Красота в искусстве и жизни презентация: Презентация по искусству на тему » Красота в искусстве и в жизни» ( 8 класс)
Красота в искусстве и жизни презентация, доклад
ЕСТЬ ЛИ У КРАСОТЫ СВОИ ЗАКОНЫ?
Красота в искусстве и жизни
ЗАКОНЫ КРАСОТЫ
У красоты действительно есть свои законы! Архитектурное сооружение (храм или просто изба), живописная картина или произведение графики, скульптура или изделие народных умельцев, старинное песнопение или народная песня, спектакль, кинофильм или крупное сочинение для симфонического оркестра –все они созданы по законам красоты.
Джотто ди Бондоне. «Оплакивание Христа». Фреска. 1304—06 гг. Капелла дель Арена (Скровеньи). Падуя. Италия
ЗАКОНЫ КРАСОТЫ
Главные, общие для всех видов искусства законы, определяющие прекрасное, основаны на гармонии.
Гармония изначально свойственна Миру и всем его составляющим. Ее лишь надо уметь увидеть и извлечь, как это делают художник и ученый, которые в большей мере, чем другие люди, чувствуют гармонию.
Капелла дель Арена (Скровеньи). Падуя. Италия
ГАРМОНИЯ
Гармония (греч. harmonia) — это созвучие, согласие, соразмерность, соподчиненность частей целого.
Древние греки, открывшие понятие гармонии, тесно связывали ее с понятием меры. «Меру во всем соблюдай», — советовали древнегреческие мудрецы. Мера заставляла постоянно выявлять внутренние связи через симметрию, пропорции, ритм — базовые понятия и в природе, и в искусстве, и в науке.
ГАРМОНИЯ
Симметрия, пропорции, ритм тесно связаны с математикой. Не случайно древнегреческий философ и математик Пифагор и его последователи утверждали, что все прекрасно благодаря числу. Они создали учение о гармонии сфер, утверждая, что расстояния между планетами соответствуют числовым отношениям музыкальной гаммы, определяющей целостность и благозвучие Космоса.
СИММЕТРИЯ
Симметрия (др.
-греч. соразмерность, меряю), в широком смысле — соответствие, неизменность.
Симметрию как признак живого организма привыкли воспринимать в качестве организующего мир начала. Все симметричное привычно, приятно глазу и потому оценивается как красивое. В искусстве симметрия находит выражение в композиционном построении произведений.
КОМПОЗИЦИЯ
Композиция (от лат. composito — сочинение, составление, соединение, примирение) в искусстве — построение, внутренняя структура произведения, его целостность и соразмерность составляющих частей.
Композиция — мощное средство выразительности в любом виде искусства. Часто именно композиционное решение передает пафос художественного произведения.
Жак-Луи Давид. Клятва Горациев. 1784
ПРОПОРЦИИ (СООТНОШЕНИЕ, СОРАЗМЕРНОСТЬ)
Пропорции строения тела человека в Античности определяли красоту и пропорциональность греческой архитектуры.
Особенно важную роль в искусстве играет золотая пропорция — пропорция золотого сечения, применявшаяся со времен Античности. Лучшие произведения искусства — архитектуры, музыки, живописи, литературы — построены по правилам золотого сечения.
Мирон. Дискобол
ЗОЛОТОЕ СЕЧЕНИЕ
Золотое сечение получается при делении отрезка на две неравные части, при котором меньшая часть так относится к большей, как большая ко всей длине отрезка. Если разделить отрезок пополам, он будет казаться слишком застывшим, безжизненным. Если место деления отрезка слишком сильно приближено к одному из его концов, то создастся впечатление неуравновешенности, беспокойства. Только золотое сечение вселяет одновременно чувства покоя и жизненной силы и потому воспринимается как прекрасное.
Геометрическое изображение золотой пропорции
ЗОЛОТОЕ СЕЧЕНИЕ В АРХИТЕКТУРЕ
Музыкальная гамма разбита на пропорциональные части, она в буквальном смысле слова пронизана пропорциями, а пропорциональность — признак красоты.
В музыке кульминация произведения, как правило, находится в точке золотого сечения.
«ЗОЛОТОЕ СЕЧЕНИЕ В МУЗЫКЕ»
«ЗОЛОТОЕ СЕЧЕНИЕ В МУЗЫКЕ»
Один из видных деятелей русской и советской музыкальной культуры Э.К.Розенов впервые применил закон «золотого сечения» в музыке. Анализируя «Хроматическую фантазию и фугу» И.С.Баха, ученый пришел к выводу, что «она, оказывается, сотворена по естественным законам природного формообразования, подобно человеческому организму, в котором совершенно также господствуют оба закона — закон золотого сечения и закон симметрии.
Иоганн Себастьян Бах.
1685-1750.
РИТМ
Ритм (греч. rhythmós, от rhéo — теку), воспринимаемая форма протекания во времени каких-либо процессов, основной принцип формообразования временных искусств (поэзия, музыка, танец и др.).
Ритм в искусстве определяет характер композиции.
Анри Матисс
«Танец». 1910. Холст, масло. Эрмитаж.
РИТМ
Ритм вдыхает жизнь и в произведение искусства! Именно благодаря ритму частей, составляющих целое произведение, мы улавливаем его характер: спокойный или тревожный, величественный или суетливый. Ритм передает движение.
Анри Матисс
«Красные рыбки». 1911
РИТМ
Дамы в голубом. Город-дворец на Крите
РИТМ
П. Учелло. Битва при Сан-Романо
БИОРИТМЫ
Ритм является и характерным свойством любого живого организма. Биоритмы — условие его существования. Ритм есть во всем, что зависит от времени. Это своего рода мера времени и закономерность процессов. В природе буквально все подчинено ритму: смена дня и ночи, времен года, фаз луны и т.
КОДЕКС БОРДЖИА
Кодекс Борджиа — каллиграфический манускрипт V века на греческом и коптском языках.
Рукопись содержит текст Евангелия от Луки 22-23 и Евангелия от Иоанна 6-8, на 23 пергаментных листах (26 x 21 см). Рукопись получила название по имени бывших владельцев.
МУЗЫКАЛЬНЫЙ РИТМ
Музыкальный ритм имеет свои особенности. В музыке ритм в широком смысле слова определяет композицию — форму музыкального произведения. Отраженные в музыке эмоции способны к стремительным и даже мгновенным переходам.
МУЗЫКАЛЬНЫЙ РИТМ
При смене композиционных разделов композитор свободно переходит от одной эмоции к другой, подобно тому как писатель или кинорежиссер свободно переносит читателя, зрителя на несколько лет вперед или назад, от истории одного персонажа к приключениям другого.
Вольфганг-Амадей Моцарт
1-ю часть Симфонии № 40. В.-А.Моцарт
МУЗЫКАЛЬНЫЙ РИТМ
Вместе с тем при постепенном, психологически мотивированном переходе композитор часто использует знания временных законов связи жизненных эмоций. Одни эмоции подвижны, изменчивы, другие отличаются постоянством. Эта глубина погружения в эмоциональное состояние и находит отражение в музыке. Логика эмоциональных переходов часто отражается в форме произведения, пропорциях его частей.
Франц Шуберт
«Неоконченная симфония»
Ф. Шуберт
МУЗЫКАЛЬНЫЙ РИТМ
В узком смысле слово «ритм» подразумевает ритмический рисунок — последовательность звуков разной длительности, определяющую характер мелодии. Например, пунктирный ритм характерен для маршевойВ узком смысле слово «ритм» подразумевает ритмический рисунок — последовательность звуков разной длительности, определяющую характер мелодии.
Например, пунктирный ритм характерен для маршевой, энергичной музыки, а мерное чередование ровных длительностей — для колыбельной песни.
Каждая эпоха вносит свои музыкальные ритмы, связанные с деятельностью человека. Наряду с ритмами работающих машин, стука колес бегущих поездовКаждая эпоха вносит свои музыкальные ритмы, связанные с деятельностью человека. Наряду с ритмами работающих машин, стука колес бегущих поездов, всевозможных сигналов музыка может передать и «застывшее время» космоса, Вселенной, стихию мерцающих звездКаждая эпоха вносит свои музыкальные ритмы, связанные с деятельностью человека. Наряду с ритмами работающих машин, стука колес бегущих поездов, всевозможных сигналов музыка может передать и «застывшее время» космоса, Вселенной, стихию мерцающих звезд. В мировом эфире границ не существует. И часто именно ритмы становятся посланцами культур. Достоянием всего человечества стали ритмы коренных народов АмерикиКаждая эпоха вносит свои музыкальные ритмы, связанные с деятельностью человека.
МУЗЫКАЛЬНЫЙ РИТМ
СТУК КОЛЕС ПОЕЗДА
Биение солнца
Кольца Сатурна
Магнитосфера
Ганимеда
Магнитосфера Юпитера
Остатки большого взрыва
Черная дыра Черная дыра GRS 1915+105
Звуки космоса
МУЗЫКА КОРЕННЫХ НАРОДОВ АМЕРИКИ
Музыка индейцев Перу
Музыка индейцев США
МУЗЫКА НАРОДОВ АФРИКИ
Музыка Пигмеев.
Поедая фрукты
Шакира. Шакира. Vaka-vaka.
Чемпионат мира по футболу 2010. Африка
Красота в искусстве и жизни
Мой родной, мой земной, мой кружащийся шар!
Солнце в жарких руках, наклоняясь, как гончар,
Вертит влажную глину, с любовью лепя,
Округляя, лаская, рождая тебя.
И когда ты отделан и весь обожжен,
Солнце чудо свое омывает дождем
И отходит за воздух и за облака
Посмотреть на творение издалека.
Ни отнять, ни прибавить — такая краса.
С.Кирсанов “Этот мир”
-Какой момент описывает поэт в своем
стихотворении?
-На какое творение посмотреть отходит
Солнце?
-Определите тему урока
КРАСОТА В
ИСКУССТВЕ И ЖИЗНИ
ЧТО ЕСТЬ
КРАСОТА ??
Красота спасет мир.
Ф.М. Достоевский
Красоту нашей природы
Описать я не смогу.
Лучше красками цветными
Я пейзаж изображу.
Нарисую лес зеленый,
Голубые облака
И багульника цветочек
Мотыльком изображу.
Нет природы нашей краше,
Где сосна и ель растет,
Белоснежная береза,
И черемуха цветет.
Берегите, не губите
Вы зеленые леса.
Пусть своею красотою
Лес нам дарит чудеса.
Каждый из нас хоть раз в
жизни испытал восхищение
от красоты зимнего леса,
цветущего сада, восхода
солнца
над
морем,
чарующих слух народных
напевов,
прекрасных
живописных
полотен
и
скульптур.
ПОЧЕМУ МЫ
ПОНИМАЕМ ЧТО
ВСЁ ЭТО
КРАСИВО?
КАК ПРЕКРАСЕН ЭТОТ МИР
Красота раскрывается не всем, а только тем, кто
может не просто смотреть и слушать, а умеет видеть и
слышать, кто пытливо вглядывается в мир,
наблюдает, осмысливает происходящее.
Блистают звёзды, цвет меняют горы,
Снега сползают, розы опадают.
Мне очень жалко тех людей, которых
На свете ничего не удивляет.
Рождаются великие творенья.
Не потому ли, что порою где-то
Обычным удивляются явленьям
Учёные, художники, поэты.
Я удивляюсь и цветам, и птицам,
Хоть мне их не понять, как ни пытаюсь.
Я удивляюсь и словам, и лицам,
Чужим стихам и песням удивляюсь.
Текут ручьи, звенят их голоса,
Я слышу моря гул и птичье пенье.
Земля нам дарит щедро чудеса
И ждёт взамен труда и удивленья.
К.Кулиев
ЧТО ТАКОЕ КРАСОТА?
Понимание красоты распространяется и
на предметы, явления, и на внешний вид
человека,
и
на
его
внутреннюю,
нравственную сущность.
З.Серебрякова. Автопортрет
«КРАСИВЫЙ ЧЕЛОВЕК», ЧТО МЫ
ИМЕЕМ В ВИДУ?
• КРАСОТА – ЭТО ПРАВИЛЬНЫЕ
ЧЕРТЫ ЛИЦА И СТРОЙНАЯ
ФИГУРА?
• КРАСОТА – ЭТО ДУШЕВНАЯ
КРАСОТА, ДОБРАТА И
БЛАГОРОДСТВО?
• ЧТО ВАЖНЕЕ И В ЖИЗНИ, И В
ИСКУССТВЕ – ФОРМА ИЛИ
СОДЕРЖАНИЕ?
…Что есть красота?
И почему её обожествляют люди?
Сосуд она, в котором пустота,
Или огонь, мерцающий в сосуде?
Н.Заболоцкий
Во все времена человек стремился
запечатлеть своё отношение к жизни в
разных видах искусства.
Все жизненные впечатления
преломляются через внутренний мир
художника и обращены к опыту
каждого зрителя, читателя, слушателя.
Чувства, воплощенные в искусстве
всегда зависят от художественного
идеала, системы ценностных
представлений.
В.Серов.Портрет Мики Морозова
Художественные эмоции не слепок
сиюминутных переживаний, а результат
обдумывания, жизненного опыта.
Воспринимая произведение
искусства, человек может
испытывать восторг, радость,
восхищение, потрясение, гнев,
скорбь, боль и др. Но чудо
искусства – в катарсисе –
преодолении обыкновенного
чувства, просветлении, очищении,
возвышении души человека. И
страх, и боль, и волнение, когда
они вызываются искусством,
заключают в себе нечто сверх того,
что в них содержится.
Д.Гирландайо.
Джованни Торнабуони
Красота в живописи. Ее
воздействие на человека
К.Г.Паустовский писал: «Невольные слезы обожгли мне глаза. … Я
стоял перед «Золотой осенью» Левитана. Эта картина вошла в мое
сознание как проявление такой величавой и облагораживающей
красоты, что я до сих пор не мог поверить, что такая красота
существует на свете… Все дрожало у меня в душе.
Происходило
величайшее событие в моей жизни: я нашел свою родную страну. Я
уже любил её до последней прожилки на каждом незаметном листике.
Я был готов отдать этой стране все силы души и тогда ещё молодого
сердца».
«Искусство
побуждает
искать и
находить
главное,
думать, снова и
снова
переживать за
судьбы героев,
соотнося их с
собственной
жизнью»
Л.Выготский
Красота не только всегда приносит людям радость, но
и делает человека лучше. С давних времен люди
начали облагораживать окружающие их вещи,
сопровождающие их в течение всей жизни, с детства
до старости. Человек украшал своё жилище,
предметами быта, труда, создавая своими руками
красоту. При этом природа была его учителем. Она
предоставила простейшие материалы для
изготовления этих вещей — глину, дерево, металл,
камень, кость, лён, шерсть. Народ веками отбирал в
природе совершенные формы, радостные сочетания
цветов, удивляя и радуя своей изобретательностью и
вкусом.
Красота – все красивое, прекрасное, все то, что доставляет
эстетическое и нравственное наслаждение.
словарь С.И.Ожегов
Вкус развивается не на
посредственных, а на
самых совершенных
образцах.
И.Гёте
Прекрасное-это законченное
выражение Добра.
Добро- это законченное
выражение прекрасного.
Рабиндранат Тагор
Чтобы красоту создать, надо
самому быть чистым душой.
М.Глинка
ОТВЕТЬТЕ НА ВОПРОСЫ
1.Почему именно с искусством мы
связываем понимание красоты?
2.Искусство представляет только
красивые образы?
3.Объясните фразу: «Искусство
пробуждает в людях художников»?
4.Какие чувства вы испытываете под
воздействием музыки?
Презентация к уроку искусство «Красота в искусстве и жизни» презентация, доклад, проект
Презентация к уроку
выполнена учителем МХК и ИЗО
Васильева Н.А.
КРАСОТА
В ЖИЗНИ И ИСКУССТВЕ
Каждый из вас хоть раз в жизни испытал восхищение от красоты зимнего леса, цветущего сада, восхода солнца над морем, чарующих слух народных напевов, нестареющих мелодий классических сочинений, зажигательных ритмов современной музыки.
Почему мы понимаем, что все это красиво? Ответить на этот вопрос и легко и сложно. Можно не задумываясь сказать: «Я вижу, что это красиво», или «Я чувствую, что все это красиво». Но вот что же такое красота, точно не ответит никто. Ведь понимание красоты распространяется и на предметы, явления, и на внешний вид человека, и на его внутреннюю, нравственную сущность. Когда мы говорим «красивый человек», что мы имеем в виду? Правильные черты лица, стройную фигуру? Или его душевную красоту, доброту, благородство? А может быть, и то и другое вместе? Что важнее и в жизни, и в искусстве — форма или содержание?
Николай Заболоцкий
Некрасивая девочка
Среди других играющих детей
Она напоминает лягушонка.
Заправлена в трусы худая рубашонка,
Колечки рыжеватые кудрей
Рассыпаны, рот длинен, зубки кривы,
Черты лица остры и некрасивы.
Двум мальчуганам, сверстникам её,
Отцы купили по велосипеду.
Сегодня мальчики, не торопясь к обеду,
Гоняют по двору, забывши про неё,
Она ж за ними бегает по следу.
Чужая радость так же, как своя,
Томит её и вон из сердца рвётся,
И девочка ликует и смеётся,
Охваченная счастьем бытия.
Ни тени зависти, ни умысла худого
Ещё не знает это существо.
Ей всё на свете так безмерно ново,
Так живо всё, что для иных мертво!
И не хочу я думать, наблюдая,
Что будет день, когда она, рыдая,
Увидит с ужасом, что посреди подруг
Она всего лишь бедная дурнушка!
Мне верить хочется, что сердце не игрушка,
Сломать его едва ли можно вдруг!
Мне верить хочется, что чистый этот пламень,
Который в глубине её горит,
Всю боль свою один переболит
И перетопит самый тяжкий камень!
И пусть черты её нехороши
И нечем ей прельстить воображенье,-
Младенческая грация души
Уже сквозит в любом её движенье.
А если это так, то что есть красота
И почему её обожествляют люди?
Сосуд она, в котором пустота,
Или огонь, мерцающий в сосуде?
Как вы думаете, менялись ли представления о красоте на протяжении культурной истории человечества?
С чем это было связано?
Неферти́ти
(с древнеегипетского — «Прекрасны совершенства солнечного диска») — «главная супруга» древнеегипетского фараона XVIII династии Эхнатона, время правления которого ознаменовалось крупномасштабной религиозной реформой.
Легенды рассказывают, что никогда ранее Египет не порождал такой красавицы. Её называли «Совершенная»; её лицо украшало храмы по всей стране. Нефертити играла исключительно важную роль в религиозной жизни Египта того времени, сопровождая супруга во время жертвоприношений, священнодействий и религиозных празднеств. Она была живым воплощением животворящей силы солнца, дарующей жизнь.
Клеопа́тра VII Филопа́тор — последняя царица эллинистического
Египта из македонской династии Птолемеев (Лагидов).
Нет никаких достоверных изображений, которые точно, без идеализации, передали бы её физический облик. Но некоторые историки отмечают в ней отсутствие женственной красоты. Профили на монетах показывают женщину с волнистыми волосами, крупными глазами, выступающим подбородком и носом с горбинкой. С другой стороны известно, что Клеопатра отличалась мощным обаянием, привлекательностью, отлично пользовалась этим для обольщения и вдобавок обладала чарующим голосом и блестящим, острым умом.
Идеалом средневековой женщины был пресвятая дева Мария
БОГОМА́ТЕРЬ ВЛАДИ́МИРСКАЯ — икона, написанная в начале XII в. в Константинополе, одна из древнейших святынь Русской земли. Относится к византийскому типу Елеусы (греч. Eleusa — «Милующая»), или Умиления (Милосердная
В Средние Века земная красота считалась греховной. Фигуру прятали под слоем тяжелых тканей, а волосы — под чепчиком. Теперь – удлиненный овал лица, огромные глаза и маленький рот.
Идеал красоты эпохи Возрождения
Лицо Мадонны — воплощение античного идеала красоты в соединении с духовностью христианского идеала.
Рафаэль Санти.
Сикстинская мадонна
В эпоху Возрождения канонами красоты стали бледный цвет лица, красивый рот, белые зубы, алые губы и длинные шелковистые пряди белокурых волос. В ранг эталона возвели стройную «лебединую шею» и высокий чистый лоб. Идеалом становится спокойная, «здоровая» красота, которую можно видеть на полотнах Тициана или Рембрандта, где изображены молодые прелестницы с кудрявыми волосами и очаровательным румянцем на лице..
Леонардо да Винчи изобразил эталон красавицы средневековья – «Джоконду». Главная загадка портрета — в необъяснимом выражении лица, в непонятной «ускользающей» улыбке.
Одни считают ее
возвышенным идеалом
женственности и обаяния,
другим она кажется неприятной.
В начале XVIII в. наступает эпоха рококо. Теперь женщина должна напоминать хрупкую фарфоровую статуэтку. Торжественную парадность барокко сменяет грациозность, легкость и игривость.
Маркиза де Помпаду́р —
легендарная официальная
фаворитка французского короля Людовика XV.
При этом театральность и неестественность никуда не уходят – напротив, достигают своего пика. И мужчины, и женщины приобретают кукольный облик.
Красавица эпохи рококо имеет узкие плечи и тонкую талию, маленький лиф контрастирует с огромной округлой юбкой. На головах носят целые натюрморты из цветов, перьев, лодки с парусами и даже мельницы. В моду вошли также специальные черные шелковые пластыри – «мушки». Некоторые считают, что появление «мушек» было вызвано эпидемией оспы, и сперва они скрывали рубцы, вызванные этой страшной болезнью.
Она давно прошла, и нет уже тех глаз
И той улыбки нет, что молча выражали
Страданье — тень любви, и мысли — тень печали,
Но красоту ее Боровиковский спас
Так, часть души ее от нас не улетела.
И будет этот взгляд и эта прелесть тела
К ней равнодушное потомство привлекать,
Уча его любить, страдать, прощать, мечтать.
Я.Полонский
Портрет Марии Лопухиной
М.Врубель. Царевна Лебедь
ОБРАЗ ЖЕНЩИНЫ В ЖИВОПИСИ СОВЕТСКОГО ПЕРИОДА
ЗАСТЫВШАЯ КРАСОТА
Символами красоты
являются
памятники
архитектуры.
Церковь Вознесения
в Коломенском
Древнее подмосковное село Коломенское, почти полвека назад вошедшее в черту Москвы, известно еще с начала XIV столетия. Впервые о нем упоминает духовная грамота Ивана Калиты. Издавна это село, расположенное на высоком берегу над поймой Москвы-реки, служило летней резиденцией московских князей и царей, но особенно любил и обустраивал его Василий III.
При нем здесь был построен обширный деревянный дворец, а в 1532 году — знаменитый храм Вознесения, ознаменовавший собой начало каменного шатрового зодчества на Руси. Окончание постройки Вознесенской церкви было отмечено трехдневными торжествами и пиршествами, на которых присутствовали сам великий князь Василий III и митрополит. Несмотря на тщательные исследования, до сих пор, к сожалению, не удалось найти имя гениального зодчего, строившего храм. Никаких сведений в исторических документах о нем не содержится. Храм построен по образцу русских шатровых деревянных храмов — «верх на деревянное дело». Это говорит о том, что его строил русский мастер. С другой стороны, многие приемы, элементы конструкции и декора указывают на сильное влияние итальянского зодчества эпохи Возрождения. Может быть, храм строил итальянский мастер, приглашенный Василием III? Что ж, может быть, когда-нибудь загадка храма Вознесения в Коломенском будет разгадана, и мир узнает имя гениального архитектора, построившего это удивительное сооружение.
А пока белокаменный храм молчаливо хранит свою тайну.
Храм Покрова на Нерли
Церковь Покрова на Нерли
называют шедевром мирового зодчества, вершиной творчества владимирских мастеров
эпохи расцвета Владимиро-
Суздальского княжества.
Это маленькое изящное здание
стоит на небольшом холме на приречном лугу, там,
где река Нерль впадает в Клязьму.
В русской архитектуре нет памятника более лирического, чем церковь Покрова на Нерли. Церковь Покрова на Нерли построена в 1165 году. Исторические источники связывают ее постройку с победоносным походом владимирских полков на Волжскую Булгарию в 1164 году. В этом походе и погиб молодой князь Изяслав. В память об этих событиях Андрей Боголюбский заложил Покровский храм. Предание рассказывает, что князь Андрей Боголюбский построил храм Покрова на Нерли после кончины своего любимого сына Изяслава — в память о нем.
Вероятно поэтому светлой грустью веет от этой уединенно стоящей на берегу Нерли церкви. По некоторым известиям, белый камень для постройки церкви доставили в качестве контрибуции сами побежденные волжские булгары. Храм был посвящен новому на Руси празднику — Покрова Богородицы. Место для постройки церкви — пойменный луг при впадении реки Нерль в Клязьму — указал сам князь Андрей Боголюбский. Это выдающееся произведение русских мастеров получило всемирную известность и признание, став своеобразной «визитной карточкой» России.
Реймский собор
Шедевром зрелой готики для средневековых мастеров стал собор в Реймсе. Этот город в сердце Шампани издавна служил местом коронации французских королей, а с 1179 года этот обряд совершался там постоянно. Первым королем, короновавшимся в Реймсе, стал вождь франков Хлодвиг. Это произошло в 481 году. Предание рассказывает, что накануне коронации случилось чудо: посланный с неба голубь принес в клюве фиал, полный елея, необходимого для помазания короля на царство.
Собор был построен около 817 года. Несколько раз перестраивавшийся собор погиб в пожаре в ночь на 6 мая 1210 года. Строительство нового здания началось уже в следующем, 1211 году, и продолжалось до 1481 года. Средства на строительство поступали от духовенства и частных лиц
Кёльнский собор
В XIII столетии перед горожанами Кёльна, одного из самых богатых и могущественных городов Священной Римской (Германской) империи, встала задача сооружения нового городского кафедрального собора. Кёльн переживал в ту пору свой расцвет, и, по замыслу отцов города, масштабы нового собора должны были затмить все остальные храмы.
«Не будет достроен Кёльнский собор!» — с горечью восклицал Гёте в своей поэме «Германия». Но поэт ошибался: строительство собора возобновилось и было завершено 15 октября 1880 года, через… шестьсот тридцать два года и два месяца после своего начала!
Введение в искусство – Введение в искусство
Этот курс называется «Введение в искусство».
Ее лучше было бы назвать «Введение в визуальную культуру», потому что это то, чем мы все занимаемся с момента пробуждения и до конца дня. Когда вы включаете телевизор, открываете телефон или компьютер или просто выходите на улицу, вы уже имеете визуальный доступ к любому количеству эстетических объектов, которые кто-то — для наших целей назовем ее художником — сделал выбор в своем представлении. От упаковки ваших хлопьев до дизайна вашего велосипеда используются компоненты и методы, которые художники используют для создания другого визуального средства, которое мы называем «изобразительным искусством». На протяжении столетий мастера делили предметы на утилитарные вещи и вещи, не имеющие другого очевидного назначения, кроме как доставлять нам удовольствие (есть исключения — гобелены 18-го века защищали от сквозняков замка, но это история на потом). Сегодня эта разделительная линия стерлась, и хотя у нас все еще есть секции в музеях для таких вещей, как мебель, и музеи для так называемых ремесел, факт остается фактом: эти предметы также ценятся за их формальные характеристики в достаточной степени, чтобы их собирали и помещали в галереи, музеи и частные коллекции.
Этот класс предназначен для того, чтобы сделать вас более чувствительными к окружающему миру и начать понимать свои собственные эстетические вкусы и искать вещи, которые доставляют вам визуальное удовольствие. (Еще одно замечание: слово «удовольствие» здесь употребляется вольно; иногда работа, которую мы любим, заставляет нас задуматься или даже вызывает неприятные эмоции, но тем не менее мы ценим их за то, что они каким-то образом нас трогают.)
Создается впечатление, что люди запрограммированы на созидание. Из мест древнейших человеческих и даже проточеловеческих поселений появляются объекты, которые кажутся попытками проиллюстрировать мир.
Эти образы и предметы сопровождали людей во все времена. Формы, средства и методы, с помощью которых мы рисуем наш мир, менялись вместе с людьми, но их импульс изображать этот мир не менялся.
Что такое искусство?
Так как же тогда определить «изобразительное» искусство? Искусство – это весьма разнообразный спектр человеческой деятельности, в ходе которой создаются визуальные, слуховые или исполнительские артефакты — произведения искусства, – которые выражают творческие или технические навыки автора и предназначены для того, чтобы их ценили за их красоту или эмоциональную силу.
Древнейшими задокументированными формами искусства являются изобразительные искусства, хотя археологи предполагают, что ранние люди также занимались музыкой. С течением времени техники — медиа — включали живопись, скульптуру, гравюру и, начиная с 19 900 13 900 14 века, фотографию. Архитектуру часто включают в число изобразительных искусств; однако, как и декоративное искусство, оно включает в себя создание объектов, в которых практические соображения использования имеют важное значение, чего обычно нет в другом изобразительном искусстве, таком как живопись. Искусство можно охарактеризовать с точки зрения мимесиса (его «реалистичного» представления реальности), выражения, передачи эмоций или других качеств. Хотя определение того, что представляет собой искусство, оспаривается и со временем менялось, общие описания сосредоточены на идее творческих или технических навыков, возникающих в результате человеческой деятельности и творчества. Когда дело доходит до визуальной идентификации произведения искусства, единого набора значений или эстетических характеристик не существует.
Картина в стиле барокко не обязательно будет иметь много общего с современным перформансом, но они оба считаются искусством.
Несмотря на кажущуюся неопределенность природы искусства, всегда существовали определенные формальные ориентиры для его эстетического осмысления и анализа. Формализм – это концепция теории искусства, согласно которой художественная ценность произведения искусства определяется исключительно его формой или способом его создания. Формализм оценивает работы на чисто визуальном уровне, учитывая элементы среды и композиции, а не любые ссылки на реализм, контекст или содержание. На этом занятии вы научитесь «читать» произведение искусства в соответствии с его формальными качествами — «формальный анализ».
Искусство часто исследуется через взаимодействие принципов и элементов искусства. Принципы искусства включают движение, единство, гармонию, разнообразие, баланс, контраст, пропорцию и узор. Элементы включают текстуру, форму, пространство, форму, цвет, значение и линию.
Различные взаимодействия между элементами и принципами искусства помогают художникам организовывать чувственно приятные произведения искусства, а также дают зрителям основу для анализа и обсуждения эстетических идей. В нашем следующем чтении мы узнаем больше об элементах и принципах искусства и начнем использовать их для описания произведений искусства.
Картина Караваджо Ecce Homo является примером картины в стиле барокко. На нем изображена сцена из Библии, в которой Понтий Пилат показывает Иисуса Христа враждебно настроенной толпе со словами «Ecce homo!» («Вот этот человек!»).
Mutual Core Бьорк — пример современного перформанса.
Видеоарт часто представляет собой междисциплинарную смесь музыки, живописи, перформанса и других форм. Несмотря на то, что они очень разные с точки зрения среды, периода времени и сообщения, оба этих произведения искусства используют схожие элементы и принципы.
Что делает искусство?
Фундаментальная цель, общая для большинства форм искусства , – это основное намерение обратиться к человеческим эмоциям и соединиться с ними. Однако термин «искусство» невероятно широк и может быть разбит на множество подкатегорий, ведущих к утилитарным, декоративным, терапевтическим, коммуникативным и интеллектуальным целям. В самом широком смысле искусство можно рассматривать как исследование человеческого состояния или как продукт человеческого опыта.
Художники создают работы, которые выполняют ряд эмоциональных, а иногда и практических функций в культуре. Мы часто группируем эти функции по жанр . [Жанр в целом относится к классификации объектов по форме, содержанию или стилю.
В частности, это относится к категории работ, в которых в качестве сюжета используются образы повседневной жизни.] Часть того, что делают художники, — это создание работ, предназначенных для определенной цели.
Художники также создают версии утилитарных предметов, обладающих необыкновенной эстетической ценностью.
Декоративное искусство придает эстетическую и дизайнерскую ценность предметам повседневного обихода, таким как стакан или стул, превращая их из простого утилитарного предмета в нечто эстетически красивое. Существуют целые школы мысли, основанные на концепциях теории дизайна, предназначенных для объектов физического мира.
Это компьютерное изображение знаменитого стула, созданного Марселем Брейером в 1925 году, стало символом того, что мы называем «модернизмом».
Мы знакомы с искусством, которое обеспечивает запись реальных исторических событий. Художники из разных культур со всего мира создали визуальную документацию моментов, имевших особое значение для общества того времени. В 17 -м -го века Французская академия назвала этот жанр живописи «исторической живописью» и отвела ему самое высокое место в своей иерархии жанров.
Эмануэль Лойце, Вашингтон, пересекающий Делавэр, 1851 г.
, холст, масло, 149 x 255 дюймов, Метрополитен-музей. PD-US Anonymous (Islamic), Две иллюстрации из рукописи Гулистана Сади, конец 10 в. АХ/АД. Бумага, наклеенная на картон, тушь и пигменты, 11,6 х 7,5”. Художественный музей Уолтерса: общественное достояние на Викискладе; https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Islamic_-_Two_Illustrations_from_a_Manuscript_of_Gulistan_by_Sadi_-_Walters_W66849A.jpg Washington Crossing the Delaware — сюжет из американской истории, который на протяжении многих лет представлялся рядом художников. Две исламские иллюстрации выше взяты из рукописи династии Великих Моголов; вступительная глава называется «Поведение королей»; верхний регистр (горизонтальная полоса изображений) изображает князя, посещающего святых людей в пустыне. Нижняя иллюстрирует притчу о царе, который дал крупную сумму денег нищему. Нищий тратит большой подарок короля, а затем возвращается за новым. Когда король отказывается, его министр советует вместо этого дарить нищему деньги в небольших количествах, моральный принцип которых заключается в том, что нельзя давать надежду актом безграничной доброты, который вы не желаете продолжать.
Искусство также может иллюстрировать глубоко укоренившиеся, но невидимые верования – этот вид искусства лучше всего проявляется в различных религиозных традициях.
Микеланджело, Потолок Сикстинской капеллы, Сотворение Адама, 1508-1512, фреска. Лицензия PD-US Creative Commons Attribution-ShareAlike; https://commons.wikimedia.org/wiki/Sistine_Chapel_ceilingНекоторые религии требуют изображения своих богов, в то время как другие запрещают такие изображения. Католическая церковь имеет богатую многовековую традицию изображения множества историй и персонажей этой практики; однако христианское ответвление протестантизма не предпочитало изображать этих божеств и поклонялось в церквях практически без репрезентативных украшений.
Однако потребность придать богам физическую форму была общим побуждением людей во все времена и во многих очень разных культурах.
«Файл:Кецалькоатль Теотиуакан.jpg». Wikimedia Commons, бесплатный репозиторий мультимедиа. 9 февраля 2017 г., 20:54 UTC.
11 авг 2017, 19:59 .Эта большая голова изображает бога Кецалькоатля из Музея антропологии в Теотиуакане. (Isaact92.) Кетцалькоатль был богом Пернатого Змея в нескольких культурах Мезоамерики.
Одной из наиболее универсальных функций искусства является помощь нам в воплощении человеческих эмоций или визуализации человеческого состояния в целом. Различные художники на протяжении всей истории искусства выражали свои собственные эмоции и позволяли зрителям сопереживать. Одной из самых известных картин, которая передает внутреннее состояние художника, написавшего ее, является картина Ван Гога «9».0027 Пшеничное поле с воронами из 1890 .
Винсент Ван Гог, Пшеничное поле с воронами, 1890 г., холст, масло, PD-US Описание источника: http://www.southern.net/wm/paint/auth/gogh/fields/, Public Domain, https:// commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=92718 Ван Гог долгое время страдал от изнурительных приступов психических и физических заболеваний. Эту работу он написал в конце своей жизни.
Низкое, грозовое небо вместе с кажущимся тупиковым путем и черной зловещей тучей ворон, по словам Ван Гога, должно было передать «грусть, крайнее одиночество», но также и показать то, что, по его мнению, было «здоровым и укрепляющим». сельская местность.» (http://vangoghletters.org/vg/letters/let898/letter.html. Тео ван Гог и Джо ван Гог-Бонгер. Овер-сюр-Уаз, четверг или около того, 10 июля 1890 г.)
Искусство может действовать и в терапевтических целях, и эта идея используется в арт-терапии. Хотя определения и практики различаются, арт-терапия обычно понимается как форма терапии, использующая арт-медиа в качестве основного способа общения. Это относительно молодая дисциплина, впервые появившаяся примерно в середине 20 века. Считается, что люди, которым трудно выразить свое внутреннее состояние вербально, иногда могут легче представить эти чувства в визуальной форме.
Исторически изобразительное искусство предназначалось для обращения к человеческому интеллекту, а также к эмоциям, хотя в настоящее время нет истинных границ.
Как правило, движения в изобразительном искусстве на протяжении веков реагировали друг на друга как интеллектуально, так и эстетически. С появлением концептуального искусства и теории постмодерна практически все можно назвать искусством. В общем, изобразительное искусство представляет собой исследование человеческого состояния и попытку глубже понять жизнь и мир как вокруг, так и внутри нас.
С этой целью искусство может сделать нас более осведомленными об обычном мире, который мы воспринимаем каждый день. Художники создают моменты, которые вырывают нас из нас самих и из нашей повседневной жизни и заставляют нас замечать и думать о мире по-новому. Искусство граффити, подобное творчеству Бэнкси, может создать для нас такие моменты. Он так популярен, потому что создает для нас неожиданные моменты визуального самовыражения.
Бэнкси, Rat Photographer PD-US: фото Затера. https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Banksy_-_Rat_Photographer.jpgЗначение в искусстве
Во многих отношениях это наиболее проблематичный вопрос, который мы рассмотрим в этом классе.
Часто, когда мы сталкиваемся с чем-то необычным, экстремальным и неожиданным, мы не знаем, как на это реагировать. Это может вызвать у нас дискомфорт; мы можем чувствовать, что человек, который это сделал, пытается заставить нас чувствовать себя глупо, потому что мы не понимаем, что видим, или почему другие считают это важным. Мы можем подумать, что художник пытается обмануть нас, заставив серьезно относиться к чему-то, не имеющему никакой ценности. Хотя это естественная реакция, она отрезает нас от богатства искусства, заставляя нас сосредоточиться на «смысле», исключая все остальное. Я бы попросил вас, пока мы начинаем думать об этих вещах, отложить это в сторону. Когда вы склонны отказаться от работы, сделайте шаг назад и посмотрите, сможете ли вы найти в ней что-то ценное — может быть, просто поставить под сомнение. Вы обнаружите, что иногда искусство — это просто искусство — метаискусство. Оно может ничего не «значить» или, по крайней мере, не иметь никакого значения, доступного нам.
Но если мы дадим ему шанс, мы сможем оценить в нем такие вещи, как цвет, форму или линию, или что-то, что на самом деле не предназначено для того, чтобы бросать нам вызов интеллектуально, а скорее оптически. Все искусство сообщает, или, по крайней мере, все хорошее искусство делает это. То, что он сообщает и как, часто может зависеть как от зрителя, так и от первоначального замысла художника.
Значение искусства часто зависит от культурной специфики, разделяют члены данного общества и зависят от культурного контекста. Целью произведений искусства может быть передача политических, духовных или философских идей, создание ощущения прекрасного (см. эстетика ), исследование природы восприятия для получения удовольствия или для порождения сильных эмоций. Его цель также может казаться несуществующей.
Искусство в самом широком смысле — это форма общения. Философы веками пытались понять значение искусства в человеческой культуре. По сути, произведение искусства означает то, что задумал художник, и это значение формируется материалами, техниками и формами, которые оно использует, а также идеями и чувствами, которые оно вызывает у своих зрителей.
Искусство – это акт выражения чувств, мыслей и наблюдений.
Красота в искусстве
То, что делает искусство прекрасным, — сложная концепция, поскольку красота субъективна и может меняться в зависимости от контекста. Однако существует основной человеческий инстинкт или внутреннее понимание гармонии, баланса и ритма, которые можно определить как красоту. Красота с точки зрения искусства обычно относится к взаимодействию между линией, цветом, текстурой, звуком, формой, движением и размером, которое приятно для чувств.
Эстетическое искусство
Эстетика — это раздел философии, изучающий природу и оценку искусства, красоты и вкуса. Эстетика занимает центральное место в любом исследовании искусства. Слово «эстетический» происходит от греческого «aisthetikos», что означает «эстетический, чувствительный или чувствующий». На практике эстетическое суждение относится к чувственному созерцанию или оценке объекта (не обязательно произведения искусства), тогда как художественное суждение относится к узнаванию, оценке или критике произведения искусства.
Многие философы пытались разобраться в концепции красоты и искусства. Для Иммануила Канта эстетический опыт красоты есть суждение о субъективной, но общечеловеческой истине. Он утверждал, что все люди должны согласиться с тем, что роза прекрасна, если это действительно так. Существует много общих представлений о красоте; например, картины Микеланджело в Сикстинской капелле широко признаны прекрасными произведениями искусства. Однако Кант считает, что красоту нельзя свести к какому-либо базовому набору характеристик или черт.
Для Артура Шопенгауэра эстетическое созерцание красоты есть самое свободное и чистое, чем может быть интеллект. Он считает, что только с точки зрения эстетики мы созерцаем совершенство формы без каких-либо мирских целей — интеллектуальное или личное отстранение, не имеющее конца, кроме наслаждения созерцанием.
Микеланджело, Пьета, мрамор, Сикстинская капелла, Ватикан, Рим, 1508–1512 гг. Photo Jebulon Этот файл доступен по лицензии Creative Commons CC0 1.
0 Universal Public Domain Dedication. https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Michelangelo%27s_Piet%C3%A0_Saint_Peter%27s_Basilica_Vatican_City.jpgКрасоту в искусстве бывает трудно выразить словами из-за кажущегося отсутствия точного языка. Эстетическое суждение не может быть эмпирическим суждением, а должно обрабатываться на более интуитивном уровне. В 1964 году судья Верховного суда Поттер Стюарт написал, что не может дать адекватного определения «порнографии», но он понял это, когда увидел. (378 U.S. 184, 1964) Как ни странно, это относится и к искусству. Это визуально удовлетворяет или стимулирует по причинам, которые нам часто трудно измерить или описать.
Мартин Джонсон Хед, Две орхидеи в горном пейзаже, ок. 1870 г., холст, масло, 17 х 23 дюйма. PD-US https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Martin_Johnson_Heade_-_Two_Orchids_in_a_mountain_Landscape.jpgИскусство и человеческие эмоции
Иногда красота не является конечной целью художника. Искусство часто предназначено для обращения к человеческим эмоциям и связи с ними.
Художники могут выражать что-то так, чтобы их аудитория каким-то образом стимулировалась — создавая чувства, религиозную веру, любопытство, интерес, отождествление с группой, воспоминания, мысли или творчество. Например, перформанс часто не направлен на то, чтобы доставить удовольствие аудитории, а вместо этого вызывает у зрителя чувства, реакции, разговоры или вопросы. В этих случаях эстетика может быть неуместной мерой «красивого» искусства.
Рёттгенская пьета — это пример предмета, который в некоторых культурах считался типично «красивым» с изящными фигурами и мягкими изогнутыми линиями. Однако в Северной Европе pietà [образ Богородицы, держащей на коленях мертвого Христа] был создан для других целей. На Севере христианские фигуры и иконы были созданы, чтобы напрямую воздействовать на эмоции зрителей. Вместо того, чтобы служить удовлетворительным эстетическим напоминанием, эти изображения были предназначены для того, чтобы показать, что человеческая боль и страдания разделены между человечеством и их Богом.
Кто такой «Художник»?
Художник – это лицо, занимающееся широким спектром деятельности, связанной с созданием искусства. Слово трансформировалось со временем и в контексте, но современное понимание термина обозначает, что, в конечном счете, художником является любой, кто называет себя художником.
В Древней Греции и Риме не было слова «художник». Греческое слово «техне» наиболее близко к слову «искусство» и означает «овладение каким-либо искусством или ремеслом». От латинского «tecnicus» произошли английские слова «техника», «технология» и «технический». Этими словами мы можем обозначить древний стандарт отождествления искусства с ручным трудом или ремеслом.
Каждая из девяти муз Древней Греции курировала разные области человеческого творчества. Создание поэзии и музыки считалось богодухновенным и поэтому высоко ценилось. Однако не было музы, отождествляемой с живописью и скульптурой; древнегреческая культура низко относилась к этим формам искусства в обществе, считая работу такого рода более похожей на ручной труд.
В средние века слово «художник» относилось к чему-то, напоминающему «ремесленника» или ученика искусств. Первое разделение на «большие» и «второстепенные» искусства восходит к 1400-м годам с работами Леона Баттисты Альберти, в которых основное внимание уделялось важности интеллектуальных навыков художника, а не ручных навыков мастера. Европейские академии XVI века формально закрепили разрыв между изобразительным и прикладным искусствами, который в той или иной степени существует и по сей день. Вообще говоря, прикладное искусство применяет дизайн и эстетику к предметам повседневного обихода, а изобразительное искусство служит интеллектуальной стимуляцией.
В настоящее время термин «художник» обычно относится к любому, кто занимается деятельностью, которая считается видом искусства. Однако на вопросы о том, что такое искусство и кто такой художник, нелегко ответить.
Идея определения искусства сегодня намного сложнее, чем когда-либо. После выставки «Коробка Брилло» Энди Уорхола и Банки с супом Кэмпбелл во время движения поп-арт вопросы «что такое искусство?» и «кто такой художник?» вошел в более концептуальную сферу. На самом деле все может быть искусством, и этот термин постоянно развивается.
Банки с супом Кэмпбелл Энди Уорхола стали символом движения поп-арт.
Одна группа производителей, которые никогда не предназначали свою работу для общественного потребления, в последние годы стали все более заметными и прославленными.
Black Dog Running
Билл Трейлор родился в рабстве в Алабаме в 1854 году. После эмансипации продолжал работать издольщиком.
В 1935 году, когда ему было за 80, Трейлор переехал в город Монтгомери и начал делать снимки, напоминающие о его жизни на ферме. Трейлор никогда не задумывал свою работу как «искусство» в том смысле, в каком мы его думаем. Когда его обнаружили в 80-х годах, его работы быстро стали популярными и теперь продаются на аукционах за тысячи долларов. Таких художников, как Трейлор, называют «наивными», «фолк» или «9».0017 Outsider », потому что они работали вне мейнстрима и не имели формального художественного образования. Другими известными художниками, подобными этому, являются Генри Дарджер, Бабушка Мозес, Джеймс Хэмптон и Мод Льюис.
Репрезентация
Существуют искусствоведческие термины для описания определенных визуальных условностей, которые сложились с течением времени. Многие из них можно увидеть в более ранние периоды, но современные художники все еще используют версии этих условностей, потому что идеи, которые они воплощают, универсальны. Один из этих терминов равен vanitas , от латинского vanus , что означает пустой или бесполезный, а также термин, от которого мы получаем слово «тщеславие».
Вальдес Леаль, испанский художник эпохи барокко, использовал изображения для создания этой картины Vanitas [тип живописи, призванный напомнить о скоротечности жизни и бесполезности мирские вещи перед лицом вечности]; историки искусства используют что-то под названием иконография [идентификация и значение предмета в искусстве], чтобы помочь понять значение изображений в искусстве. Во всех картинах Vanitas используются похожие объекты, хотя есть региональные различия. Человеческий череп является довольно хорошим признаком того, что вы смотрите на картину Ванитас, но картина Ванитас в стиле голландского барокко не всегда включает череп. Другие предметы, такие как фрукты и цветы (они умирают и гниют, как человеческие тела), свечи и календари (они напоминают о течении времени), а также драгоценности, деньги и часто медали или воинские почести (вещи, которые не имеют никакой ценности после смерти).
смерть) — все это типичные объекты на картинах Vanitas. Иконография — это единственный инструмент, который используют искусствоведы, и который требует изучения и знакомства с историческим контекстом. Это трудно использовать новичку, но это должно наводить на мысль, что исторические значения часто отличаются от тех, которые мы могли бы придавать объектам сегодня.
Одри Флэк использовала эти исторические идеи в 1970-х годах для создания изображений, которые должны были напомнить нам об одних и тех же вещах, но она также использовала изображения, имеющие феминистский контекст. Другим типичным изображением Vanitas было изображение молодой женщины, смотрящей в зеркало, иногда с черепом, сидящим рядом с ней, или даже со Смертью, смотрящей через ее плечо. Эти образы Смерти и Девы смешивали женщин и тщеславие — клише о женщинах, на которое Флэк также обращал внимание.
Мы описываем искусство несколькими способами, которые относятся к способу его изображения или его стилю. Стиль имеет более широкое значение, но вот несколько примеров и определений основных способов категоризации изображений. Вы захотите обратить особое внимание на эти категории, так как вас попросят распознать их в произведениях искусства.
Репрезентативное искусство
Этот вид искусства стремится воссоздать наше реальное визуальное восприятие мира. Мы можем сделать так, чтобы это выглядело «настоящим» или «реалистичным». Репрезентативный лучше, потому что он включает в себя идею о том, что искусство есть искусство, а не реальный объект и является продуктом руки и глаза художника, хотя у нас нет проблем с распознаванием изображения.
Роза Бонер, Эскиз собаки, около 1860-х гг., бумага, масло. Художественный музей Принстонского университета PD-US Источник «Бонёр была известна своими рисунками животных.
Возможно, она видела ушастого терьера, который является предметом этого исследования масла, в лесу Фонтенбло, недалеко от ее дома в Томери, или, возможно, это был один из многих домашних животных, которых она держала на протяжении всей своей жизни. Работа Бонёра характеризуется непосредственным наблюдением и тщательным рисованием. Традиционный в ее подходе, она сделала множество подготовительных эскизов, таких как этот, прежде чем создать картину. В 1865 году Бонёр стала первой женщиной, награжденной Большим крестом Почетного легиона — желанной наградой, учрежденной Наполеоном».
Мы понимаем, что это изображение собаки, хотя нижняя часть незакончена.
Abstract
Когда мы описываем изображение как «абстрактное», мы имеем в виду, что оно имеет свои корни в наблюдаемом мире, но художник преувеличил некоторые визуальные элементы. Мы знаем, что это такое, но это выглядит не так, как мы ожидаем, что этот объект будет выглядеть в реальном мире.
Пауль Клее, Howling Dog, 1928, холст, масло, Художественный музей Миннеаполиса, США https://commons.
wikimedia.org/wiki/File:Paul_Klee_-_Howling_Dog_-_56.42_-_Minneapolis_Institute_of_Arts.jpg Пауль Клее (1879–1940) был швейцарско-немецким художником, чьи работы
Пауль Клее (1879–1940) был швейцарско-немецким художником, на творчество которого большое влияние оказали детские рисунки и другие нетрадиционные источники. Он писал об искусстве и преподавал в школе искусства, дизайна и архитектуры Баухаус. Здесь Клее дает нам собаку, воющую на луну, и намекает на сам вой. Это можно было бы описать как «абстрактное», потому что мы можем распознать предмет, но нарисованный таким образом, что формы, цвета и его окружение преувеличены.
Одним из аспектов слова «абстрактный», который может вас сбить с толку, является его использование в других контекстах. Это слово стало обозначать вещи, которые лучше было бы описать как «нерепрезентативные», а не как абстрактные, но даже движение абстрактного экспрессионизма, которое содержало работы, в основном не имевшие буквального визуального соответствия в естественном мире, получило это название.
Возможно, «Нерепрезентативные экспрессионисты» были слишком длинными и неуклюжими.
Непредставление
Это довольно просто. Искусство, в котором нет предмета, который, кажется, воссоздает объект из наблюдаемого мира, называется «нерепрезентативным».
Джексон Поллок, Осенний ритм № 30, 1950, холст, эмаль, 105 x 207», Музей Метрополитен. Фото Томаса Хоука. https://www.flickr.com/photos/thomashawk/11928812894 Единственное, что репрезентативно в работе Поллока, — это название, но в самой картине ничего не указывает на время года. Он ритмичен в налете и потоке мазков или капель, но по существу остается картиной, которая касается только ее формальных качеств. Мы можем оценить ощущение действия (некоторых художников-абстрактных экспрессионистов, таких как Поллок, также называли «живописцами действия» из-за широкой жестикуляции), а также цвета и глубину, которые мы ощущаем из-за перекрывающихся красок, но это не так.0027 представляют собой что-либо буквальное. Вы можете обнаружить, что слово «необъективный» также используется для такого рода работы, но для наших целей более подходящим кажется нерепрезентативное.
Форма и содержание
Форма используется для описания того, как выглядит произведение искусства. В следующем разделе мы изучим термины, которые помогут описать форму искусства. Содержание — вот о чем работа. Другими словами, исследование собаки Розой Бонёр было «о» собаке — таково было его содержание. Поллок Autumn Rhythm #30 также имеет содержание, но, как мы видели, лучше всего его можно описать в формальных терминах. Форма – это содержание. Часто средство, используемое в произведении искусства, действительно придает ему смысл или содержание, которых оно не имело бы в другом средстве. Энди Голдсуорти — шотландский художник, который работает с природными элементами, такими как листья, палки и камни, чтобы привлечь внимание к окружающей среде. Посмотреть примеры его работ можно здесь:
http://www.architecturaldigest.com/gallery/andy-goldsworthy-book-ephemeral-works?mbid=social_facebook
Контекст , в котором мы сталкиваемся с объектом, также может влиять на его значение.
Современные фотографии, например, религиозного предмета могут представлять для нас чисто эстетический интерес, а если бы мы встретились с ним в соборе, то поняли бы его иначе.
Предметы искусства
Особенно в двадцатом веке художники начали сомневаться в ценности самого предмета искусства. Марсель Дюшан усомнился в эксклюзивности искусства, когда приспособил предметы повседневного обихода, такие как велосипедные колеса, полки для бутылок и писсуары, в свои 9 часов.0017 готовые изделия . Эта связь искусства и объекта стала еще более проблематичной с такими движениями, как хэппенинги 60-х, перформансы художников Fluxus или, наконец, концептуальное искусство, в котором идея часто является искусством. Еще один способ сделать предметы менее ценными, но остаться в галерее или музее — это искусство. Искусство может занимать все пространство, внутри или снаружи, и зритель ощущает работу всем своим телом.
Яёи Кусама, Я молюсь со всей любовью к тюльпанам, инсталляция в Национальном музее международного искусства Осаки.
Фото Сэмюэля Марка Томпсона.Это базовое введение в некоторые идеи, с которыми мы сталкиваемся, когда начинаем думать об искусстве, является для нас лишь отправной точкой. В следующих разделах мы конкретизируем эти идеи примерами и описаниями различных видов, техник и методов создания произведений искусства, и, наконец, мы совершим краткий исторический тур по искусству на протяжении веков на Западе.
Лицензии и авторство: https://courses.lumenlearning.com/boundless-arthistory/chapter/what-is-art/
V&A · Введение в эстетическое движение
Эстетическое движение в Британии (1860-1900 гг.) стремилось избежать уродства и материализма индустриальной эпохи, вместо этого сосредоточившись на создании искусства, которое было бы красивым, а не имело более глубокий смысл – «Искусство ради искусства». Художники и дизайнеры этого «культа красоты» создали одни из самых утонченных и чувственно прекрасных произведений западной традиции и в процессе переделали домашний мир британского среднего класса.
У красоты столько же значений, сколько у человека настроений. Красота — это символ символов. Красота раскрывает все, потому что ничего не выражает. Когда оно показывает себя, оно показывает нам весь огненный мир.
Оскар Уайльд, 1890
Эти новые художники-эстетики включали представителей романтической богемы, таких как Данте Габриэль Россетти, Уильям Моррис и Эдвард Бёрн-Джонс; индивидуалисты, такие как Джеймс Макнил Уистлер, только что приехавший из Парижа и полный «опасных» французских идей о современной живописи; авангардные архитекторы и дизайнеры, такие как Э. У. Годвин и Кристофер Дрессер; и «олимпийцы», художники великих классических сюжетов, принадлежавшие к кругу Фредерика Лейтона и Г.Ф. Вт.
Джейн Моррис в постановке Россетти, фотография Джона Р. Парсонса, 1865 год, Англия. Музей №. 1748-1939 гг. © Музей Виктории и Альберта, Лондон С 1860 по 1900 год Эстетическое движение инициировало радикальные художественные и дизайнерские изменения, и его современные концепции образа жизни среднего класса и домашней среды отражаются даже в наше время.
Сегодня эстетизм известен своим революционным пересмотром отношений между художником и обществом, между искусством и этикой, между изобразительным и декоративным искусством, которые подготовили почву для художественных движений 20-го века.
1850-е годы: авангард обретает форму
Индивидуальные художники-эстетики черпали вдохновение в различных культурах и периодах. Они нашли красоту в живописи эпохи Возрождения, древнегреческой скульптуре и восточноазиатском искусстве и дизайне, особенно в японских гравюрах. Этот богатый эклектизм — одна из самых интригующих характеристик эстетического движения, которую Уистлер и другие использовали, чтобы стимулировать новые реакции на свои произведения искусства.
«Сенокосное поле» , картина Томаса Армстронга , 1869 г., Англия. Музей №. С.9-1917. © Музей Виктории и Альберта, Лондон Несмотря на использование названий, которые могли бы установить литературную или историческую связь, художники-эстетики были заинтересованы только в том, чтобы вызвать настроение или вызвать смутные ассоциации.
Это нервировало публику, не привыкшую к этому новому способу «прочтения» картины. Художники-эстетики также были заинтересованы в использовании в своих картинах техники синестезии — стимуляции одного чувства через другое, например, образы, активирующие обоняние, — чтобы вызвать наслоение реакций на произведение искусства и углубить опыт зрителя.
Архитектура и отделка
Если вам нужно золотое правило, которое подойдет всем, вот оно: не держите в своих домах ничего полезного или красивого, как вы считаете.
Уильям Моррис, 1880
Несколько ключевых членов круга Россетти проявили большой интерес к искусству дизайна, стремясь преобразовать банальную и претенциозную обстановку и предметы домашнего обихода в доме среднего класса. Обладая утонченной чувствительностью к линиям и геометрическим формам или, как в случае с Уильямом Моррисом, с чувством естественного орнамента и гармоничного цвета, эти дизайнеры стремились производить стулья и столы, достойные названия «Художественная мебель», а также создавать керамику, текстиль.
, и обои, совершенно не похожие на обычные «торговые» товары. Это должны были быть качественные товары для дома, которые радовали бы глаз художника и украшали дома меценатов, коллекционеров и ценителей эстетики. Утверждалось, что если мебель будет достаточно утонченной по форме, материалам и качеству изготовления, а также тщательно продумана по цвету, она — и декоративно-прикладное искусство в целом — сможет подняться на новый уровень и стереть давнее строгое разделение Королевской академии между «изобразительное» искусство живописи, скульптуры и архитектуры и так называемые ремесленные промыслы – проектирование и изготовление декоративно-прикладного искусства.
Прекрасный пример такого подхода можно увидеть в «Красном доме» Уильяма Морриса, спроектированном архитектором Филипом Уэббом и описанном Россетти как «скорее поэма, чем дом». Его согласованный стиль, описываемый как «неонародная мягкость с высокой художественной серьезностью», станет визитной карточкой Морриса.
Архитектурный чертеж с изображением фасадов Красного дома, спроектированный Филипом Уэббом для Уильяма Морриса, 1859 год, Англия.
Музей №. Е.60-1916. © Музей Виктории и Альберта, ЛондонМоррис заручился поддержкой своей жены, музы прерафаэлитов, Джейн Бёрден и друзей, чтобы обставить Красный дом, полагая, что «рост декоративного искусства в этой стране… должны посвятить этому свое время». Моррис основал широко влиятельное коммерческое предприятие, ориентированное на дом как на центр простого комфорта и красоты, с дизайном, основанным на простоте формы, качественном мастерстве и правдивости материалов.
(Слева) Дейзи, плитка, дизайн Уильяма Морриса, около 1862 года, Англия. Музей №. С.58-1931. © Музей Виктории и Альберта, Лондон; (Справа) Маргаритка, рисунок обоев, разработанный Уильямом Моррисом, около 1864 года, Англия. Музей №. Е.442-1919. © Музей Виктории и Альберта, Лондон В последующие годы дома художников и их экстравагантный образ жизни стали объектом общественного восхищения. Влияние «Дворцов искусств», созданных Россетти, Бёрн-Джонсом, Моррисом, Лейтоном и голландской художницей Альмой Тадема, было несоизмеримо с количеством людей, которые когда-либо действительно получили доступ и увидели эти пространства своими глазами.
Однако в то время существовало множество книг, иллюстрированных статей и пособий с необходимыми подробностями.
Идеал «Красивого дома» вызвал революцию в строительстве и внутренней отделке и в конечном итоге привел к более широкому признанию необходимости красоты в повседневной жизни. Эта идея будет иметь долгосрочное влияние не только на архитектуру, но и на социальную теорию и политическое мышление на долгие годы.
Фронтиспис к роману Кларенса Кука «Прекрасный дом: очерки о кроватях и столах, табуретах и подсвечниках», Уолтер Крейн, 1878 г. Музей №. НАЛ:47.М.26. © Музей Виктории и Альберта, ЛондонКрасота в доме: художественное оформление интерьера
Я обнаружил, что все безобразное создается теми, кто стремится сделать что-то красивое, а все прекрасное создается теми, кто стремится сделать что-то полезное.
Оскар Уайльд, 1883 г.
Эксцентричный образ жизни Эстетов вызывал восхищение у публики, подпитывая моду на все «художественное», будь то дорогой ремонт модным архитектором или приобретение единственного японского веера для каминной полки.
Производители и новые коммерческие предприятия отреагировали на спрос, сделав уникальные товары доступными по разным ценам, привлекательным даже для скромного бюджета. Дом среднего класса стал фокусом эстетики, и лавина публикаций «Как сделать» предлагала рекомендации о том, как добиться нового облика.
Яркий писатель и самопровозглашенный гуру стиля Оскар Уайльд много говорил о создании «Прекрасного дома». Он рассмотрел каждый аспект внутреннего убранства и дал несколько советов здравого смысла. Например, «витражи могут уменьшить блики от большого окна и наполнить комнату более тонким освещением».
Искусный дом продемонстрировал множество художественных безделушек, но предметы японского происхождения или вдохновения заняли почетное место. Принудительное открытие Японии для внешней торговли в 1853 году возродило европейское благоговение перед всем японским, примером чего является страсть Англии к старой «бело-голубой» азиатской керамике. Обширные экспозиции в Обществе старых акварелистов и Японском дворе Международной выставки 1862 года познакомили более широкую аудиторию с заманчиво «экзотическими» японскими формами.
Японская интонация, отличающаяся асимметрией, плоским рисунком, упрощенной формой и элегантным поверхностным орнаментом, стала отличительной чертой эстетического словаря.
Формы мебели также были переосмыслены дизайнерами Aesthetic. В отличие от сильно украшенных криволинейных стилей Людовика XIV, столь популярных у потребителей викторианской эпохи, художественная мебель элегантна и проста по дизайну. Несмотря на то, что на сегодняшний день они кажутся «современными», дизайн Aesthetic отсылает к азиатским, египетским, греческим, народным и даже изящным английским образцам 18-го века.
Стул, Эдвард Уильям Годвин, около 1885 г., Англия. Музей №. CIRC.258:1, 2-1958. © Музей Виктории и Альберта, Лондон Предпочтительные типы мебели — буфеты, угловые и навесные шкафы, каминные полки — создали платформу для демонстрации ценных предметов, включая вездесущий бело-голубой фарфор.
Производственные и коммерческие предприятия запустили свои собственные линии «Искусство», привлекая разносторонних дизайнеров-знаменитостей, включая Годвина, Дрессера, Уолтера Крэйна и Льюиса Формана Дэя, для создания дизайнов для всех типов мебели.
Пародия и декаданс
Фигура Эстета, чья сверхтонкая чувствительность и страстный отклик на произведения искусства, в полной мере проявилась в 1870-х годах. Считавшийся зараженным нездоровыми и, возможно, опасными иностранными идеями, журналисты и широкая публика относились к Эстету со значительной степенью подозрения. Однако к началу 1880-х годов Эстет с его самопровозглашенной привязанностью к поэзии, картинам и нюансам внутреннего убранства — словом, образ, столь проницательно перенятый Оскаром Уайльдом, — стал популярным объектом дружеской сатиры. В давней серии Жоржа Дю Морье остро наблюдаемых карикатур в Punch Magazine (начавшийся еще в 1876 г.
) и в популярной опере Гилберта и Салливана «Терпение » (1881 г.) одетые в бархат эстеты высмеивались за их «витражное отношение», чрезмерно драгоценную речь и энтузиазм в отношении любопытная привлекательность бледных лилий, подсолнухов, павлиньих перьев, хрупкого бело-голубого фарфора и японских вееров.
С самого начала критики эстетизма с подозрением относились к образу жизни его художников и аморальности его образов. К 1890-м годам новая и опасная французская интонация начала влиять на британскую эстетику, в том числе потакающие своим желаниям и саморазрушительные идеи французских писателей Поля Верлена, Стефана Малларме, Артюра Рембо и Жорис-Карла Гюисманса. Критика усилилась после короткой карьеры английского иллюстратора и писателя Обри Бердслея с его рисунками черными чернилами, в которых подчеркивался гротеск, декадентство и эротика.
Эстетический проект окончательно закрылся после скандала, связанного с судебным процессом, осуждением и заключением в тюрьму Оскара Уайльда за гомосексуальность в 1895 году, после того как в том же году он был объявлен вне закона. Падение Уайльда фактически дискредитировало эстетическое движение в глазах широкой публики, хотя многие из его идей и стилей оставались популярными в 20 веке.
Фоновое изображение: миссис Люк Ионидес (1848–1929), картина Уильяма Блейка Ричмонда, 1882 год, Англия. Музей №. Е.1062:1, 2-2003. © Музей Виктории и Альберта, Лондон,
Петра Кортрайт о том, почему она не заинтересована в том, чтобы прыгать на подножку политического искусства ). Родившуюся в США художницу не волнует эта тенденция, как не интересуют критики, которые не понимают, как она пишет картины без краски.
Она давно интересуется Интернетом, и ее картины деформируют и искажают все, что она там находит, в красивые, хотя и незнакомые образы.В начале 2010-х Кортрайт стала известна среди тысячелетних цифровых пост-интернет-художников своими короткими видеоработами, которые внесли новшество и смешали представление о селфи и других формах самопрезентации в Интернете. И ее работа по-прежнему актуальна сегодня: только в прошлом году, в разгар пандемии, Музей современного искусства в Нью-Йорке приобрел прозорливую раннюю работу Кортрайта VVEBCAM (2007), на которой художница безучастно смотрит на экран, а на нем мерцают маленькие JPEG-файлы. . В этом году она отправится в Саудовскую Аравию, чтобы принять участие в недавно созданной художественной резиденции коллекционера Пьера Сигга.
В живописи ее визуальный язык — это не портреты с низким разрешением, а скорее яркие и детализированные пейзажи на холодном алюминии, которые, кажется, излучают свет, которые она создает, накладывая и искажая изображения, которые она находит в Интернете.
Artnet News поговорили с художницей о том, как она адаптируется к меняющемуся Интернету, взрослея на новом этапе своей жизни и карьеры, и почему ей нравится оставлять политику за дверью студии.
Вид инсталляции выставки Петры Кортрайт «Baleaf Gys Akademiks Maamgic Brokig», которая будет показана до 5 февраля 2022 года в Société, Берлин. Предоставлено Société, Берлин.
Не могли бы вы немного рассказать мне о вашей выставке, которую сейчас показывают в Берлине в Société?
Файл построен в Photoshop — из одного файла получается целая серия или целое шоу. Исходные изображения взяты из Интернета или с моего мобильного телефона, и изображения разбиты на части или разбиты. Цвета из пикселей могут быть извлечены для мазков. Мазки сделаны с планшета Wacom, так что это моя рука. Вы можете создавать кисти с нуля, что означает, что вы можете сохранить определенный набор параметров и контролировать количество щетинок в щетке, угол и процентное содержание воды в щетке.
Все эти вещи, о которых мы говорим, связаны с управлением пикселями, но это гиперреалистично для рисования. У меня есть коллекция наборов кистей, сохраненных за десять лет, которые я собирал годами.
Каждый элемент картины полностью редактируемый и пластичный, поэтому каждый маленький кусочек, который вы видите, может быть изменен. Сохраняется много файлов, сохраняется много версий, а потом я сохраняю по ходу дела. Я вернусь позже и выберу те, которые мне понравились, и отправлю их на печать, чтобы превратить в физическую работу. Настроение файла немного диктует субстрат. Некоторые файлы будут лучше читаться на алюминии, а некоторые — на льняной бумаге. Их количество зависит только от того, насколько велика галерея.
Когда вы видите свою работу в виде изображений в Интернете, она может выглядеть так, как будто она нарисована на бумаге или холсте. Интересно, вы чувствуете, что ваша работа когда-либо была неправильно прочитана?
Да, это то, что я объяснял в течение долгого времени, и я думаю, что мне придется объяснять это очень долго.
Проблема в том, что я художник, но я не использую краски, поэтому это сбивает людей с толку. Я не пытаюсь запутать людей, но это так. Как сделать картину без краски? Что делает картину картиной? Я всегда хотел быть художником, и я думаю, что у меня есть мозг художника, но у меня нет терпения для процесса или материалов. Кроме того, у меня никогда не было денег, чтобы инвестировать в этот процесс. Существует своего рода барьер входа в это, и я всегда чувствовал себя таким умным и сильным, когда я использую компьютер. Я могу работать быстро и могу сделать так много файлов — я думаю, что это святая грааль для художника, когда ты можешь быстро реализовать любую идею, которую хочешь воплотить, без каких-либо ограничений. Просто свобода в этом — то, что я действительно ценю, поэтому я даже не знаю, как бы я не работал в цифре. Когда я выбираю производство физического произведения, именно тогда в дело вступают деньги. Делать красивые физические вещи довольно дорого.
Петра Кортрайт 1983 oldsmobile cutlass Supreme_688(I) Аниморфы Охотника/Убийцы Nickelodeon (2021).
В продаже до 5 февраля 2022 года в Société. Предоставлено Société, Берлин.
На мой взгляд, что отличает вас от многих артистов, так это ваше равнодушие к попыткам быть на правильной стороне. Вы всегда старались не привносить этику в свою работу и держать искусство отдельно. Как вы думаете об этом в последнее время?
В нынешних условиях мир искусства почти приставил пистолет к головам людей, говоря им, чтобы они делали работы, которые носят политический, социальный характер или касаются чьей-либо личности. Искусство намного больше, чем это. Я всегда отделял искусство от мира искусства и от арт-рынка. Это то, что для меня действительно важно уметь делать, потому что в противном случае искусство было бы разрушено для меня. За искусство в очень чистой, абстрактной форме стоит бороться. Мир искусства — это социальный конструкт: в лучшем случае он может быть поддерживающим сообществом людей, а в худшем он почти не имеет ничего общего с искусством, это просто социальная вещь.
Арт-рынок — это финансовая конструкция, которая едва ли реальна и совершенно смехотворна, потому что она такая темная. Я не мог спать в конце дня, если чувствовал лицемерие по поводу своей работы или пытался сказать, что работа что-то делает или помогает людям, чего на самом деле не было.
Для меня это очень просто: Искусство вообще имеет для меня большое значение, и я чувствую себя защитником красоты и простоты. В этом смысле у меня нет проблем с тем, чтобы отпустить работу, продать ее или оставить ее в мире искусства, потому что это значение уже существует для меня, и оно уже очень отдельное. Зарабатывать на жизнь искусством — огромный сюрприз и привилегия. Я потерпел неудачу почти во всем, что пытался сделать в своей жизни, так что я чувствую себя очень удачливым. Но попытка смешать это с этическими вопросами очень быстро становится очень сложной. У меня нет проблем с продажей работы или заработком на ней, потому что я хочу иметь стабильную и хорошую жизнь, и я не собираюсь извиняться за это или говорить, что я этого не хочу.
Потому что я определенно знаю.
Похоже, у вас есть собственная этика в отношении того, чтобы быть честным в отношении того, почему вы создаете искусство и что оно для вас значит, но это просто не соответствует доминирующему дискурсу.
Искусство может помочь очень абстрактно, но если вы действительно хотите помогать людям, вы можете стать социальным работником. Есть и другие работы, которые вы могли бы выполнять в 1000 раз сильнее. Мое намерение всегда состояло в том, чтобы сделать работу для себя. Я кажусь нефункциональным в других начинаниях, которые я пробовал в жизни. Если есть побочный продукт того, что другим людям нравится работа, и они хотят ее купить, то выигрывают все.
Петра Кортрайт vvebkam (2007) «Похитители тел (Церковь)» в церкви Сан-Джузеппе, Полиньяно-а-Маре (12 апреля – 20 июня 2021 г.).
Работы, выставленные в Société, словно рисуют цвета лесных пожаров. Вы живете в Калифорнии. Вы активно думали об изменении климата во время работы? Как сложилась жизнь за последние пару лет с этими ежегодными бедствиями?
Я не думаю, что какая-либо работа, которую я делаю, является откровенным заявлением, но я думаю, что есть тонкие вещи, которые просачиваются, когда вы создаете абстрактные визуальные эффекты.
Тревога жизни на западе США всегда присутствует. Есть опасения по поводу пожаров и нехватки воды. Пожары влияют здесь на свет и качество воздуха, и бывают моменты, когда об этом невозможно не думать. Это определенно кровоточит, особенно если я рисую пейзажи. Я также работаю с исходными изображениями с американского Запада. Я действительно заинтересован в этой эстетике прямо сейчас по многим причинам. Меня интересует Дикий Запад и идея Америки, свободы и того, что это значит, и как это сильно изменилось за последние пару лет. Шоу в Société также было вдохновлено небесами и адом, что также согласуется с идеей Америки и всеми поляризационными аспектами жизни здесь.
Правильно. Такое ощущение, что ты окружен со всех сторон: физически, мысленно, виртуально.
Да, но это нормально. Качество моей жизни достаточно хорошее. Вот такие конструкции сейчас в умах людей. Вы можете быть настолько несчастны, насколько хотите, по многим причинам, будь то политика или экологические проблемы, но, в конце концов, это может быть выбор, быть ли несчастным.
Как меняющийся Интернет изменил вашу работу?
Теперь я определенно использую больше собственных фотографий в своих картинах, потому что стало сложнее найти интересный исходный материал, не затронутый алгоритмами, которые делают вещи скучными. Они просто пытаются продвигать продукты для продажи. Я использую поиск изображений Bing, который выдает изображения Blogspot, поэтому иногда вы можете получить более интересные результаты. То, как я взаимодействую с Интернетом, сейчас сильно отличается от того, что было 15 лет назад, по многим причинам. Есть причины, которые я не могу контролировать, и к тому же я другой человек, чем был 15 лет назад.
Pink_Para_1stchoice Time’s Square Electronic Billboards, Нью-Йорк, 2019 г.
Чувствуете ли вы себя более привязанным к определенной эпохе Интернета?
Больше всего меня интересует, что я могу сделать сегодня. Я никогда не был тем художником, который много думает о будущем.
Я испытываю ностальгию по прошлому, но я активно пытаюсь бороться с этим, потому что это непродуктивно. Мы не можем вернуться к тому интернету, который был, и это причиняет столько страданий, чтобы жить вне реальности вот так. Я стараюсь избегать такого уровня страданий в своей жизни. Я только что смирился с тем фактом, что единственное, что я могу сделать, это то, что я могу сделать сегодня. Естественно, мои интересы будут меняться и развиваться, и я чувствую, что будущее устроится само собой, даже если я не буду думать об этом или беспокоиться о нем сегодня.
Большой темой в искусстве в настоящее время являются NFT.
Я сделал много из них просто потому, что работа, которую я уже делаю, так легко вставляется в них, даже размеры файлов. Видео, которые я всегда делал, были довольно маленького размера. Я стараюсь быть смелой и продолжать заниматься. Я не люблю думать о том, что правильно делать. Насколько это возможно, я стараюсь экспериментировать и заниматься, что, на мой взгляд, более продуктивно и интересно в конце дня.
На вашем веб-сайте запросы на покупку направляются на электронную почту вашей студии. Большинство художников на этапе вашей карьеры направляют потенциального покупателя в свою основную галерею. Каково ваше отношение к вашим галереям?
Я, наверное, работаю немного иначе, чем большинство людей — в моей студии централизованное управление. Я работаю с арт-дилером в Лос-Анджелесе, печально известным Стефаном Симховицем. У меня хорошие отношения со всеми галереями. Студия фильтрует запросы и просто немного делится географически. Если запрос поступает из Европы, имеет смысл обратиться к европейской галерее. Я просто стараюсь делать все логично и просто. Я делаю гораздо больше работы, чем могу показать или что может быть на рынке в любой момент времени. Когда дело доходит до работы со многими галереями, проблем с поставками не возникает.
3_beutyfol girls xerox Desert Rose в Doota Plaza, Сеул (2018) Петра Кортрайт (2018). Предоставлено Artist and Sketchedspace
В чем преимущества наличия нескольких галерей и одного арт-дилера на данном этапе вашей карьеры?
Все мои галереи находятся в середине карьеры.
Ни один из них не является голубым фишкой, и это нормально. Это похоже на совершенно новый набор политических и социальных аспектов. Не знаю, насколько мне это интересно. Я просто очень доволен тем, как обстоят дела сейчас. Все очень функционально, и приятно работать с людьми, которые мне очень нравятся. Мне просто нравится работать с людьми, с которыми мне также нравится ужинать. Это более приятный способ работы.
Теперь ты мать. Как вы относитесь к материнству как художник, учитывая ваше равнодушие к идентификационным тегам?
Я очень забочусь о своем ребенке. Есть люди, которые знают, что у меня есть ребенок, но на самом деле его нет в социальных сетях или где-то в этом роде. У меня очень сильные чувства к детям и социальным сетям. Я хочу подарить ему уединение, насколько это возможно. Каждый раз в голубую луну я делаю пост о близких друзьях, но я стараюсь максимально защитить его от злого мира искусства.
Я не особо доверяю тому, как другие люди воспринимают мою жизнь.
Что кто-то подумает, что это как слабость, но это не так. Вероятно, это касается и того, как я сейчас пользуюсь Интернетом. Пятнадцать лет назад я поделился большим количеством личной информации в Интернете. Теперь я действительно не делюсь так много личных подробностей о своей жизни.
КЛИНТОН+СИГАРА КОДЫ ЛЮДЕЙ ИКС ПРОТИВ. STREET FIGHTER_Commodore 1541 (2021). Предоставлено Société, Берлин.
Вы вообще убирали свои старые вещи в Интернете?
Я ничего не удаляю из интернета. Я на самом деле поставил точку в этом. Это было то, что я решил сделать давным-давно: если вы собираетесь опубликовать это и если вы собираетесь взаимодействовать с миром таким образом, вы должны жить с последствиями этого. В Интернете есть информация о том, что половина моей жизни разлагалась и гнила. Если бы люди знали, где его искать, они могли бы обнаружить некоторые неприятные и неловкие вещи. Мой Живой Журнал готов. Но информации так много, что она просто теряется.
Как материнство изменило ваш творческий процесс?
У меня есть сын. Это определенно изменило ситуацию. Я не могу работать без ограничений, как раньше. Иногда мне приходится ждать, если у меня есть идея, и тогда требуется немного больше времени, чтобы найти время, чтобы воплотить ее в жизнь. Это также энергетический фактор, например, просто большая усталость. Раньше я работал за компьютером в течение очень долгих 10- или 12-часовых сеансов. Я больше не могу этого делать. Мне нужно было научиться находить способ что-то сделать, отбиваясь от чего-то около 45 минут, делая перерыв и возвращаясь к нему. Наверное, это хорошо для меня. У меня всегда был этот страх, как и при любых больших переменах в жизни, что я никогда больше не смогу работать, или я никогда не смогу работать так, как раньше, и тогда это никогда не бывает. Поскольку у меня есть все мои файлы, у меня есть доказательства того, что я делал раньше, и я могу сравнить это с тем, что я делаю сейчас.