяжелый стресс
• Дети, испытывающие поведенческие или социальные проблемы в школе или дома
• Дети или взрослые, пережившие травматическое событие
• Дети с нарушением обучаемости
• Лица с черепно-мозговой травмой
• Люди с проблемами психического здоровья

Эффективность

Хотя исследования показывают, что арт-терапия может быть полезной, некоторые выводы о ее эффективности неоднозначны.Исследования часто бывают небольшими и неубедительными, поэтому необходимы дальнейшие исследования, чтобы выяснить, как и когда арт-терапия может быть наиболее полезной.

• В исследованиях взрослых, переживших травму, было обнаружено, что арт-терапия значительно уменьшает симптомы травмы и снижает уровень депрессии.
• Один обзор эффективности арт-терапии показал, что этот метод помог пациентам, проходящим курс лечения от рака, улучшить качество их жизни и облегчить различные психологические симптомы.
• Одно исследование показало, что арт-терапия снижает депрессию и повышает самооценку у пожилых людей, живущих в домах престарелых.

На что обратить внимание

Если вы или кто-то, кого вы любите, думаете об арт-терапии, вам следует знать некоторые распространенные заблуждения и факты.

Необязательно быть артистом

Людям не нужно обладать художественными способностями или особыми талантами, чтобы участвовать в арт-терапии, и люди всех возрастов, включая детей, подростков и взрослых, могут извлечь из этого пользу.Некоторые исследования показывают, что одно лишь присутствие искусства может сыграть определенную роль в улучшении психического здоровья.

Исследование, проведенное в 2017 году, показало, что искусство, выставленное в больницах, способствовало созданию среды, в которой пациенты чувствовали себя в безопасности. Это также сыграло роль в улучшении социализации и сохранении идентичности за пределами больницы.

Это не то же самое, что арт-класс

Люди часто задаются вопросом, чем сеанс арт-терапии отличается от занятий по искусству. Если арт-класс ориентирован на обучение технике или создание конкретного готового продукта, арт-терапия больше направлена ​​на то, чтобы позволить клиентам сосредоточиться на своем внутреннем опыте.

Создавая искусство, люди могут сосредоточиться на собственном восприятии, воображении и чувствах. Клиентов поощряют создавать искусство, которое выражает их внутренний мир больше, чем создание чего-то, что является выражением внешнего мира.

Арт-терапия может проводиться в самых разных условиях

Стационарные кабинеты, частные психиатрические кабинеты, школы и общественные организации — все это возможные места для оказания услуг арт-терапии. Кроме того, арт-терапия может быть доступна в других условиях, например:

• Арт-студии
• Колледжи и университеты
• Общественные центры
• Исправительные учреждения
• Начальные и средние школы
• Групповые дома
• Приюты для бездомных
• Больницы
• Частные терапевтические кабинеты
• Поликлиники
• Центры престарелых
• Оздоровительный центр
• Приюты для женщин

Однако, если требуются специализированные носители или оборудование, поиск подходящей настройки может оказаться сложной задачей.

Арт-терапия не для всех

Арт-терапия подходит не всем. Многие взрослые, считающие себя не творческими или артистичными, скептически относятся к этому процессу.

Кроме того, арт-терапия оказалась эффективной не для всех типов психических заболеваний. Например, один метаанализ показал, что арт-терапия неэффективна для уменьшения положительных или отрицательных симптомов шизофрении.

С чего начать

Если вы думаете, что арт-терапия принесет вам пользу или кого-то, кого вы любите, подумайте о следующих шагах:

• Найдите квалифицированного специалиста .Квалифицированные арт-терапевты будут иметь как минимум степень магистра психотерапии с дополнительным дипломом арт-терапии. Чтобы найти квалифицированного арт-терапевта, попробуйте поискать на веб-сайте Art Therapy Credentials Board.
• Позвоните в свою медицинскую страховку . Хотя арт-терапия может не покрываться вашей медицинской страховкой, могут быть определенные медицинские отказы, чтобы помочь оплатить часть сеансов. Ваша страховка также может с большей вероятностью покрыть сеансы, если ваш терапевт является сертифицированным психологом или психиатром, который предлагает творческие методы лечения.
• Спросите по их специальности . Не все арт-терапевты специализируются на всех психических заболеваниях. Многие из них специализируются, например, на работе с людьми, пережившими травмы, или людьми с расстройствами, связанными с употреблением психоактивных веществ.
• Знайте, чего ожидать . В течение первых нескольких сеансов ваш арт-терапевт, скорее всего, спросит вас о вашем здоровье, а также о ваших текущих проблемах и целях. Они также могут предложить несколько тем для изучения с помощью рисования, раскрашивания, лепки или другого материала.
• Будьте готовы ответить на вопросы о вашем процессе создания искусства . По мере продвижения занятий вы, вероятно, будете отвечать на вопросы о своем искусстве и о том, как оно заставляет вас себя чувствовать. Например: о чем вы думали, занимаясь рисованием? Заметили ли вы изменение настроения с того момента, когда вы начали, до того, когда закончили? Вызвало ли произведение какие-нибудь воспоминания?

Стать арт-терапевтом

Если вы заинтересованы в том, чтобы стать арт-терапевтом, начните с проверки своего штата, чтобы узнать больше об образовании, обучении и профессиональных качествах, которые вам понадобятся для практики.В большинстве случаев вам может потребоваться сначала стать лицензированным клиническим психологом, профессиональным консультантом или социальным работником, чтобы предлагать психотерапевтические услуги.

В США Art Therapy Credentials Board, Inc. (ATCB) предлагает программы аттестации, которые позволяют арт-терапевтам регистрироваться, сертифицироваться или получать лицензию в зависимости от штата, в котором они живут и работают.

Согласно Американской ассоциации арт-терапии, минимальные требования:

Также требуется дополнительный опыт работы в аспирантуре.