Доклад инструментальная музыка – Доклад Жанры вокальной и инструментальной музыки 5 класс сообщение

Содержание

Доклад Жанры вокальной и инструментальной музыки 5 класс сообщение

Музыка является удивительной сферой искусства: глубокая, живая, эмоциональная. С помощью звуков создаются великолепные мелодии и художественные образы, которые способны затронуть душу каждого человека. Существует огромное множество музыкальных направлений. В зависимости от ритма, громкости, темпа, способов исполнения музыка разделяется на духовную и светскую, монодию и полифонию, театральную и камерную и т.д.

Основное деление музыки происходит на основании средств исполнения. Она подразделяется на вокальную и инструментальную. В вокальной музыке предпочтение отдается голосу (или голосам) под музыкальное сопровождение или без такового. Особо распространено такое направление было в Средние века. А инструментальная музыка основана на игре инструментов без вокалиста. Может быть сольной, оркестровой или ансамблевой. Каждое направление представлено большим многообразием жанров, которые рассмотрим подробнее.

Жанр – это своеобразная модель исполнения музыки, которая имеет определенные условия, цели, форму и характер содержания.

К самым распространенным жанрам вокальной музыки относятся:

песня (самый распространенный жанр, представляющий собой сочетание текста и легкой запоминающейся мелодии),
романс (появился во второй половине ХIХ века, представляет собой сочетание голоса и инструментов (арфа, фортепиано), самое лиричное и душевное направление),
баллада (повествовательное музыкальное произведение, в основе которого лежит исторический сюжет),
ария (вокальный драматический монолог под аккомпанемент),
серенада (композиция для возлюбленной),
кантата (торжественное лироэпическое произведение на определенную тему),
опера (огромное музыкальное произведение, которое пронизывает драма, сочетает в себе вокал, живопись, музыку),

К той же категории относятся ансамбль, канон и хор, основанные на совместном исполнении несколькими участниками.

К основным жанрам инструментальной музыки относятся:

соната (распространена в форме соло или дуэта для камерной музыки),
симфония (большое мелодичное произведение для оркестра),
танцевальная музыка (современное направление для танцев),
марш (создан для праздничных шествий для упорядочения и синхронизации движения скопления людей),
вальс (музыкальное сопровождение для знаменитого полного оборота в танце в два такта стремя шагами),
фуга (композиционная техника, построенная вокруг короткой мелодии),
этюд (разновидность инструментальной пьесы небольшого размера).

В заключение стоит напомнить, что стили и жанры музыки — очень тесные понятия, которые необходимо различать. Жанр – это своеобразная схема музыкального произведения, а стиль – способ окрашивания и индивидуальности каждого творения.

5 класс

Жанры вокальной и инструментальной музыки

Когда возникла инструментальная музыка?. Кто есть кто в мире искусства

Когда возникла инструментальная музыка?

Инструментальная музыка — музыка, предназначенная для исполнения на музыкальных инструментах — появилась в XVII веке. Вы вправе спросить: а разве не вся музыка исполняется на инструментах?

Правильно: вся. Только вот одно дело, когда музыкальные инструменты сопровождают пение, танцы, торжественные приемы, театральные представления, и другое, когда звучат сами по себе, самостоятельно — в ансамбле или оркестре. Это и есть инструментальная музыка, которой, несмотря на обилие всяческих инструментов, в средние века все еще не было.

Средневековье принято считать эпохой вокальной музыки. Петь любили все. По дошедшим до нас воспоминаниям, не было ни одного знатного дома, где бы не имели клавесина и не звучали арии из опер или популярные песенки.

Музыкальные историки полагают, что первые инструментальные произведения представляли собой переложения модных в то время танцев и песен. А различных танцев всегда было много. Самыми популярными в XVII веке в Европе являлись аллеманда, куранта, павана. Они и стали основой нового инструментального жанра — знаменитой французской сюиты. Тогда же во всех странах Западной Европы получила распространение музыка, написанная для органа. Появились замечательные музыканты — ее исполнители. А затем возникли и инструментальные пьесы с хорошо знакомыми нам названиями: прелюдия, соната, фуга, токката… Так родилась инструментальная музыка.

Поделитесь на страничке

Следующая глава >

info.wikireading.ru

Инструментальная музыка

На протяжении XVII века инструментальная музыка Западной Европы развивалась с большой интенсивностью и в итоге достигла самостоятельного художественного признания в небывалых ранее масштабах. Хотя к концу XVI столетия некоторые музыкальные жанры (как мы видели, главным образом из репертуара лютни и органа) понемногу обретали характерный, именно инструментальный облик, все же инструментальная музыка в целом — по ее стилистике, тематизму, приемам изложения и трактовке формы — далеко не была свободна ни от прямого воздействия вокальной полифонии, ни от прикладного назначения (в церкви и в быту). Ее путь от XVI к XVI.II веку пролегал как бы между двумя эпохами: ранней порой танцевальных, вокально-полифонических образцов, начальными этапами импровизации на разных инструментах — и временем созревания собственно инструмен-

487

тальных жанров полифонического, гомофонного и смешанного типа, то есть фуги, сюиты, старинной сонаты и концерта. Этот процесс развития не был направлен в единое русло — подобно эволюции инструментальной музыки в XVIII веке. Для него скорее характерны разветвленность, сложность и своеобразное смешение художественных тенденций, словно в огромной творческой лаборатории, где смелые опыты сменяют один другой и напряженная, ищущая мысль закипает все новыми идеями.

Это творческое движение происходило в исторических условиях, когда постепенно, исподволь изменялись сами формы музыкальной жизни в странах Западной Европы. Для XVII века еще не показательна смена старых, замкнутых форм музицирования в полном смысле новыми, открыто-общественными. Множатся, преображаясь изнутри, всяческие, уже известные художественные . объединения знатоков и любителей искусства во главе с меценатами или без них, связанные с придворной или аристократической средой, во всяком случае, с «избранными» кругами общества (академии, камераты). Участие музыкантов-профессионалов придает им зачастую специальный интерес. Со временем возникают художественные объединения разного рода и в иной общественной среде: бюргерские по составу и духу «музыкальные коллегии» в больших немецких (Гамбург, Лейпциг), музыкальные общества в шведских и голландских городах, частные концертные объединения любителей музыки в Лондоне. Остается, конечно, в полной силе влияние на музыкальную жизнь придворной и церковной среды, в которой работают, исполняя свои произведения, крупнейшие музыканты Италии, Франции, Германии, Англии, Испании. Итак, от простого домашнего музицирования в быту достаточно широких слоев общества до придворных и церковных концертов простирается поле действия инструментальной музыки в XVII веке и соответственно культивируются те или иные ее формы и жанры.

Как бы ни была различна художественная атмосфера при дворе Людовика XIV или могущественного мецената кардинала Оттобони, в кругу Христины Шведской или в соборе св. Петра в Риме, в «музыкальной коллегии» лейпцигского университета или в доме лондонского торговца углем Бриттона, повсюду, насколько позволяли обстоятельства, ширилась аудитория, воспринимавшая музыку, росли ее запросы и крепло понимание искусства. Так или иначе нарушалась и сама замкнутость, казалось бы, ограниченной определенными рамками придворной или клерикальной среды. Мы знаем, что не только оперные мелодии Люлли, писавшего для Королевской академии музыки, но и образцы его инструментальной музыки (из оперных спектаклей) оказались широко известными, весьма влиятельными — и не в одной лишь Франции. Концерты в церкви, которые давали Свелинк в Амстердаме, Фрескобальди в Риме, Букстехуде в Любеке, превращались в большие события-художественно-общественного значения и оказывали серьезное воздействие на творческую жизнь современников. Даже выступления «музыкальной коллегии» в стенах лейпцигского университета

488

или концерты в «музыкальном кафе», устраивавшиеся с 1672 года в Лондоне скрипачом Банистером, означали несомненные поиски новых форм музыкальной жизни и выход за рамки прежней избранной среды. Собрания Аркадской академии в Риме и музыкальные празднества во дворце Оттобони привлекали внимание крупных мастеров из других стран и тем самым способствовали возникновению полезных творческих связей.

Таким образом старые традиции музицирования сочетались с новыми условиями жизни музыки в XVII веке, старое как бы перерастало в новое. Но при том новейшие формы общественной концертной жизни, публичных платных концертов были еще далеко впереди. Если они уже появились в Лондоне при Генделе, то прошло много лет, пока они стали общераспространенными в Западной Европе.

На развитии инструментальной музыки с ее выбором жанров весьма отчетливо сказывались условия ее концертного существования, среды ее исполнения от начала к концу XVII века. Исполнительское назначение едва ли не каждого произведения было тогда реально и конкретно. Ничто не писалось впрок, с неопределенной перспективой исполнения. Весь огромный ряд музыкальных композиций, от простейших «пар» танцев (ядро будущей сюиты) до развитых полифонических композиций, старинных циклических сонат и концертов grosso конца века, составлял реальный репертуар эпохи, удовлетворял вкусы и художественные потребности различных кругов общества, воплощая значительный круг музыкальных образов — от несложных жанрово-бытовых до системы контрастирующих лирических, патетических, скорбных, динамических…

В истории инструментальных жанров участие различных западноевропейских стран проявлялось отнюдь не одинаково: в каждой из крупных национальных школ преобладали собственные интересы, выходила на первый план определенная творческая школа — клавесинистов во Франции, органистов в Германи, скрипачей в Италии. Впрочем, органная музыка была блестяще представлена в XVII веке также нидерландцем Свелинком, итальянцем Фрескобальди и рядом композиторов других стран. В Англии еще раньше, чем во Франции, сложилась своя клавирная школа — так называемых вёрджинелистов. Что касается музыки для инструментальных ансамблей не камерного, типа (то есть не трио-сонат), она еще не выдвинула до конца XVII века влиятельной творческой школы, хотя и существовала в различных общественных условиях — по преимуществу как развлекательная в придворной среде или несложная бытовая в более широких городских кругах.

Как видим, и здесь проявляется скорее множественность творческих устремлений, нежели тенденция к какому бы то ни было единству национальных школ. Тем не менее полностью изолированы одна от другой они не были. Путь органной музыки, например, идет от нидерландских, старонемецких и венецианских

489

традиций, через Свелинка и Фрескобальди, к новым поколениям немецких органистов, предшественников и старших современников Баха. Дальнейшее обнаружит, что связи между творческими школами, наметившиеся в XVII столетии, были весьма перспективными. Достаточно назвать имя великого Баха, который так много почерпнул у итальянцев и не миновал опыта французов, хотя, вне сомнений, двигался своим собственным путем к избранным целям.

Своеобразны оказались в XVII веке пути различных инструментальных жанров: в одних преобладала опора на «ученые» полифонические традиции, в других — на гомофонные, отчасти связанные с бытом, третьи, наконец, складывались, синтезируя достижения полифонического и гомофонного письма. От XVI столетия западноевропейская музыка унаследовала ряд инструментальных форм различного происхождения, масштаба и степени сложности. В целом эта инструментальная музыка находилась уже на пороге самостоятельности, но полностью самостоятельной еще не стала. Однотемные и многотемные канцоны и ричеркары для органа непосредственно продолжали традицию вокально-полифонических форм с тем лишь различием, что канцона в принципе могла быть спета хором как мотет, а в ричеркаре полифоническая форма была менее концентрированна и черты инструментального изложения временами так или иначе уже могли проявляться. От этих форм в XVII веке пошел путь к фуге (если канцона была однотемной), отчасти к старинной сонате (так называемая sonata da chiesa). Токката, с одной стороны, и фантазия — с другой, вели в своем развитии к импровизационно-полифоническим формам. Иная линия в инструментальной музыке шла в XVII веке от бытовых танцевальных (отчасти и песенно-танцевальных) форм ч сюите как циклу из динамически-контрастирующих частей.

Таковы, по существу, крайние точки этого процесса. Между ними совершается множество разносторонних творческих опытов, скрещиваются черты и тенденции ряда жанров, соединяются признаки имитационного, вариационного и импровизационного развития, возникают своего рода гибридные образования: например, у Фрескобальди органная канцона может соединять имитационное изложение, вариационность и чередование частей по принципу цикла. В пределах XVII века можно встретить очень многие, нередко смыкающиеся жанровые обозначения: ричеркар, канцона, каприччо, фантазия, токката, фуга (в смысле канона, а затем и ранней фуги), вариации, партита, соната, концерт. В одних господствует полифоническое письмо, другие по преимуществу гомофонны.

Но непроходимой грани между сферой полифонии и гомофонии на деле в инструментальных жанрах XVII века уже нет. Классическая фуга, постепенно складываясь у предшественников Баха (хотя еще и не достигая высшей зрелости), несомненно, претворяет и отдельные достижения, связанные с опытом гомофонного мышления. А танцевальная сюита вскоре уже поддается некоторой полифонической «стилизации». XVII век — эпоха взаимного опло-

490

дотворения полифонии и гомофонии. Стилевой перелом, происшедший к началу века с возникновением монодии с сопровождением, не получил прямого, непосредственного отражения в области инструментальных форм, но и не остался для них без последствий. Новое чувство мелодической выразительности, индивидуальной, говорящей мелодии одухотворило и инструментальный тематизм, ранее всего у итальянских композиторов и особенно явно в скрипичной музыке. Это, однако, нисколько не препятствовало дальнейшему развитию полифонического письма в тех же циклах трио-сонат, где проявлялись эти новые качества мелодики.

Как увидим дальше, круг образов, воплощенных в инструментальной музыке XVII столетия, гораздо более широк, чем в предыдущие периоды. Яснее и выпуклее становится музыкальный образ как таковой, и одновременно растет стремление к более широкой концепции, включающей контраст образов. Одно стимулируется другим. Расширяется сфера жизненного содержания, доступного инструментальным жанрам, — таково главное завоевание XVII века, выдвинувшее инструментальную музыку Западной Европы на самостоятельное место в ряду художественных жанров. С этим связано и определенное отношение к инструментальному тематизму, к принципам развития внутри композиционной единицы, к формированию цикла из ряда контрастных частей.

Разумеется, понимание тематизма далеко не одинаково в танцевальной сюите или полифонической канцоне. Если внутри танца (или в части сюиты, развивающейся по принципу танца) выдерживается определенный род ритмического движения, чем и достигается единство целого, своего рода монообразность пьесы, то в имитационной канцоне тема-мелодия составляет как бы зерно образа, который затем развертывается в имитационном или внутренне-вариационном движении, тоже сохраняя единство характера. В многочастной канцоне, постепенно перерождающейся в сонату из нескольких обычно контрастных частей, различие сменяющихся образов выражается и в особенностях тематизма, и в своеобразии склада, и отчасти в методах развития.

Так образное содержание новой инструментальной музыки побуждает к поискам нового тематизма, к единству его развертывания в пределах части цикла и к созданию цикла из контрастных частей. Развитие, вернее развертывание тематического ядра может происходить и по принципу танца, и в имитационной форме, и вариационным путем, но цель такого развития — единство образа. Сопоставление образов в пределах цикла может быть и эмоционально-выразительным и динамическим по преимуществу, может сочетать контраст движений с вариационным принципом, но цель такого сопоставления — эффект контрастного круга образов.

В поисках образной характерности инструментальная музыка на первых порах опирается и на танец, и на свойства оперной монодии, и на изобразительность тематизма, и на смелые программные замыслы. Но далеко не всегда ее образность в XVlI

491

веке столь проста и конкретна: как правило, она носит более обобщенный характер. Однако благодаря контрасту образов в цикле эмоциональный смысл каждого из них выступает яснее и определеннее. Быть может, поэтому через все композиторские искания той поры особенно настойчиво проступает стремление найти контрасты тематического материала, движения, общего склада, методов развития и т. д. Не случайно между линиями канцона-фуга и танец-сюита в XVII веке развивается целый ряд других форм, причудливым образом сочетающих в себе элементы полифонии, танцевальности, варьирования, импровизационности. Это особенно характерно для Фрескобальди. В токкатах Букстехуде сосуществуют фугированность и импровизация. Пассакалья и чакона — излюбленные остинатно-вариационные формы того времени — заключают порой танцевальную сюиту. В сюите с увертюрой соединяются к концу века нетанцевальный цикл с чередой танцев. В сюите с прелюдией — иной вариант соединения танцевальности с нетанцевальным вступлением. И наконец, старинная соната (sonata da-chiesa) представляет собой своеобразный цикл полифонических и гомофонных частей разного плана.

Хотя далеко не всё из этих творческих опытов затем исторически закрепляется, новые тенденции композиторов XVII века нельзя не признать во многом перспективными. В их творчестве «прорастают» молодые жизнеспособные жанры, в которых стираются грани между былой канцоной (как «ученой» музыкой) и танцем или простой песней (как «бытовой» музыкой) и возникают предпосылки для искусства нового, концертного типа. Такова старинная соната, таковы ранние образцы инструментального концерта — concerto grosso.

Развитие инструментальных жанров совершается от XVI к XVIII веку даже не параллельно, а вместе с определенными сферами исполнительства на разных инструментах (или в инструментальных ансамблях). Именно в эту эпоху выдвигаются определенные инструменты со своими особенностями звучания — и соответственно со своим репертуаром: клавесин (вёрджинель — в Англии), скрипка, новый камерный ансамбль (две скрипки и basso continuo). Расширяется сфера воздействия органа, и обогащается его репертуар. Специфика инструментов и их художественные возможности уже не позволяют ограничиваться традициями вокально-полифонического склада: зреет и набирает силы именно инструментализм, причем в его особенном, конкретном выражении на клавесине, на органе, на скрипке. В зависимости от этого в связи с определенными областями инструментализма преобладают те или иные жанры. Так, органная музыка с ее старинными и строгими профессиональными традициями заметно отличается по общему характеру от более «домашней» или салонной клавирной музыки (что, однако, не исключает и прямых соприкосновений между их репертуаром). Путь от ричеркара-канцоны к фуге — это прежде всего путь органной композиции, как путь к сюите — важнейший путь клавирного (от-

492

части малоансамблевого) репертуара, наследующего бытовые традиции лютни. Всевозможные обработки хорала, старые навыки импровизации на клавишных инструментах — по преимуществу достояние органа и органистов. Музыка для скрипки воплощает в себе самые новые устремления инструментального стиля, и потому для нее характерны соната и концерт. Вполне естественно, что эти жанры, наиболее близкие оперно-вокальному мелодизму, связаны с выразительными возможностями струнных смычковых инструментов. Лишь от скрипки соната и концерт переходят затем на клавир, обретая со временем новые качества

Рассматривая последовательно эволюцию органной, клавирной, ансамблевой и скрипичной музыки в различных странах Западной Европы, мы составим представление о пути различных инструментальных жанров от наиболее старинных по их историческим истокам до новейших, сложившихся на пороге XVIII века.

studfiles.net

История и шедевры инструментальной музыки

Инструментальная музыка долгое время не считалась самостоятельным произведением. Ее сопровождали пением, а инструментальная литература была приложением вокальных сочинений.

Канцерное и бытовое музицирование претерпела переломный момент в XVII веке. В этот период начали появляться первые шедевры инструментальной музыки. Параллельно начали развиваться гормонная и полифоническая музыки. Она была путем к сюите и канцерной симфонии, а другая – к фуге. Точного и ясного разделения одной музыки от другой не было. Один склад всегда содержит признаки второго: в сюите присутствует полифония, а полифонические произведения содержат танцевальную музыку и аккордовость.

Инструментальная музыка выделилась позже вокального жанра. Продолжительное время она носила практический характер – сопровождала разные жизненные ситуации. Так же долгое подчинение вокальному жанру не позволяли приобрести самостоятельность. К примеру, первое время орган сопровождался для дублирования хорового пения.

Эпоха Возрождения славиться широким инструментальным репертуаром. Но инструментальные композиции того времени трудно отличить от вокальных: вокальные голоса были заменены на инструменты. Но инструментальный жанр стремился исключить «дублирование» вокальных произведений. В XVII инструментальная музыка раскрепощается, занимает отдельную область композиторского творчества и расширяет свое содержание. Прослеживается интерес к музыкальным тембрам. Композиторы понимают, что технические и художественные возможности каждого инструмента разные.

Выделяются инструментальные стили: клавирный, скрипичный, органный и т.д. У каждого свои исполнительные приемы и выразительные средства.

Возникают национальные школы инструментальной музыки: итальянские скрипачи, испанские виуэлисты, немецкие органисты и др.

Появляются множество инструментальных жанров, каждый из них неповторим и уникален: соната, сюита, сольный концерт и т.д. До этого времени не существовала четкой дифференциации, отличий были между ними минимально, а общего — много.

Сегодня инструментальная музыка собирает большие канцерные залы. Она не выразительна и понятна без слов. Выпущено более тридцати сборников «Шедевры инструментальной музыки», которые собрали гениальные произведения с эпохи Возрождения и до наших дней. В них включены гениальные произведения: Ванессы Мэй «Шторм», оркестр Поля Мориа «Токката», «Менуэт», «История любви», Ричард Клаудерман «Ромео и Джульетта», оркестр Джеймса Ласта «Одинокий пастух», Фаусто Папетти «Эммануэль» и т.д. Многие произведения были использованы для музыкального сопровождения кинокартин с мировой известностью.

www.istmira.com

Статья по музыке на тему: Музыка – (инструментальная и вокальная)

Музыка – (инструментальная и вокальная)

«Из наслаждений жизни одной любви музыка уступает:

но и любовь – мелодия»…

В этих словах А.С.Пушкина о музыке сказано так много, что можно и книг не писать. Музыка – вид искусства в котором мысли и чувства выражены звуками.

Музицирование

Обозначает всё это исполнение музыки. Но не всегда. Например, музицированием редко обозначают концертное исполнение или звучание парадного марша, танцев. А вот игру на музыкальных инструментах или пение в быту при небольшой аудитории, для самих себя, друг для друга – дома, в камерных залах или на воздухе, — обычно называют музицированием. Музицирование – очень важный показатель музыкальной культуры общества, да и культуры вообще, так же как чтение, занятия поэзией, участие в любительском театре, рисование, рукоделие и т.д., то есть любой вид активного приобщения к искусству в виде собственного творчества, независимо от того, профессиональное оно или любительское.

Инструментальная музыка

Инструментальная музыка. Объяснения это понятие не требует, а пояснения, наверное не помешают. От древнейшего барабанного боя и дудочек до новейшего симфонического оркестра с органом и синтезатором – всё входит в понятие «инструментальная музыка». Всё, что не поётся, а играется, — музыка инструментальная: старая, новая, народная, профессиональная, серьёзная, развлекательная, программная,

не программная и т.д. По сравнению с вокальной музыкой у инструментальной есть потери и преимущества. Она уступает вокальной в непосредственности и теплоте человеческого голоса, но превосходит её в разнообразии и богатстве тембров, регистров, диапазона, скорости смены звуков, долготе тянущегося звука, комбинациях тембров и т.п., всего не перечислишь. Именно поэтому выразительные возможности инструментальной музыки неисчерпаемы, и ей подвластны самые разнообразные эмоции и образы. Недаром древние греки считали инструментальную музыку высшим, божественным искусством.

Вокальная музыка

Нет ничего прекраснее человеческого голоса. Говорят, что каждый инструмент хорош настолько, насколько он приближается к голосу, А голос – это инструмент музыканта-вокалиста.

Большинство из нас, не задумываясь, назовёт Фёдора Ивановича Шаляпина как эталон певца. Но далеко не каждый знает, что дело не только в его замечательном голосе, но и в выдающемся артистизме, который воздействует на нас даже с дисков старинных пластинок.

Голос, конечно, главный предмет заботы вокалиста. Для того, чтобы этот инструмент служил долго, был выносливым, — требуется основательная тренировка, постановка голоса (бывает, впрочем, природная), ведь человеческий голос – инструмент тончайший и хрупкий. Тренировка заключается во владении дыханием, мышцами горла, рта и лица.

Но для музыканта, как известно, инструмент – это ещё не всё. Душа, музыкальность, интеллект – словом, личность – вот важнейшее условие для рождения настоящего певца. Но и актёрские данные необходимы. Иначе, кто же поверит тому образу, который заключён в исполняемом произведении?

Голос человека, его тембр, тон, вибрация говорят о человеке гораздо больше, чем он подчас хотел бы. И как бы ни был красив от природы тембр, как бы ни была высока вокальная техника, — слава и популярность певца обеспечивается только комплексом, сочетанием профессиональных и человеческих качеств. Это счастливое сочетание характерно для выдающихся певиц XIX века Дж.Гризи и А.Патти, для наших современников И.С.Козловского и Н.А.Обуховой, М.Кабалье и Д.Фишера-Дискау.

Владение вокалом, обеспечивающее чистое и выразительное пение, даёт возможность с наибольшей точностью донести до слушателя замысел автора и доставить ему подлинное наслаждение. Существуют десятки методик обучения пению. Это тонкое и кропотливое искусство, первенство в котором уже на протяжении трёх-четырёх столетий удерживают итальянские мастера. Под влиянием итальянской школы сложились и другие национальные школы, в том числе и русская. Однако манеру пения обычно определяет репертуар. Так, Владимир Атлантов, например, поёт русскую музыку в русской манере, а итальянскую – в итальянской, которой он владеет в совершенстве.

Вокальная музыка самая древняя и вечная. Она неотделима от текста, от слов. Её образный диапазон – от древнейших обрядовых заклинаний до филосовских откровений. Колыбельные песни и литургии, любовная лирика и гимны, опера и джаз, оратория и рок, старинный романс и песня протеста – всё это вокальная музыка.

Любое соединение певческих голосов представляет собой вокальный ансамбль. Строго говоря, даже хор. В музыкальной практике сложились как типичные небольшие вокальные ансамбли: дуэты, трио, квартеты, октеты. Эти ансамбли бывают смешанные, а бывают однородные: женские или мужские. Надо добавить, что вокально-ансамблевое музицирование имеет свойство доставлять людям особое удовольствие. В эпоху Ренессанса это было одним из любимейших занятий, да и позже, в XVIII – XIX веках, домашнее и салонное музицирование, как правило, включало в себя и ансамблевое пение, Много поют и народные умельцы и любители пения. Городские жители сейчас, к сожалению, поют совсем мало, всё больше слушают. Петь, слушая свой голос вместе с остальными, подстраиваться, вместе переживать музыку – одно из самых радостных занятий. Если вы никогда не пробовали, попробуйте, не пожалеете!

Не менее распространены в жизни и вокально-инструментальные ансамбли. Это не обязательно когда мы слышим абревиатуру ВИА подразумевается «поющие гитаристы»,исполняющих эстрадную, поп – и рок-музыку. Вовсе не отрицая этой великой реальности, заметим, однако, что само понятие вокально-инструментального ансамбля неизмеримо шире и древней, чем наши ВИА, и означает всякое камерное пение с сопровождением инструментов.

Что касается хоровой музыки, которая тоже относится к вокальной, то о ней нужно говорить отдельно, поскольку это явление особое.

Ансамбль

Над значением этого слова люди обычно специально не задумываются, но чувствуют его верно, Если говорят: «вокально-инструментальный ансамбль»,ансамбль песни и пляски, ансамбль солистов, архитектурный ансамбль, садово-парковый ансамбль» и даже «пляжный ансамбль» -понятно, что кто-то или что-то, собранное вместе образует красивое и стройное целое. Родственное слово «ассамблея» означает дружественное собрание людей, объединённых общими целями.

Поскольку музыка исполняется не только одним человеком – солистом, но гораздо чаще – несколькими, а то и многими музыкантами, то всякий коллектив исполнителей, от двух человек до тысячных масс,- это ансамбль. Но употребляется это слово в музыке обычно в двух значениях.

Первое: ансамблем, как правило, называют небольшой коллектив музыкантов, от двух до десяти – пятнадцати человек.

Второе: под ансамблем часто подразумевают слаженность исполнения.

Как вы расцените такую фразу: «Этот ансамбль неважный, у них нет настоящего ансамбля?» Посторонний человек, удивясь, подумает, что за чушь! Но музыканты в разговоре между собой могут даже заметить, как смешно звучит эта фраза. Им понятно: эти музыканты неслаженно играют. А какая же это музыка, если «кто в лес, кто по дрова»? Казалось бы, идут в одном направлении, но по разному понимают свою цель. Ну а знаменитая басня И.А.Крылова К в а р т е т напоминает о том, что качество ансамбля зависит не от того, настоящие ли это музыканты. Умение играть или петь в ансамбле – это особое искусство, которому нужно специально обучаться. А чувство ансамбля доставляет особую радость при совместном музицировании.

Гитара

Когда трогают струны гитары, кажется, что трогают струны твоей души. В этой тайне нашего родства с этим инструментом, наверное, и заключается разгадка его необыкновенной истории. Из всех инструментов нового времени гитара самая старая: в XIII веке она была уже широко известна в Испании. И несмотря на это, популярность гитары продолжает расти. По мере того, как сменяются эпохи и музыкальные стили, в ней раскрываются новые возможности и новые качества. Но самое поразительное заключается в том, что гитара не имеет социальных и жанровых границ. Она доступна и простолюдину и аристократу, равно любима ими. На гитаре одинаково хорошо звучит аккомпанемент к старинному или цыганскому романсу и уникальные джазовые импровизации Александра Дольского, сюиты И.С.Баха и рок-музыка.

Более того, гитара не знает национальных границ. В каждой стране, где она приживается, гитара становится народным инструментом, обогащая новую культуру. Песни итальянские и русские, английские и негритянские, испанские и французские звучат под гитару так, словно родина гитары каждая из этих стран.

Гитара прекрасно звучит с голосом и с органом, с хором и духовыми инструментами. Неповторима и ни с чем несравнима гитара соло или дуэт гитар. Испанский стиль сольной игры на гитаре (фламенко) обладает предельной экспрессией, романтической взрывчатостью, требует от исполнителя сочетания феноменальной техники игры с огромной внутренней эмоциональностью. Всеми этими качествами обладает выдающийся исполнитель в стиле фламенко Пако де Лусия.

Крупнейшим гитаристом современности был Андре Сеговия. Для него писали музыку многие композиторы Западной Европы и Латинской Америки. Выдающиеся советские гитаристы А.М.Иванов-Крамской и Л.Ф.Андронов унаследовали традиции русской гитарной школы, у истоков которой были прославленные гитаристы А.О.Сихра (1773 – 1850) и М.Т.Высоцкий (около 1791 – 1837).

Классическая гитара шестиструнная. Известная нам семиструнная гитара представляет собой национальный русский вариант, привившийся частично и в Польше. Сегодня в век техники появились модернизированные разновидности инструмента: гавайская гитара ( с металлическими струнами), оркестровая (или джазовая) и конечно-же электрогитара.

Барабан

Древнейший, интернациональный, универсальный и, по-видимому, вечный инструмент, он необходим многим, начиная от маленьких детей, обожающих игрушечные барабанчики (гроза взрослых, страдающих от шума),-кончая всеми разновидностями оркестров и всеми жанрами серьёзной музыки. О роли барабанов в эстраде, рок-музыке и джазе много можно и не говорить. Их без него просто не было бы.

Воспроизведение ударных звуков так же необходимо человеку, как и пение. Оно выражает естественную потребность в ритме и движении и связано прежде всего с ходьбой, маршем и танцем, а также с обрядами. У многих народов ритм и звуки барабана имеют ритуально-магический смысл. Особенно распространён барабан в Африке. Не потому ли, что её солнечные народы обладают такой природной двигательной активностью, какую европейцам трудно даже представить? Любопытно, что барабан каждый народ, видимо, изобретал сам. Ведь это всего лишь кусок кожи животного, натянутый на полый корпус или раму, да палочки, которые всегда найдутся, хотя и ладони рук прекрасно годятся для игры на барабане.

Из всех разновидностей барабана в нашу эпоху в Европе используются две: большой и малый барабан. Большой барабан, на котором играют деревянной колотушкой с мягким наконечником, имеет звуки от приглушенно-мрачных – до мощных и грозных. На малом барабане играют с помощью двух деревянных палочек. Его звук сухой и резкий, на нём великолепно получаются дробь и сложные ритмические фигуры.

Поскольку звук барабана не имеет высоты, ноты записывают на одной строчке.

Ударные инструменты

Младенец, играющий с погремушкой, уже приобщается таким образом к ударным инструментам. А если вспомните, какое удовольствие вам в раннем детстве доставляло позвенеть крышками и сковородками, побарабанить по деревяшкам и т.д., вы поймёте, какое место в жизни человека занимает эта столь примитивная форма музицирования. Первыми ударными были деревянные инструменты. Следующими – те, что делались из кожи животных, натянутой на полый корпус. Наконец, последние появились металлические.

Большинство ударных инструментов не имеют точной высоты звука (барабаны, кастаньеты, трещотки, бубны, тамтам и др.). Поэтому их роль прежде всего ритмическая, хотя очень важен и тембр, богато окрашивающий оркестр или ансамбль. Но немало инструментов, имеющих определённую высоту. Это колокола и колокольчики, литавры, ксилофон, гонг, челеста и др. Они используются как мелодические и гармонические. Их тембр также чрезвычайно важен.

Ударные инструменты имеют столь же большое значение в оркестре и ансамбле, сколь струнные и духовые. Очень велика их роль в джазе (в который они пришли вместе с африканским фольклором) и конечно, в рок-музыке, где они являются одним из главных инструментов.

nsportal.ru

Реферат Инструментальная музыка

скачать

Реферат на тему:

Анушка Шанкар. Игра на ситаре.

Инструментальная музыка — музыка, исполняемая на инструментах, без участия человеческого голоса^[1]^[2]. Различают сольную, ансамблевую и оркестровую инструментальную музыку^[3]. Широко распространена в классической музыке, джазе, электронной музыке, нью-эйдже, пост-роке и т. д.

Музыкальные альбомы разных исполнителей нередко содержат инструментальные композиции (например, Mind Of Karma «Yellow Submarine» Beatles, или «Autobahn» Kraftwerk).

Список инструментальных композиций, вышедших на первое место в хит-параде Billboard Hot 100 в разные годы^[4]^[5]:

«Theme from A Summer Place» — Перси Фейт (1960)
«Telstar» — Tornados (1962)
«L’Amour Est Bleu (Love Is Blue)» — Поль Мориа (1968)
«Grazing in the Grass» — Hugh Masekela (1968)
«Frankenstein» — Edgar Winter Group (1973)
«Love’s Theme» — Love Unlimited Orchestra (1974)
«The Hustle» — Ван МакКой (1975)
«Theme from ‘S.W.A.T.’» — Rhythm Heritage (1976)
«A Fifth of Beethoven» — Уолтер Мёрфи (1976)
«Star Wars Theme/Cantina Band» — Meco (1977)
«Rise» — Герб Алперт (1979)
«Chariots of Fire» — Вангелис (1981)
«Miami Vice Theme» — Ян Хаммер (1985)

Из истории

Возраст наиболее древних музыкальных инструментов (флейт), найденных в пещере Холе-Фельс на юго-западе Германии, составляет около 40 тыс. лет^[6]. Плутарх поминает флейтиста Исмения^[7], а за 500 лет до него Платон отмечал, что горожане предпочитали инструментальную музыку, исполняемую на струнных (лиры, кифары), а в сельских районах – на духовых инструментах (свирели).

В России XII века само существование крюкового кондакаря (см., например Благовещенский кондакарь), а также археологические находки (например, в Сербии^{[источник не указан 245 дней]}) свидетельствует о высоком состоянии развитии музыкального искусства славян.

В XIV веке инструментальное искусство продолжает развиваться. К примеру, посол Тевтонского ордена (Конрад Кибург) отмечал, как в одной из церквей в ВКЛ «трубы, гобои, бубны, огромные котлы издавали столь могучие звуки, что казались более военною, чем церковною музыкой, но в этих звуках было столько гармонии и музыкальности, они стихали так постепенно и нежно и наконец исчезли в таком прекрасном, мужественном пении: «Gloria Patri et Filio» et caet., что мы были поражены в высшей степени»^[8].

Однако тезис РПЦ – «Инструменты, не имеющие ни души ни жизни, не могут хвалить Бога» – уже к началу XVII века привёл при своей реализации к состоянию, которое описывает Пётр Петрей: «Когда играют свадьбу… бывает много музыкантов, которые поют многие бесстыдные и похабные песни, при том играют на трубах, тромбонах, дудках и сопелках, а иногда бьют и в барабаны: из этого выходит удивительная и необыкновенная музыка, такая же приятная, как собачий вой, а москвитяне очень рады и довольны, думая, что лучше и приятнее её и на свете нет, потому что не слыхали никакой, кроме этой, меж тем как всякого пронимает страх и дрожь, когда он её слышит»^[9]; а логический конец развитию инструментальной музыки положил патриарх, распорядившийся с одобрения царя Михаила Романова все инструменты изъять и сжечь за Москвою-рекой^{[источник не указан 245 дней]}.

В самом конце XVII века И.-Г. Корб отмечал, что «находящиеся у них иностранные артисты нравятся москвитянам только до тех пор, пока играют; но лишь только удовлетворят их своей игрой, то тотчас в покровителях этих артистов пробуждается скупость, и москвитяне ни за что не соглашаются покупать удовольствие, продолжающееся только несколько часов, на годичные расходы… Военная музыка своей игрой скорее наведёт тоску, чем возбудит воинский восторг. Скорее играют погребальную, а не воинскую песнь, так как они не умеют применять музыку к более благородным побуждениям. У москвитян музыкальные инструменты, по большей части, трубы и литавры»^{[источник не указан 245 дней]}.

Только в эпоху Петра Великого инструментальная музыка начинает возрождаться, но уже под сильным западным влиянием.

Примечания

Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона в 82 тт. и 4 доп. тт. — М.: Терра, 2001
Большая советская энциклопедия — М.: Советская энциклопедия, 1969—1978
Большой энциклопедический словарь — М.: Большая российская энциклопедия, 1998
en:Instrumental
The Search Engine that Does at InfoWeb.net — www.masolit.com/news/print/1408/
Музыкальные инструменты в Новостях на «Элементы.ру» — elementy.ru/news?newsid=431111
Плутарх. Сравнительные жизнеописания. В 2 т. / Изд. подг. С. С. Аверинцев, М. Л. Гаспаров, С. П. Маркиш. Отв. ред. С. С. Аверинцев. (Серия „Литературные памятники“). 1-е изд. В 3 т. — М.-Л., Издательство АН СССР. 1961—1964. 2-е изд., испр. и доп. — М., Наука. 1994. Т.1. Вступление
Перевод дневника Конрада фон Кибурга в книге М. Смирнов. Ягелло-Яков-Владислав и первое соединение Литвы с Польшей. Одесса: Записки Новороссийского Университета. 1868.
Пётр Петрей. История о великом княжестве Московском, происхождении великих русских князей, недавних смутах, произведённых там тремя Лжедмитриями, и о московских законах, нравах, правлении, вере и обрядах. Часть пятая. М.: ЧОИДР. 1865—1867. Часть пятая — www.drevlit.ru/texts/p/petr_petr_ist_5.php

wreferat.baza-referat.ru

Инструментальная музыка — это… Что такое Инструментальная музыка?

Список инструментальных композиций, вышедших на первое место в хит-параде Billboard Hot 100 в разные годы^[4]^[5]:

«Theme from A «Summer Place»» — Перси Фейт (1960)
«Telstar» — Tornados (1962)
«L’Amour Est Bleu (Love Is Blue)» — Поль Мориа (1968)
«Grazing in the Grass» — Hugh Masekela (1968)
«Frankenstein» — Edgar Winter Group (1973)
«Love’s Theme» — Love Unlimited Orchestra (1974)
«The Hustle» — Ван МакКой (1975)
«Theme from ‘S.W.A.T.’» — Rhythm Heritage (1976)
«A Fifth of Beethoven» — Уолтер Мёрфи (1976)
«Star Wars Theme/Cantina Band» — Meco (1977)
«Rise» — Герб Алперт (1979)
«Chariots of Fire» — Вангелис (1981)
«Miami Vice Theme» — Ян Хаммер (1985)

Из истории

В России XII века само существование крюкового кондакаря (см., например Благовещенский кондакарь), а также археологические находки (например, в Сербии^{[источник не указан 780 дней]}) свидетельствует о высоком состоянии развитии музыкального искусства славян.

Примечания

↑ Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона в 82 тт. и 4 доп. тт. — М.: Терра, 2001
↑ Большая советская энциклопедия — М.: Советская энциклопедия, 1969—1978
↑ Большой энциклопедический словарь — М.: Большая российская энциклопедия, 1998
↑ en:Instrumental
↑ The Search Engine that Does at InfoWeb.net
↑ Музыкальные инструменты в Новостях на «Элементы.ру»
↑ Плутарх. Сравнительные жизнеописания. В 2 т. / Изд. подг. С. С. Аверинцев, М. Л. Гаспаров, С. П. Маркиш. Отв. ред. С. С. Аверинцев. (Серия „Литературные памятники“). 1-е изд. В 3 т. — М.-Л., Издательство АН СССР. 1961—1964. 2-е изд., испр. и доп. — М., Наука. 1994. Т.1. Вступление
↑ Перевод дневника Конрада фон Кибурга в книге М. Смирнов. Ягелло-Яков-Владислав и первое соединение Литвы с Польшей. Одесса: Записки Новороссийского Университета. 1868.
↑ Пётр Петрей. История о великом княжестве Московском, происхождении великих русских князей, недавних смутах, произведённых там тремя Лжедмитриями, и о московских законах, нравах, правлении, вере и обрядах. Часть пятая. М.: ЧОИДР. 1865—1867. Часть пятая

dic.academic.ru